Introduction
Introduction Statistics Contact Development Disclaimer Help
# taz.de -- Florentina Holzinger über Feminismus: „Ich habe niedrigen Blutdr…
> Florentina Holzinger ist eine der angesagtesten Performer:innen der
> hiesigen Theaterszene. Hier spricht sie über Nacktheit, Stunts und
> Feminismus.
Bild: Macht sich auf der Bühne gerne über Machotypen lustig
Florentina Holzinger rauscht ein paar Minuten später als verabredet in den
alten Ballettsaal der Berliner Volksbühne. Sie ist eine zierliche Person
mit tiefer, kratziger Stimme. Für einen Auftritt in ihrer neuesten Show
„Ophelia’s Got Talent“ ist sie mit dem Flieger aus Wien angereist. Jetzt
ist sie etwas genervt. Sie war nicht darauf vorbereitet, fotografiert zu
werden. Sie hat keine Lust dazu, grantelt auf Wienerisch. Ob sie sich noch
frisch machen wolle? Holzinger winkt ab.
Einen Augenblick später steht sie auf dem abgeschrammelten Konzertflügel,
wo das erste Foto entsteht. Holzinger ist ein Phänomen. In der
deutschsprachigen Theaterszene gibt es gerade kaum eine Performerin, die
angesagter ist als sie. Während andere über Publikumsschwund klagen, sind
ihre Shows fast immer ausverkauft. Sie sind ein Spektakel mit ausgefallenen
Choreografien, viel Nacktheit und waghalsigen Stunts.
taz: Wie sind Sie zum Tanzen gekommen, Frau Holzinger?
Florentina Holzinger: Ich habe in der gymnasialen Oberstufe irgendwann
damit angefangen, in so Bewegungsklassen zu gehen. Und daraus hat sich dann
relativ schnell der Wunsch entwickelt, Tänzerin zu werden.
Ich dachte, man muss viel früher anfangen, um gut zu werden.
Wenn man klassisches Ballett tanzen möchte, ja. Bei anderen Tanzrichtungen
ist es vielleicht sogar besser, spät anzufangen. Dann kommt einem die
Pubertät nicht in die Quere.
Was interessiert Sie am Tanzen?
Ich empfinde es als befreiend, mich über meinen Körper auszudrücken. Worte
sind im Gegensatz dazu bedeutungslos für mich.
Wie bitte? Worte können doch auch sehr viel ausdrücken.
Ja, aber hinter Worten kann man sich verstecken. Einem Körper siehst du
sofort an, ob er sich wohlfühlt oder nicht.
Sie haben an der School for New Dance Development in Amsterdam studiert.
Warum dort?
Das war die einzige Schule, die mich genommen hat.
Was wurde dort unterrichtet?
Neuer Tanz.
Was ist das?
Während moderner Tanz noch sehr vom klassischen Ballett abgeleitet ist und
sich zeitgenössischer Tanz viel um Schwerkraft, Kontaktimprovisationen und
die Integration des Bodens dreht, verfolgt neuer Tanz den Ansatz, dass
letztlich alles Tanz sein kann. Wir wurden an der Schule dazu angehalten,
unseren eigenen Tanzstil zu entwickeln.
Das klingt überfordernd …
Ja, zu Anfang war ich schon ein bisschen lost. Ich hatte ja selber nicht
die krasseste Vorbildung, aber gleichzeitig Urbock, physisch zu trainieren.
Und da steckte ich in einem Dilemma, weil für mich ja viele Züge schon
abgefahren waren.
Welche?
Eine Ballettkarriere.
Hätten Sie da Lust drauf gehabt?
Jein. Ich hätte zwar Bock gehabt, in einer physischen Tanzkompanie zu
arbeiten. Gleichzeitig habe ich aber schon immer ein problematisches
Verhältnis zu Autoritäten gehabt und hätte mir nicht vorstellen können, für
irgendeinen männlichen Kompanieleiter zu tanzen.
Wie haben Sie Ihren eigenen Tanzstil gefunden?
Ich habe mir in meiner Studienzeit viele Underground-Performances in New
York angeschaut. Das waren meistens Sachen, die Hardcore waren. Irgendwie
trashig und voll mit popkulturellen Referenzen. Ich fand es inspirierend,
dass sich die Leute dort nicht so angeschissen haben, was Regeln, sexuelle
Darstellungen und Tabus betrifft.
In Ihrer Produktion „A Divine Comedy“, die an Dantes „Göttliche Komödie…
angelehnt ist, spricht die 1943 geborene Performerin Beatrice Cordua davon,
dass eine Tänzerin „zwei Tode“ stirbt. Was meint sie damit?
Mit dem „ersten Tod“ meint sie etwas zynisch das Ende der Karriere als
Tänzerin. Für die meisten Balletttänzerinnen ist nämlich mit 37 Jahren
Schluss. Das ist aber jetzt auch kein so großes Drama, wie oft behauptet
wird. Das Problem vieler klassischer Tänzerinnen ist, dass es für sie
nichts anderes gibt als Ballett. Dabei könnten sie sich danach, so wie
Beatrice es getan hat, durchaus anderen Tanzformen zuwenden.
Wie sexistisch ist die klassische Tanzwelt?
Da habe ich keinen großen Einblick, weil ich selber nie Teil von so rigiden
Verhältnissen war.
Aber Sie bekommen sicher eine Menge mit?
Klar. Während der letzten Jahre sind jede Menge Erfahrungsberichte an mich
herangetragen worden.
Welche Probleme sehen Sie im Ballettbereich?
Das Verhältnis von Ausbildenden und Tänzerinnen, ja die ganzen
Arbeitsverhältnisse sind sehr gefickt. Die Repräsentation von Körpern ist
da extrem engstirnig und die Hälfte des Repertoires problematisch.
Was finden Sie dort problematisch?
Da gibt es unzählige Beispiele … Die Narrationen selbst, die Exotismen,
Black and White, oder wenn im „Nussknacker“ eine körperlich eingeschränkte
Person so urcorny dargestellt wird …
Man könnte ja sagen: Scheiß auf die alten Stoffe. Stattdessen arbeiten Sie
sich gerne an stereotypen Frauenfiguren wie Meerjungfrauen oder Musen ab.
Warum?
Wenn man es einmal geschafft hat, eine Bühne zu bekommen, gibt es kaum noch
Grenzen – doch ich bin an Grenzen interessiert. Deshalb baue ich mir gerne
eine thematische Box, die ich dann durchbrechen kann. Das funktioniert am
besten bei Stoffen, mit denen ich im ersten Moment nicht viel anfangen
kann. Ich bin „Generation Netflix“, es ist nicht so, dass ich die Klassiker
neben meinem Bett liegen habe.
Sie machen sich in Ihren Shows gerne über männliche Helden und Hobbys
lustig. In „A Divine Comedy“ persifliert Annina Machaz den Dichterkönig
Dante, indem sie ihn verzweifelt nach einem Dixi-Klo suchen lässt. In einer
anderen Szene zerlegt eine Performerin mit einer Motorsäge einen Baumstamm.
Wieso?
Weil es uns Spaß macht, in solche hypermännlichen Rollen zu schlüpfen. Wir
wollen am eigenen Leib erfahren, wie es sich anfühlt, Motocross zu fahren
oder als besoffene Matrosen über die Bühne zu torkeln.
Warum macht so etwas Spaß?
Es fühlt sich halt gut an, sich über solche Machotypen lustig zu machen,
von denen die Bühnen normalerweise übersättigt sind. Und dann ist es sicher
auch eine Art Drag, bei der die binäre Geschlechterordnung auf die Spitze
getrieben und damit ad absurdum geführt wird.
Sind Sie Feministin?
Auf jeden Fall.
Warum?
Weil ich an die absolute Gleichberechtigung in allen Bereichen glaube.
Sie leben in Wien. Sind Sie Teil der Burschenschaft Hysteria, die mit ihren
Kunstaktionen das goldene Matriarchat proklamiert?
Das unterliegt dem Schweigegelübde.
Wäre ein Leben im Matriarchat denn die Lösung?
Ja! Das ist kein besonders realistischer Vorschlag, aber ein ziemlich
interessanter Denkansatz, finde ich, und darüber hinaus nicht mal ein
besonders abschreckender. Das Patriarchat gibt es ja auch.
Die Schriftstellerin Stefanie Sargnagel, die Kunstfigur Hyäne Fischer:
Kennen Sie sich eigentlich alle in der feministischen Wiener Kunstszene?
Klar. Wien ist ein Dorf. Wir sind alle miteinander befreundet.
Und jetzt sind Sie alle mehr oder weniger mit der Volksbühne Berlin
verbandelt. Wie kommt das?
Das würde ich wirklich auch gerne wissen …
Könnte es daran liegen, dass Ihre Kunst ein bisschen düsterer, politischer,
abgründiger und damit auch interessanter ist als die von Ihren deutschen
Kolleginnen?
Ich finde, da schwingt ein gewisser Exotismus mit. Es war ja schon immer
so, dass die Deutschen Österreich irgendwie charming finden. Vielleicht
werden uns deshalb auch viele Sachen eher vergeben …
Kann sein.
Für uns ist es jedenfalls so, dass Deutschland die interessanteren
Ressourcen bereithält. Ein so renommiertes Haus wie die Volksbühne wäre uns
in Wien nicht passiert.
Haben Sie eine Vermutung, warum?
Vermutlich gibt es überall diese Art von Lokalhass. Das gilt für Wien
genauso wie für Berlin.
In Ihren Shows wird sich Blut abgezapft, ein Anglerhaken durch die Wange
gebohrt, eine Person squirtet auf der Bühne. Das ist ganz schön extrem –
oder?
Wieso extrem?! Für mich ist es ein und dasselbe, ob ich auf Spitzenschuhen
stehe oder mir einen Haken durch die Wange bohre. Im Übrigen ist es nicht
mal besonders schmerzhaft und wächst sofort wieder zu.
Wollen Sie damit auch zeigen, wozu der weibliche Körper alles fähig ist?
Ich würde lügen, wenn ich sagen würde, dass ich nicht an Virtuosität
interessiert bin, aber es hat auch viel mit der Überwindung von mentalen
Barrieren zu tun. Es ist doch total absurd: Fast jede in ihren Dreißigern
fängt irgendwann an, sich Botox zu spritzen, ohne wirklich zu wissen, wie
schädlich das ist. Das ist doch viel extremer!
Manchmal habe ich Angst, dass dies gerade die freieste Zeit ist, die wir
als Frauen in Europa erlebt haben werden. Geht es Ihnen ähnlich?
Wir leben gerade in einer extrem paradoxen Zeit, in der einfach vieles
gleichzeitig passiert.
Neben großen Fortschritten für Frauen und Queers auch die Rücknahme von
Frauenrechten in vielen Ländern und der Kulturkampf von rechts.
Da haben wir die ärgsten Erfahrungen in Italien gemacht. Nach unserem
Auftritt bei einem Theaterfestival war die Kuratorin ihren Job los.
Was ist passiert?
Die konservative Presse hat sich damals daran aufgehängt, dass es bei uns
auf der Bühne eine Penetrationsszene mit einem Dildo gab. Und behauptet:
Dass wir Pornografie machen und die Kuratorin eine Puffmutter sei, die mit
den Steuergeldern der armen Italiener finanziert werde.
Sie arbeiten viel, reisen viel umher. Haben Sie eigentlich Angst vor einem
Burn-out?
Manchmal begegne ich Künstlerinnen, die Megaworkaholics sind. Ich glaube,
das bin ich nicht. Für mich ist es wichtig, lange zu schlafen. Außerdem
habe ich einen niedrigen Blutdruck.
Ich habe gelesen, dass Sie zu Beginn Ihrer Karriere einen schweren Unfall
hatten …
Stimmt. Und ich habe gerade noch gesagt, dass ich so robust bin … (lacht)
Was ist damals passiert?
Wir waren in Norwegen bei einem Festival eingeladen. Und während ich an
einem Seil turne, schraubt sich die Halterung aus der Decke – und ich falle
auf die Fresse. In der Zeitung stand, ich sei fünf Meter in die Tiefe
gestürzt. Das glaube ich aber nicht, ganz ehrlich.
Welche Verletzungen hatten Sie?
Ich hatte ’ne schwere Gehirnerschütterung, Nasenbrüche, ein paar Zähne
weniger. Ansonsten war alles unversehrt. Zwei Monate später habe ich
dieselbe Show wieder gemacht.
Hatten Sie keine Angst?
Nö. Man weiß ja, dass man sich am besten gleich wieder in dieselbe
Situation begibt, damit man nicht blockiert.
In Ihren jüngsten Shows waren Sie und die anderen Performerinnen meistens
über weite Teile des Abends nackt. Warum spielt Nacktheit eine so große
Rolle für Sie?
Mich interessiert, welche Konnotationen ein weiblich gelesener nackter
Körper auf der Bühne mit sich bringt. Womöglich hat das auch damit zu tun,
dass ich mich viel mit Tanz- und Kunstgeschichte beschäftigt habe und
dieser Körper dort seit jeher ein beliebtes Sujet ist.
Können Sie das ausführen?
Ich finde es urwichtig, den weiblichen Körper so zu zeigen, wie er auf
Billboards oder in Pornos normalerweise nicht dargestellt wird. Da muss er
sich ja meistens sehr spezifisch verhalten, während er bei uns einfach
seiner Arbeit nachgeht: Holzhacken, Schwimmen, Hürdenlaufen, whatever … Ich
finde es dann aber trotzdem immer sehr lustig, wenn jemand behauptet, dass
er nach fünf Minuten nicht mehr gesehen habe, dass wir alle nackt sind.
Warum?
Wenn wir ehrlich sind, schwingt das Thema Sexualität immer mit, auch wenn
das gerne geleugnet wird. Denn bisher ist es so: Entweder du bekommst
extrem sexualisierte Frauenkörper zu sehen oder es herrscht Nippelverbot.
Beides geht an der Realität vorbei. Ich will diesen Gap schließen.
Macht es für Sie einen Unterschied, ob ein Mann oder eine Frau einen
nackten Frauenkörper inszeniert?
Klar! Gleichzeitig machen wir schon viele Sachen, bei denen vermutlich auch
ein männlicher Choreograf sagen würde, dass das gut aussieht. Allerdings
gibt es auch viele Momente, die ein Mann so noch nicht inszeniert hat. Und
dann gibt es bei uns auch nicht diesen typischen Entblößungsmoment …
… doch, in „Ophelia“ gibt es eine Szene, in der die Performerin Saioa
Alvarez Ruiz einen Strip hinlegt.
Stimmt – aber sie verkörpert einen männlichen Stripper. Neulich haben wir
uns übrigens in London diese sehr berühmte Strip-Show namens „Magic Mike“
angeguckt. Die hat mir richtig gut gefallen.
Warum?
Ich habe vorher noch nirgendwo gesehen, dass sich Männer dermaßen
objektifizieren.
Was mochten Sie daran?
Dieses Verkehrte-Welt-Ding, dass es ausnahmsweise mal Männer waren, die
sich abarbeiten mussten. Und gleichzeitig dachte ich, das wäre ein Job, den
ich gerne hätte.
Den Job der Stripperin?
Nein, den des Strippers.
Was ist der Unterschied?
Männliche Stripper spielen halt trotzdem immer den starken, aktiven Dude.
Mögen Sie Ihren Körper?
Ich bin in einer beständigen Hassliebe zu ihm. Durch meine Arbeit ist Leben
mit ihm definitiv machbarer.
In „Ophelia“ erzählen Sie an einer Stelle, dass Sie magersüchtig waren.
Stimmt das?
Ja, das ist meine eigene persönliche Geschichte.
Sie wurden zwangsernährt.
Ich denke nicht, dass ich da eine Ausnahme war, weil die Krankheit einfach
so fucking weit verbreitet ist. Manche Frauen sterben daran, wieder andere
erholen sich oder haben Ups and Downs.
Wollten Sie besonders schön sein für die Jungs oder wollten Sie keine Frau
werden?
Bei mir war das präpubertär. Ich denke, ich wollte keine Frau werden.
Gibt es etwas, das Sie aus dieser Zeit mitnehmen?
Dass ich mich komplett von meinem eigenen Körper distanzieren und mich
selbst objektifizieren kann.
Wie meinen Sie das?
Ich sehe das so: Bei einem traumatischen Erlebnis sollte man immer
überlegen, was es einem zwangsläufig beigebracht hat und wie man das in
Kunst umsetzen kann. Wie kann ich etwas daraus machen, das nicht die
Kontrolle über mich hat, sondern wo ich die Kontrolle über das Erlebte
habe?
Der Umgang mit dem eigenen Körper lässt Sie nicht los …
Nein – und da geht es jetzt nicht nur um Magersucht. Abwertende Blicke,
Schimpfwörter, Vergewaltigungen: Jede Frau hat ihre eigenen negativen
Erfahrungen in Bezug auf ihren Körper gemacht. Deshalb ist es für viele
Frauen auch extrem befreiend, dass sie bei uns so viele unterschiedliche
Frauenkörper und Erfahrungen auf der Bühne erleben. Gleichzeitig wissen
wir, dass wir immer auch Männer im Publikum sitzen haben, die nur gekommen
sind, um sich aufzugeilen.
Wie gehen Sie damit um?
Mir war von vornherein klar, dass das Teil von dem Paket ist, wenn man sich
dafür entscheidet, nackt auf der Bühne zu stehen. Trotzdem ist eines der
ersten Dinge, die ich zu neuen Leuten im Team sage: Hey, es könnte sein,
dass dein Bild auf einer Pornoseite landet.
Ist das denn schon mal passiert?
Das passiert andauernd.
Wo kommt das Material her?
Das sind Trailer von unseren Shows oder Videos, die jemand heimlich
mitgefilmt hat. Doch so etwas muss uns scheißegal sein, weil wir es sowieso
nicht kontrollieren können. Ich meine, zu einem gewissen Zeitpunkt war es
mir nicht scheißegal, da wollte ich wenigstens Geld damit machen. Dann
fängt man an, sich zu überlegen, wie geht es noch besser? Aus welcher
Perspektive wäre es noch lukrativer? Wir hatten sicher das ein oder andere
Projekt, wo wir versucht haben, genau das zu bedienen.
Ist Ihr Auftauchen auf irgendwelchen Pornoseiten der Beweis dafür, dass
Nacktheit auf der Bühne noch notwendig ist?
Ich meine, es ist nicht der ausschließliche Beweis, aber es ist ein Beweis
dafür, dass die Frau selbst im Kunstkontext noch objektifiziert wird.
Dann ist es also gar nicht möglich, sich vom patriarchalen Blick zu
befreien, egal, wie sehr man es auch versucht …
… oder nur schleppend. Jedenfalls gibt es immer noch genügend Männer, die
bei einer nackten Frau auf der Bühne nur ihre gespreizten Beine sehen.
Trotzdem unterhalte ich mich nach der Show manchmal mit ihnen.
Was wollen Sie wissen?
Ich frage sie, warum sie ins Theater kommen und ob sie das Gesehene sexuell
befriedigt hat.
Und was antworten die?
Oft sagen sie, sie kämen wegen der Kunst, und dass wir sehr gute Kunst
machen. (lacht) Es haben mir aber auch schon manche durch die Blume gesagt,
dass sie es einfach geiler finden, empowered women nackt zu sehen als
irgendwelche weiblichen Opfer in Pornos.
Und wie finden Sie diese Antwort?
Schon sehr lustig.
Warum?
Ich find’ es skurril, dass selbst die feministische Frau ein
Porno-Stereotyp ist.
Es gibt also kein Entkommen …
Doch, schon. Ich habe das Gefühl, dass diese Art Männer langsam am
Aussterben sind.
14 Jan 2023
## AUTOREN
Anna Fastabend
## TAGS
Berliner Volksbühne
Theater Berlin
Theater
Wien
GNS
IG
Florentina Holzinger
Theater
Stefanie Sargnagel
Körper in der Kunst
Theater
Theater
Rape Culture
Videokunst
Zeitgenössischer Tanz
Theater
Queer
wochentaz
Berliner Volksbühne
Bühne
Wien
## ARTIKEL ZUM THEMA
Neue Holzinger Inszenierung: Frankenstein stelzt durch die Scheiße
Choreografin Florentina Holzinger provoziert an der Berliner Volksbühne in
ihrem neuen Stück mit dem ewigen Leben. Ist das wirklich erstrebenswert?
Florentina Holzinger inszeniert „Sancta“: Nackte Nonnen auf Rollerskates
Choreografin Florentina Holzinger inszeniert in Schwerin Paul Hindemiths
„Sancta“. Die Oper handelt von einer Nonne, die mit ihrer Sexualität
kämpft.
USA-Reisebericht von Stefanie Sargnagel: Alle Simpsons-Folgen auf einmal
In „Iowa“ grantelt sich die Wiener Autorin Stefanie Sargnagel teils
zusammen mit der Berlinerin Christiane Rösinger durch den Mittleren Westen.
Florentina Holzinger in Berlin: Nackt und brachial
Florentina Holzinger nutzt den Parkplatz am Berliner Olympiastadion für
ihre neue Schrott-Performance. Vereinnahmen lassen will sie sich nicht.
Performance von Florentina Holzinger: Mensch, Natur, Maschine, Pommes
Die Uraufführung von Florentina Holzingers Performance „Kranetude“ am
Berliner Müggelsee war unvergesslich, verstörend – und ließ Fragen offen.
Start des Theatertreffens in Berlin: Die Lehre von der Liebe
Mit einer Inszenierung aus München begann das Theatertreffen. „Das
Vermächtnis“ erzählt vom Leben und Sterben in einer schwulen Community.
Feministisches Rachedrama in Göttingen: Ein Kuss für die Ewigkeit
Ivana Sokola schickt am Deutschen Theater Vergewaltigungsopfer auf die
„Pirsch“. Das artifizielle Rachedrama der Hamburger Autorin gelingt gut.
Feministische Videokunst: „Nie mehr werde ich ein Huhn sein!“
Brotlose Kunst trifft unbezahlte Reproduktionsarbeit: Der bisher
vergessenen Künstlerin Margaret Raspé gilt eine Schau im Berliner Haus am
Waldsee.
Tanztheater am Schauspiel Frankfurt: Die Gewalt wohnt dem Menschen inne
Helle Momente in einer beklemmenden Zeit: Die Choreografin Saar Magal hat
in Frankfurt das eindringliche Tanzstück „10 Odd Emotions“ entwickelt.
Inszenierung am Deutschen Theater Berlin: Sprechchöre und Klanginferno
Ulrich Rasche zwingt „Leonce und Lena“ in eine brutale Tretmühle mühsamen
Müßiggangs. Es ist vielleicht die schwärzeste Inszenierung des Jahres.
Entertainerin Denice Bourbon: Wie ein knallender Korken
Denice Bourbon ist lesbisch und lustig. Die Schwedin lebt in Wien und
bringt Glamour und Euphorie in eine chronisch schlecht gelaunte Stadt.
Die Künstlerin Leiko Ikemura in Berlin: Zerbrechlich wie Eierschalen
Etwas Beschützendes und Unheimliches liegt in vielen Skulpturen von Leiko
Ikemura. Ihre hybriden Wesen bewohnen jetzt das Kolbe Museum in Berlin.
Dada-Feminismus an Berliner Volksbühne: Hodenlos an die Macht
„Hyäne Fischer – Das totale Musical“ von Lydia Haider und Eva Jantschits…
macht an der Berliner Volksbühne kurzen Prozess. Mit panierten Schnitzeln.
Ruhtriennale unter neuer Intendanz: Solo nicht ohne meinen Dildo
Die Ruhrtriennale hat eine neue Intendanz. Der Untergang in den
Inszenierungen von Barbara Frey und Florentina Holzinger ist einmal leise,
einmal laut.
Autorin Stefanie Sargnagel: Urarg, urschlecht, urschade
Die Alltagsbeobachterin hat Humor mit Sprengkraft und Erfolg. Den einen
gilt sie als „Ekelfeministin“, den anderen als „Lena Dunham von Wien“.
You are viewing proxied material from taz.de. The copyright of proxied material belongs to its original authors. Any comments or complaints in relation to proxied material should be directed to the original authors of the content concerned. Please see the disclaimer for more details.