# taz.de -- Berlinale-Kuratorin über Kinderfilme: „Wir haben Grenzen ausgetestet“

	# taz.de -- Berlinale-Kuratorin über Kinderfilme: „Wir haben Grenzen ausgete…

	> Die Berlinale beginnt, mitten in der Omikronwelle. Für Maryanne Redpath
	> ist es das letzte Festival als Chefin der Sektion Generation.

	Bild: „Wir suchen Filme aus, die sich nicht so gut benehmen“ – Berlinale-…

	taz: Frau Redpath, gehen Sie gerne ins Kino?

	Maryanne Redpath: Unglaublich gerne. Vor allem gehe ich bald wieder gerne
	ins Kino – wenn ich einen Film nicht mehr beurteilen muss.

	Sie meinen, wenn Ihre Zeit als [1][Chefin der Berlinale-Sektion] Generation
	[2][nach diesem Festival] vorbei ist?

	Ja. Ich habe über die Jahre Tausende Filme gesehen. Da lässt der Spaß am
	Kino manchmal ein bisschen nach.

	Was schauen Sie, wenn Sie privat ins Kino gehen?

	Klar, viel Arthouse. Aber im vergangenen Sommer habe ich auch „Mamma Mia“
	angeschaut.

	„Mamma Mia“!

	Ich habe tatsächlich niemanden gefunden, der mitkommen wollte. Aber ich
	liebe Meryl Streep und habe mich totgelacht. So was Trashiges kommt bei mir
	schon mal vor. Ich würde auch gerne den jüngsten James Bond sehen.

	Haben Sie sich in der Pandemie Netflix zugelegt oder einen andern
	Streamingdienst?

	Ich habe kein Abo, aber das könnte demnächst kommen. Wobei: Auf dem kleinen
	Bildschirm Filme zu schauen, ist ärgerlich und auf Dauer nicht gut für die
	Augen. Ich genieße Filme in Kino, auch wegen des sozialen Aspekts.

	Nun ist seit zwei Jahren dieser soziale Aspekt, die Nähe im Kino, wegen
	Corona nicht gewünscht. Die Berlinale 2021 fiel aus, die [3][diesjährigen
	Filmfestspiele dürfen nur mit Auflagen stattfinden]. Wie hat sich die
	Pandemie auf die Berlinale ausgewirkt?

	Sie ist ein Desaster für ein Festival. Die Zuschauer*innen und die
	Filmemacher*innen genießen es, den Kontakt zu haben, zu sehen, wie ein
	Film aufgenommen wird. Eine Preisverleihung, ohne dass man Leute umarmen
	oder küssen kann, ist fürchterlich. Das gilt gerade für die Sektion
	Generation. Wir sind immer schon ein sehr physisches Festival gewesen.

	Was fehlt genau?

	Die Nähe, die Menschlichkeit, die Möglichkeit, sich auszutauschen mit dem
	Filmteam: Was war der Hintergrund für einen Film, welche Schwierigkeiten
	gab es, wie liefen die Dreharbeiten – all solche Fragen. Im persönlichen
	Gespräch kommen ganz andere Details zu Tage als beim Streamen. Aber wir
	wissen natürlich, dass es in der aktuellen Coronasituation gewagt ist, ein
	solches Festival physisch zu veranstalten.

	Die Auflagen bisher: Die Kinos dürfen nur zur Hälfte gefüllt werden, es
	gilt 2G plus.

	Zum Glück unterstützen uns der Bund, das Land und die Gesundheitsämter. Die
	regulären Kinos sind ja auch noch geöffnet. Wenn sie geschlossen wären,
	könnten wir das Festival nicht machen.

	Wann ist ein Film ein guter Film für Kinder?

	Jedes Kind betrachtet einen Film anders – da unterscheiden sie sich nicht
	von Erwachsenen. Kinder und Jugendliche bringen aber einen ganz anderen
	Schatz an Erfahrungen und Bereitschaften mit, mit denen sie den Film sehen.
	Sie erwarten eine Überraschung, eine Entdeckung, etwas, das sie nicht
	unbedingt im Multiplexkino zu sehen bekommen.

	Wie läuft die Auswahl der Filme durch Sie und Ihr Team?

	Wir schauen im Vorfeld des Festivals mehr als 2.500 Filme. Es ist ein
	kollektiver Prozess. Wichtig ist uns, dass die Filme mit Respekt für ihre
	Protagonist*innen gemacht sind. Nicht jeder Film mit einem jungen
	Protagonisten ist auch ein Generationen-Film, und es gehört zur Philosophie
	unserer Sektion, dass wir nicht immer Filme auswählen, die primär für
	Kinder oder Jugendliche gemacht sind. Schließlich haben viele
	Filmemacher*innen das Potenzial von Coming-of-Age-Geschichten
	entdeckt: Sie beschreiben, wie viel Drama im Prozess des Erwachsenwerdens
	steckt. So kommt es, dass auch Erwachsene bei uns Filme für sich entdecken.

	Gelingt Ihnen die Auswahl immer?

	Manchmal liegen wir daneben: Wir denken, wir haben den tollsten, coolsten
	Jugendfilm gefunden – Drogen, Sex, Rock ’n' Roll; Jugendliche, die gegen
	ihre dysfunktionalen Familien rebellieren, die fortgehen, eigenen
	Horizonten entgegen. Und dann finden die Zuschauer*innen, die Musik sei
	altbacken, der Schnitt zu langsam oder zu schnell, so was. Aber auch diese
	Enttäuschung ist für uns spannend. Erwachsene tun gut daran, auf Kinder und
	Jugendliche zu hören.

	Wenn Sie falsch liegen: Liegt das vielleicht daran, dass sich der Abstand
	zwischen Ihnen und der Zielgruppe vergrößert, weil Sie älter werden?

	Ich bin dreifache Großmutter, und wer Kinder hat, weiß, dass man durch sie
	und Enkelkinder Kontakt hat mit dem Jungsein. Ich behaupte nie, dass ich
	jung bin, ich will mich auch nicht anbiedern, darum geht es der Sektion
	Generation wirklich nicht. Ich bin erwachsen und habe die Verantwortung,
	jüngeren Generationen Zugang zu qualitativ hochwertigem Kino zu geben. Wenn
	ich daneben tippe, bin ich offen, zu hören, warum. Ich muss mir auch oft
	erklären lassen, welche Musik in den Filmen vorkommt; gerade in Filmen für
	Jugendliche geht es ja viel um Musik, und meine Musik kommt aus den 70ern
	und 80ern.

	Das war auch die Zeit, als Sie, gebürtige Neuseeländerin, nach Berlin
	kamen. Warum landeten Sie 1985 hier?

	Ich habe in Australien als Performance-Künstlerin gearbeitet und
	Aboriginal-Kindern Kunstunterricht gegeben. Mein damaliger Partner und ich
	haben uns dann mit unserem dreijährigen Kind auf eine lange Reise von
	Südostasien über Russland bis nach Großbritannien gemacht. Dort ging uns
	das Geld aus. Wir wollten aber noch nicht nach Hause, sondern irgendwo hin,
	wo es nicht so teuer ist, wir eine neue Sprache lernen können und wo es für
	politisierte Leute wie uns interessant war. Zur Wahl standen Madrid oder
	Berlin. Wir haben eine Münze geworfen, es wurde Berlin.

	Was war das Besondere an Westberlin?

	Die Kunstszene, die Politik, die Geografie. Wissen Sie, wir haben damals
	auf der Bühne sehr politische und konzeptuelle Dinge gemacht, multimedial
	und sogar ziemlich erfolgreich. Wir haben Grenzen ausgetestet, etwa die
	Zuschauer auf die Bühne gebeten und sie gefesselt. Unsere Gruppe bestand
	aus Trotzkisten und Sannyasins, also Anhängern der Bhagwan-Bewegung. Eine
	interessante Mischung, wenn ich das sagen darf. (lacht)

	Wo standen Sie?

	Irgendwo dazwischen. Von den Trotzkisten habe ich viel über die Revolution
	und dialektischen Materialismus gelernt, bei den Sannyasins habe ich die
	Emotionalität sehr genossen. Diese Kombination hat viel dazu beigetragen,
	wie ich heute Filme betrachte und auswähle.

	Nachdem Sie in die brodelnde Kulturszene der 80er in Westberlin eingetaucht
	waren, haben Sie dort aber zunächst mal gar nichts mehr gemacht.

	Ich musste überleben, mit Kind und so, ich musste sehr um meinen
	Aufenthaltsstatus kämpfen. Ich habe geputzt; als ich ein bisschen Deutsch
	gelernt hatte, habe ich übersetzt, Sprach- und Theaterunterricht gegeben,
	mit jungen Menschen mit Behinderung im Heim zwei Jahre lang „The Wizard of
	Oz“ geprobt. Diese Jahre waren nicht leicht. Dann habe ich 1989 ein
	Stipendium aus Australien für einen experimentellen Film bekommen. Und
	danach habe ich entschieden, dass ich keine Filmemacherin bin.

	Was ist aus dem Film geworden?

	Für die 5.000 Dollar Stipendium habe ich am 8. November 1989 eine
	16-mm-Filmkamera aus Beständen der russischen Armee gekauft. Ich kam damit
	nach Hause und mein damaliger Mann, ein Berliner, saß vorm Fernseher und
	sagte: „Weißt du, was gerade passiert? Die Mauer fällt!“ Ich sagte:
	„Bullshit. Ich gehe ins Bett. Ich muss morgen drehen!“ Mein Mann ist
	rausgegangen und hat gemacht, was in der Nacht alle Berliner*innen
	gemacht haben. Am nächsten Tag sah ich aus dem Fenster: Überall standen
	Trabis auf dem Bürgersteig.

	Und dann haben Sie doch den Mauerfall gedreht?

	Schon bei der ersten Szene ist die Kamera kaputt gegangen; ich bin dann mit
	einem Freund und einer digitalen Videokamera losgezogen und wir haben
	tatsächlich einfach nur Bilder vom Fall der Mauer gedreht. Das war sehr
	exotisch für uns, das Ganze. Ich nannte den Film „Gift“, auf Deutsch
	„Geschenk“. Aber er war sehr metaphysisch und nicht sehenswert. Ich habe
	ihn ein paar Leuten gezeigt, die Geldgeber haben ihn gesehen und ihn dann
	weggepackt. Oh boy.

	Was war das Problem?

	Wenn ich einen Film mache, will ich alles machen: schreiben, spielen,
	Kamera machen. Das hat keinen Platz in der Filmindustrie – und das habe ich
	akzeptiert. Ich weiß aber, wie viel Arbeit in einem Film steckt. Auch in
	den Filmen, die wir nicht auswählen. Ich habe großen Respekt davor.

	Sie wurden oft kritisiert, dass die Sektion Generation Filme aussuche, die
	zu hart seien für Kinder.

	Wir ziehen eine rote Linie bei Pädophilie, ansonsten gehen wir oft über
	Grenzen und zeigen Kinder in schwierigen Situationen, etwa im Krieg. Wir
	suchen Filme aus, die – wie ich gerne sage – sich nicht so gut benehmen,
	wie Kinder manchmal auch. Die meisten Filme haben auch kein glückliches,
	sondern ein offenes Ende: Unsere Zuschauer sind offen dafür, einen Film
	weiterzudenken. Und ich glaube, die Kinder sind resilient gegen die Härte,
	mit denen sie im Film konfrontiert sind.

	Woher wollen Sie das wissen?

	Die Kritik an der Härte kommt nicht von den Kindern selbst, sondern von
	Erwachsenen oder Journalist*innen. Eine Anekdote: Wir haben vor einigen
	Jahren einen Film gezeigt, in dem sich ein Mädchen in eine Hütte im Wald
	flüchtet, niemandem davon erzählt und später wieder von allein zurückkommt.
	Sie hat null Angst, die Geschichte geht gut aus. Nach der Vorführung treffe
	ich eine Mutter mit ihrem Kind; die Mutter – tränenüberströmt – meinte,
	diesen Film könne man Kindern nicht zeigen; das Mädchen sei viel zu alleine
	in dem Film. Die Tochter fand den Film gut und sagte zu ihrer Mutter:
	„Komm, Mama, wir gehen nach Hause und reden darüber.“ Es passiert immer
	wieder, dass die Kinder einen Film mehr im Griff haben als die Erwachsenen.

	Die Mediennutzung hat sich in den 15 Jahren, während der Sie Chefin der
	Sektion Generation waren, völlig verändert. Sich in ein Kino für zwei
	Stunden in die Dunkelheit ohne Handyempfang zu setzen, ist fast schon ein
	Anachronismus.

	Vor der Pandemie hatten wir in der Sektion Generation 70.000
	Zuschauer*innen, meist junge Menschen. Wir waren an der Grenze der
	Kapazität. Ich behaupte nach wie vor, dass Kinder und Jugendliche nicht nur
	vor ihren Smartphones und ihren kleinen Bildschirmen sitzen wollen. Das
	zeigt auch der Austausch im Anschluss an die Filmvorführung mit dem
	Filmteam: Die jungen Leute stellen die besten Fragen, sie wollen sich
	auseinandersetzen mit den Filmen. Sicher, manche gehen auch verloren im
	Internet. Aber das sind ja nicht nur junge Leute, sondern auch Erwachsene.

	Die Sektion Generation zeigt selten Blockbuster oder Filme, die ins normale
	Kino kommen, also andere Filme, als die meisten Kinder und Jugendlichen in
	Deutschland sehen. Ist das nicht eine Bubble für die Kinder des
	Bildungsbürgertums?

	Oh boy! Ich würde es umdrehen: Wir schaffen eine Plattform, damit rund
	70.000 Kinder und Jugendliche diese Filme sehen können. Und ganz ehrlich:
	Die Kinoindustrie an sich ist eine Bubble. Das ist eine berechnende
	Industrie, die nur einen Bruchteil der Filme, die auf Festivals weltweit
	gezeigt oder überhaupt gemacht werden, ins Kino bringt. Deshalb bin ich
	froh, dass zumindest wir zeigen, dass es auch diese anderen Filme gibt.

	Machen Sie was, um aus der Bubble rauszukommen? Man könnte ja auch mal ein
	Multiplexkino in Marzahn-Hellersdorf bespielen.

	Wir holen mit dem Berlinale-Schulprojekt Schulklassen aus allen Bezirken
	Berlins auf unser Festival. Damit sprechen wir nicht nur Mitte an, sondern
	auch Marzahn-Hellersdorf. Außerdem zeigen wir die Filme in Originalsprache
	und ermöglichen damit die Vielfalt, für die Berlin steht. Wir sind ein
	A-Festival …

	… sprich: eines der wichtigsten Filmfestivals der Welt, neben Cannes und
	Venedig …

	… und als solches zeigen wir keine synchronisierten Fassungen. Es ist
	wichtig, dass die Zuschauer*innen die Originalsprache hören. Bei
	jüngerem Publikum lassen wir die deutsche Übersetzung live einsprechen; für
	Jugendliche gibt es englische Untertitel. Das war anfangs umstritten. Aber
	es hat funktioniert.

	Woran merken Sie das?

	Wir haben in meinem zweiten Jahr einen richtigen Hardcore-Film aus einem
	sozialen Brennpunkt gezeigt mit schnellen, rauen Dialogen. Es waren die
	unterschiedlichsten Jugendlichen im Kino – aus unterschiedlichen Kiezen,
	mit unterschiedlichen kulturellen Hintergründen. Nach dem Film können die
	Besucher*innen einen Fragebogen ausfüllen. An die Antwort eines
	Jugendlichen erinnere ich mich genau. „Vielen Dank! Ich bin nicht so gut in
	Englisch und habe ein paar Witze nicht verstanden. Ich habe meinen Nachbarn
	gefragt. Aber ich habe gemerkt, dass ein Film aus mehr als Wörtern
	besteht.“

	In diesem Jahr läuft eine Dokumentation über einen Jungen in
	Marzahn-Hellersdorf. War die Auswahl dieses Films von vornherein gesetzt?

	Nein. Es ist einfach ein extrem guter Film, der einen Jungen, der nicht so
	viele große Chancen hat am Rande dieser Großstadt, über zehn Jahre
	begleitet. Der Protagonist ist ein unglaublich charismatischer junger Mann,
	er rappt, ist sehr poetisch, gerät aber auf die schiefe Bahn. Aber er wird
	nicht bloßgestellt. Und der Film hat ein offenes Ende. Ich habe gehört,
	dass der Junge, der inzwischen kein Junge mehr ist, mit seiner Mutter zur
	Premiere kommt – und ich freue mich total, ihn kennenzulernen.

	Sie haben noch eine andere Leidenschaft in die Berlinale eingebracht: Sie
	haben die Filmreihe NATIVe – A Journey into Indigenous Cinema kuratiert.
	Wie kamen Sie zu dem Thema?

	Ich bin in Neuseeland auch mit Maori aufgewachsen, habe dort und in
	Australien mit First-Nations-Menschen gearbeitet. Es wurde klar, dass da
	etwas brodelt, etwas ganz Fantastisches passiert. Schon damals ging es dem
	indigenen Kino darum, das Bild, das die Filmindustrie lang von ihnen
	produziert und geklaut und oft beleidigend interpretiert hat,
	zurückzuholen. Es ging und geht immer noch um Cultural Ownership und die
	Entkolonialisierung der Leinwand.

	Wie kam die Reihe ins Programm der Berlinale?

	Ich habe viel recherchiert, mich beraten lassen und verstanden, dass es für
	die etablierte Filmindustrie an der Zeit war, indigenem Kino einen Raum im
	Rahmen des Festivals zu bieten, um Filme zu zeigen, seine Geschichten zu
	erzählen, sodass seine Macher*innen sich untereinander und mit
	Expert*innen der internationalen Filmindustrie austauschen können. Und
	das Angebot wurde gerne angenommen. Es gab Filmvorführungen, Panels und
	Netzwerke, um zu diskutieren, wie indigene Filmemacher*innen in ihrer
	Region mehr Zugang zu Ressourcen bekommen. Berlinale NATIVe hat sich jedes
	zweite Jahr auf eine Region fokussiert – wäre die Reihe länger gelaufen,
	wären wir nach Europa gekommen. Vor ein paar Jahren kamen die Sorben auf
	mich zu und sagten, dass sie auch indigen seien und Filme machen. Das fand
	ich hochinteressant.

	Wie schätzen Sie die Postkolonialismusdebatte in Deutschland ein?

	Wenn es nicht nur bei der Debatte bleibt, finde ich es gut. Die Debatten
	müssen zur Aktion führen, sie müssen Folgen haben. Die Provenienzforschung
	entwickelt sich schleppend, aber es gibt Lichtblicke, wie zum Beispiel die
	Initiative der neuseeländischen und australischen Botschaften in Berlin.
	Sie haben mit angestoßen, dass Krankenhäuser und Museen in ganz Deutschland
	die menschlichen Überreste, die seit Jahrzehnten für die „Forschung“
	archiviert wurden, an deren Familien zurückgeben – mit allen nötigen
	Ritualen und Protokollen. Aber es muss viel mehr passieren.

	Die Reihe NATIVe wurde vor zwei Jahren eingestellt.

	Ja, aber es geht weiter, und tolle indigene Filme schaffen es weiterhin auf
	die internationale Bühne.

	Was kommt für Sie nach der Berlinale?

	Ich habe viele Möglichkeiten. Erst mal bleibe ich in Berlin, ich habe ein
	Haus und einen Garten in der Uckermark. Aber ich werde auch nicht aufhören
	zu arbeiten.

	10 Feb 2022

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