# taz.de -- Theater in Coronazeiten: Was für ein Theater

	# taz.de -- Theater in Coronazeiten: Was für ein Theater

	> Nach mehr als fünf Monaten Pause öffnen die Theaterhäuser wieder. Mit
	> strengen Regeln. Zu Besuch in der Berliner Volksbühne.

	Auf den ersten Blick wirkt alles ganz normal. Zehn Schauspieler:innen
	stehen mit Cowboyhüten und Gewehren auf der Bühne. Ein kurzes Wortgefecht,
	dann richten sie die Waffen aufeinander und ballern mit Platzpatronen los.
	Ein Showdown, wie es ihn am Ende eines jeden Western gibt. Doch manche
	tragen während der Probe ein Requisit, das nicht zur Wildwestkulisse passen
	will: eine FFP2-Maske. Und das ist nur eine Einschränkung von vielen beim
	[1][„Kaiser von Kalifornien“], bei dem ersten Stück, das nach den
	coronabedingten Schließungen an der Volksbühne Berlin wieder gezeigt wird.

	Über fünf Monate ist es her, dass die Spielstätten der Republik von einem
	Tag auf den anderen dichtmachen mussten. Die Premieren wurden abgesagt,
	Repertoirestücke eingemottet, Zehntausende Mitarbeiter:innen in eine
	vorgezogene Spielzeitpause geschickt oder zur Entwicklung von
	Alternativstrategien abgestellt. In Windeseile wurden Ersatzprogramme
	geschaffen, man zog ins Netz um – mit meist aber wenig überzeugenden
	Alternativen. Der Reiz des Theaters ist ja gerade die leibhaftige
	Zusammenkunft, die Hingabe an ein Liveerlebnis, das gemeinsame Erleben von
	Raum und Zeit.

	Nun fahren die Theater zur neuen Saison wieder hoch, mitten in der
	Coronakrise. Aber wie funktioniert so ein Neustart mit Masken und
	Mindestabstand? Kann Kunst da frei sein? Und macht es bei all den Regeln
	noch Spaß?

	Ein Besuch an der [2][Berliner Volksbühne]. An diesem Montag sind es noch
	drei Tage bis zur Premiere, hinter den Kulissen ist schon viel los.
	Maskierte Menschen laufen in dem labyrinthischen Treppenhaus auf und ab,
	unterwegs zwischen Garderobe, Seitenbühne und Bürotrakt. Es wirkt, als
	seien sie froh, wieder hier zu sein.

	Im Intendantenbüro holzvertäfelte Wände, das Fenster steht sperrangelweit
	offen, damit Aerosole keine Chance haben. Die Maske könne man abnehmen,
	sagt Interimsintendant Klaus Dörr, kurz steht man unschlüssig voreinander,
	weil Händeschütteln ja nicht mehr geht.

	Dörr, 59 Jahre alt, schwarzer Anzug, spricht mit leiser Stimme, manche
	Worte sind fast nicht zu verstehen. Er wirkt gelassen, professionell. Nur
	manchmal blickt er zu seiner Pressesprecherin: Hat er bei der Aufzählung
	des digitalen Alternativprogramms auch nichts vergessen?

	Die Ruhe bewahren, das kann Dörr. Schließlich ist die Volksbühne
	krisenerprobt. Die letzte Großkrise ist noch nicht lange her. Im März 2018
	wurde Dörr als künftiger geschäftsführender Direktor vorgestellt. Kurze
	Zeit später sprang er kommissarisch für den damaligen Intendanten Chris
	Dercon ein, den man nach monatelanger heftiger Kritik und erbittertem
	Streit vor die Tür gesetzt hatte. Eventisierung war Dercon vorgeworfen
	worden, der zuvor die Tate Gallery of Modern Art in London geleitet hatte.
	Und noch schlimmer: Theaterinkompetenz. Es kamen auch kaum noch Gäste. Da
	war ein Theatermann wie Dörr, der als studierter Wirtschaftswissenschaftler
	auch gut mit Zahlen kann, der ideale Ersatz.

	„Das ist jetzt meine dritte Krisenspielzeit, aber dafür bin ich ja auch
	geholt worden“, sagt er und lacht. Doch sein Lachen klingt ein wenig
	angestrengt, die vergangenen Monate waren zermürbend. Das Haus lief nur im
	Notbetrieb: Für viele Gewerke gab es kaum etwas zu tun, während der
	Intendant, die Dramaturgie und die Presseabteilung sich vor Arbeit kaum
	retten konnten: „Ich hatte das Gefühl, ich arbeite von morgens um 7 Uhr bis
	abends um 10 Uhr.“ Eine Videokonferenz jagte die nächste, Telefonate,
	E-Mails, SMS. Verbindlichkeiten mussten abgewickelt, Inszenierungen
	verschoben und Produktionspläne der Gefährdungslage angepasst werden. Eine
	Sisyphusarbeit, schließlich war eine sinnvolle Vorausplanung nahezu
	unmöglich.

	Als landeseigener Betrieb konnte die Volksbühne außerdem keine Kurzarbeit
	anmelden. Das Haus finanzierte seine Mitarbeiter:innen weiterhin aus dem
	laufenden Etat. Doch mangels Ticketeinnahmen kam es anderweitig zu
	Engpässen. Bis Ende dieses Jahres sei von 1,5 Millionen Ersparnissen 1
	Million aufgebraucht, mit Glück schaffe man es bis zum Intendanzantritt
	von René Pollesch in der Spielzeit 2021/22 gerade so auf die schwarze
	Null, sagt Dörr.

	Und dann musste sich die Volksbühne auch noch mit den [3][„Hygienedemos“]
	herumschlagen: Immer samstags protestierten Rechtspopulist:innen und
	Verschwörungstheoretiker:innen bis Mitte Mai vor dem Haus am
	Rosa-Luxemburg-Platz gegen die wegen der Coronapandemie angeordneten
	Einschränkungen. Die Volksbühne verhüllte ihren Schriftzug und ihr
	Wahrzeichen, das Räuberrad, doch die Demonstrant:innen ließen nicht locker,
	behaupteten sogar, sie hätten sich an dem Haus gegründet. „Völlig
	ausgeschlossen“, sagt Dörr, der Fall liege jetzt bei der
	Staatsanwaltschaft. Außerdem eine Anzeige wegen persönlicher Bedrohung.
	Dörr hatte die Anmelder der Demonstrationen als „veritable Lügner“
	bezeichnet, danach bekam er Hasspost.

	Jetzt blicke man aber nach vorn, auch wenn nur ein Stück aus dem
	bestehenden Repertoire gespielt werden könne. Die anderen Repertoirestücke
	seien nicht coronatauglich, weil Chöre involviert seien oder sich
	Mitspielende zu nahe kämen.

	„Immerhin konnten wir den Kern der ursprünglich geplanten Spielzeit
	erhalten“, sagt Dörr. „Acht Produktionen im großen Saal, bei denen antike
	Stoffe transformiert und überschrieben werden.“ Und noch etwas konnte
	gerettet werden: Alexander Eisenachs Inszenierung des „Kaisers von
	Kalifornien“, die am 19. März hätte uraufgeführt werden sollen und sich
	beim Lockdown in den Endproben befand.

	Auf dem Weg zur Probe kommt man an einer Garderobe vorbei. Ein Zettel weist
	auf die coronabedingte Maximalbelegung von vier Personen hin, doch jetzt
	ist die Garderobe leer, nur die langen Gewänder an der Kleiderstange
	bewegen sich im Luftzug, der durch das geöffnete Fenster kommt. Vor der Tür
	trifft man zwei Ankleider:innen. Den Coronaauflagen zufolge dürfen sie den
	Schauspieler:innen nur noch in Ausnahmefällen in die Kostüme helfen,
	erzählen sie. Und mit der Maske und den Auflagen mache die Arbeit nur halb
	so viel Spaß, die Unbeschwertheit sei weg, das Herumalbern fehle.

	Auf der Seitenbühne stapeln sich Fleischbrocken, Weizenbündel, in einer
	Ecke steht ein Stab mit einem Totenkopf. An einem Tisch lehnen Gewehre,
	dahinter wie ein vergessenes Requisit aus einem anderen Stück eine blaue
	Flasche Desinfektionsmittel.

	Das Regieteam hat sich über die vorderen Reihen des Saals verteilt. Jede:r
	sitzt an einem Tisch, die Blicke abwechselnd auf Textbücher und Bühne
	gerichtet. In der ersten Reihe lehnt Regisseur Alexander Eisenach im
	Samtsessel und gibt über ein Mikrofon Anweisungen. Statt Aufregung herrscht
	hier Konzentration. Die Bewegungsabläufe sitzen, nur hier und da wird
	nachjustiert – „Kannste dich mal ein bisschen uffrappeln?!“, berlinert
	Eisenach.

	Die Szene mit dem Westernshowdown hat geklappt. Nun soll etwas Neues
	drankommen, doch zuerst ist Pause. Ein Darsteller kommt von der Seitenbühne
	zurück aufs Parkett und streicht sich Desinfektionsmittel über Unterarme
	und Hände, so wie es Ärzt:innen auf dem Weg in den OP-Saal machen. Dann
	diskutiert er mit dem Regisseur über einen Monolog. Beim Sprechen hebt und
	senkt sich seine FFP2-Maske, das Atmen fällt bei körperlicher Anstrengung
	darunter schwer.

	Außer an Luft fehlt es auch an Nähe. Es ist gewöhnungsbedürftig, wenn man
	die räumliche Distanz zwischen Menschen jetzt auch im künstlerischen
	Kontext sieht. Seltsam, wenn Figuren so gar keinen Körperkontakt mehr
	haben. „Als die Premiere abgesagt wurde, war das natürlich bitter“, erzäh…
	Alexander Eisenach, als er später mit einem Bier auf den Treppenstufen des
	Theaters sitzt. Der Regisseur ist 36 Jahre alt, eine Mischung aus
	Intellektuellem und Berliner Junge. Für ihn als Ostberliner sei die
	Volksbühne das prägende Theater gewesen, sagt er, und „Der Kaiser“ seine
	erste Inszenierung am Haus, da sei das Aus im März natürlich doppelt
	schmerzhaft gewesen.

	Das Stück, das sich um Aufstieg und Niedergang des Schweizers Johann August
	Sutter dreht, der im 19. Jahrhundert eine Privatkolonie auf dem heutigen
	Gebiet von Sacramento gründete, habe durch die lange Unterbrechung aber
	gewonnen, sagt Eisenach, der es auch selbst geschrieben hat. Die
	Unterbrechung erweitere den historischen Stoff um eine aktuelle Komponente.
	Sutter, der lange als Nationalheld gefeiert wurde, war zwar schon vorher
	wegen Sklavenhandels kritisiert worden, doch erst während der aktuellen
	Black-Lives-Matter-Demonstrationen holte man seine Statue nun vom Sockel.

	Auch sonst habe die Unterbrechung seiner Arbeit gutgetan, sagt Eisenach.
	Sein Verständnis von historischen Momenten sei gewachsen. In dem Stück geht
	es auch um den kalifornischen Goldrausch, der durch einen Fund auf Sutters
	Grund ausgelöst wurde und zur kapitalistischen Neuordnung einer ganzen
	Gesellschaft führte. „Ich glaube, es gibt immer wieder Momente in der
	Geschichte, in denen man das Gefühl hat, die Welt ordnet sich neu“, sagt
	Eisenach. „Und so einen Moment erleben wir jetzt auch gerade.“

	Für die inszenatorische Arbeit bedeutete Corona aber natürlich eine
	Umstellung. „Wir haben vieles verändern müssen. Normalerweise packen sich
	die Leute bei mir schon viel an. Im ‚Kaiser‘ gab es eine sehr körperliche
	Tanzszene, die so jetzt nicht mehr geht.“ Aber die Verbote böten auch
	Chancen: „Ich habe versucht, sie wie eine Art Dogma zu sehen, das man sich
	setzt und mit dem man jetzt umgehen muss.“

	Viel irritierender sei es, körperliche Nähe zu zeigen, so wie es gerade
	beim Fußball der Fall ist. Denn diese Nähe sei eine Illusion und
	Illusionstheater sei selten interessant, sagt Eisenach. „Mit dem Abstand
	auf der Bühne kann ich eine Not erzählen, die einige vielleicht auch privat
	empfinden, weil ihnen Berührung fehlt.“

	Trotzdem musste er auch umdenken. „Mein normaler Impuls gegenüber Regeln
	ist, sie zu hinterfragen. Aber jetzt sind sie mit gesundem Menschenverstand
	begründet, und Widerstand dagegen ist einfach dumm.“

	Der Satz dürfte Stefan Pelz gefallen. Er ist der technische Direktor des
	Hauses und für die Einhaltung der Sicherheitsvorschriften zuständig. Das
	ist auch sonst kein leichter Job, jetzt kommen die Coronaregeln noch dazu.
	„Wenn ich gefragt werde, wie geht’s so, sage ich: ‚Corona, Corona, Corona…
	weil ich mich in einem ungeahnten Ausmaß mit diesem Thema beschäftigen
	muss.“ Pelz ist im ständigen Austausch mit dem Betriebsarzt und einer
	Fachkraft für Arbeitssicherheit, die für mehrere Berliner Bühnen zuständig
	ist. Und er hat sich jede Menge Informationen angelesen, die er an seine
	Mitarbeiter:innen weitergeben muss. Informationen, die oft schnell überholt
	sind, sodass es nicht leicht ist, immer auf dem neuesten Stand zu bleiben.

	Zum Beispiel was die Aerosole angeht, von denen am Anfang der Pandemie
	keine Rede war, [4][die dann aber in den Fokus gerieten]. Also rief Pelz
	bei der Lüftungstechnikerin an, die vor einigen Jahren für die Erneuerung
	der Lüftungsanlage verantwortlich war. Gemeinsam entschied man, den
	Umluftanteil auf null herunterzufahren, damit nur noch frische, gefilterte
	Luft in den Saal gepustet wird. Das sei zwar gut gegen das Virus, sagt
	Pelz, aber aus energiespartechnischen Gründen suboptimal. Und weil es keine
	Pausen mehr geben darf, um enges Beisammenstehen zu verhindern, kann ein
	Stück jetzt nur rund zweieinhalb Stunden dauern. „Das ist natürlich ein
	erheblicher Eingriff in die Kunst“, sagt Pelz.

	## Körperliche Nähe verboten

	Spätestens bei der ersten Probe müsse eine Einweisung in die neuen Regeln
	stattfinden. Neben dem Verbot körperlicher Nähe gebe es auch das Verbot,
	Requisiten einfach weiterzureichen. Schauspieler:innen müssten sich vorher
	die Hände desinfizieren oder Handschuhe tragen, die danach entsorgt würden.
	Bei Unterschreitung des Mindestabstands von 1,50 Metern müssten sie einen
	Mund-und-NasenSchutz tragen, bei längerem Unterschreiten eine FFP2-Maske.

	Beim Sprechen tragen die Schauspieler:innen aber keine Maske, weil
	sonst kaum etwas zu verstehen wäre. Meist reden sie zum Publikum hin,
	weshalb die ersten fünf Reihen im Zuschauerraum aus Sicherheitsgründen
	ausgebaut sind. Bei Dialogen stehen sie mit Abstand so zueinander, dass die
	Sprechrichtung am Gegenüber vorbeigeht. Diese Regeln ließen die Bühne zu
	einer Art Hindernisparcours werden, wobei man ständig den Abstand von den
	Kolleg:innen einschätzen und die Richtung sondieren müsse, in die man
	spreche, um andere nicht durch die eigenen Aerosole zu gefährden, erzählt
	ein Schauspieler. Und der Kameramann, dessen Liveaufnahmen während der
	Vorstellung an die Wände projiziert werden, wirkt hinter seiner FFP2-Maske
	und dem Plastikvisier wie jemand, der zu einer Expedition in ein
	Seuchengebiet aufgebrochen ist.

	Noch zwei Tage bis zur Premiere. Im Foyer trifft man Sarah Franke, die in
	dem Stück eine Goldsucherin spielt. Sie kommt zu spät, sie hatte einen
	Platten und musste mit der Straßenbahn fahren, obwohl sie das wegen des
	Infektionsrisikos nicht gern tue, erzählt sie, während sie auf eine
	Sitzgruppe zusteuert. Nicht auszudenken, wenn man sich so kurz vor der
	Premiere infizieren würde.

	Franke ist 35 Jahre alt und hat eine prägnante Stimme, rau und tief. Man
	hört ihr gern zu. So dramatisch, wie man sich das Spielen gerade vorstelle,
	sei es nicht, erzählt sie. „Es macht auf jeden Fall noch Spaß, vielleicht
	sogar mehr als vorher, weil man es mehr zu schätzen weiß.“ Aber die neuen
	Regeln würden die natürlichen Impulse hemmen. „Weil ich normalerweise
	einfach zu meiner Spielpartnerin oder meinem Spielpartner rennen würde und
	ich jetzt weiß, dass das nicht mehr geht.“

	Gab es coronabedingt Konflikte? Nicht in dieser Arbeit, sagt sie, aber in
	einer anderen. Schließlich gehe jede:r Mitspielende anders damit um, manche
	entspannter, andere ängstlicher.

	Nur noch ein Tag bis zur Premiere. Im E-Mail-Fach ist eine Nachricht des
	Besucherservices. Er weist freundlich, aber bestimmt auf die geltenden
	Hygieneregeln hin: Abstand halten, Maskenpflicht, Desinfektion,
	Verantwortung!

	Am 27. August ist es so weit, der inoffizielle Spielzeitauftakt, der nur
	deshalb nicht der offizielle ist, weil „Der Kaiser von Kalifornien“
	eigentlich in der vergangenen Spielzeit hätte uraufgeführt werden sollen.
	Vor der Volksbühne ist es ungewöhnlich leer. Vereinzelt stehen Leute herum,
	nippen an ihrem Weinglas von der Freiluftbar. Statt der 824
	Zuschauer:innen, die normalerweise in den großen Saal passen, werden nur
	noch 130 bis 150 eingelassen. Die Tickets für den Abend waren nach einer
	halben Stunde ausverkauft, aber jetzt traut sich niemand, hineinzugehen.
	Irgendwie ist einem mulmig bei dem Gedanken, in der jetzigen Lage mit
	vielen Menschen mehrere Stunden in einem geschlossenen Raum zu sitzen.

	Dann klingelt es, also Maske aufsetzen und drinnen erst mal orientieren, wo
	es langgeht. Überall sind Abstandsmarkierungen aufgeklebt, für die
	Einhaltung der Laufwege sorgt das Einlasspersonal. Mit der Jacke in der
	Hand die Treppe rauf, eine Garderobe gibt es aus infektionstechnischen
	Gründen nicht.

	Im Saal fühlt es sich angenehm an, so viel Platz zu haben, aber auch
	komisch, weil so viel frei ist. Auf der Bühne steht ein gewaltiger
	Stahlaufbau, das Fort von Sutter. Es gibt A-cappella-Gesang und Sarah
	Franke als Goldsucherin, die sich in Rage redet, während sie mit einer
	Spitzhacke auf den Boden einhackt, bis das Loch groß genug ist, um darin zu
	verschwinden. Szenenapplaus.

	Masken sieht man auf der Bühne nicht, weil sie unter Cowboytüchern
	verborgen sind. Aber hier und da wird man auf die Gegenwart der Pandemie
	gestoßen: wenn die Darsteller:innen in Covid-19-Schutzanzügen auf die Bühne
	kommen und einen grimmigen Tanz aufführen; oder wenn jemand im Publikum
	laut hustet. Aber der Theaterhuster ist ja kein neues Phänomen.

	Aber genießen kann man einiges an dieser Aufführung: die Westernästhetik,
	die Stummfilmaufnahmen und Regieeinfälle wie den, dass neben zwei
	streitenden Kopfgeldjägern der Ratgeber „Gewaltfreie Kommunikation für
	Dummies“ liegt. Doch es ist vor allem das Komplexe und Sperrige des Abends,
	das einem den Reiz des Theaters nach der mehr als fünfmonatigen Abstinenz
	wieder bewusst macht: Wo sonst lassen sich Raum und Zeit, Philosophie,
	Lyrik, Gesellschaftskritik und szenisches Spiel so miteinander verbinden?

	Und während man noch darüber nachsinnt, wie sehr einem das alles gefehlt
	hat, ist es schon vorbei. Applaus, Applaus, dann eine Stimme aus dem Off:
	„Bitte verlassen Sie den Saal durch den Eingang, durch den Sie auch
	hineingekommen sind.“ Und auf einmal ist Corona keine gelungene
	Tanzperformance mehr, sondern wieder Alltag.

	6 Sep 2020

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	## AUTOREN

	Anna Fastabend

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