# taz.de -- Gründer des Ausstellungshauses C/O Berlin: „Ich habe jeden Tag fotografiert“

	# taz.de -- Gründer des Ausstellungshauses C/O Berlin: „Ich habe jeden Tag f…

	> Der Fotograf und Ausstellungsmacher Stephan Erfurt über seine Kameras,
	> Instagram und die Debatte über ein Bundesinstitut für Fotografie.

	Bild: Stephan Erfurt

	taz am wochenende: Herr Erfurt, Sie leiten eines der wichtigsten
	Ausstellungshäuser für Fotografie in Deutschland, das C/O in Berlin. Was
	haben Sie selbst zuletzt so fotografiert?

	Stephan Erfurt: Nichts Aufregendes, nur ein Naturmotiv. Wir haben eine
	Wochenendhütte auf einer Insel, da fotografiere ich sehr gern.

	Wie fotografieren Sie dann?

	Ich gestehe: Ich fotografiere eigentlich nur noch digital mit meinem Handy.
	Und ich kümmere mich leidenschaftlich um meinen Instagram-Account.

	Ich habe Sie vorgestern auf Instagram abonniert.

	Ach, wie schön.

	Ich war der 3.461. Abonnent. Da geht noch was.

	Ja, da haben Sie Recht, da geht noch ein bisschen was. Aber dann müsste man
	viel mehr liken, viel mehr selber abonnieren, viel mehr unterwegs sein im
	Netz. Aber da geht es mir wie vielen: Das frisst Zeit, und die habe ich
	nicht.

	Warum fotografieren Sie nur mit dem Handy? Ist das nicht ein Armutszeugnis,
	wenn der Direktor von C/O, selbst früher ein erfolgreicher Profi-Fotograf,
	nur noch mit dem Handy knipst?

	Ich fotografiere nicht nur digital, ich habe noch meine alte Mamiya 7. Mit
	der mache ich sehr gerne Bilder. Ich nehme die auch auf Reisen mit, weil
	man analog viel bewusster fotografiert. Wenn ich mit der Mamiya
	fotografiere, dann habe ich zehn Aufnahmen, bevor ich den Film wechseln
	muss – da macht man sich viel mehr Gedanken, ob das Motiv wirklich würdig
	ist, auf den Auslöser zu drücken. Ansonsten sind das eher kleine Notizen.
	Für das Handy sprechen ansonsten die offensichtlichen Gründe: Es ist viel
	einfacher, Fotos zu machen, als mit der Technik, mit der ich früher
	fotografiert habe. Es ist praktisch, es macht einfach Spaß. Ich mache gern
	solche Schnappschüsse. Ich bin eben auch kein Fotograf mehr, sondern
	Ermöglicher, ich bin ein Manager, der einen Betrieb mit 45 Angestellten am
	Laufen hält.

	Fehlt Ihnen das professionelle Fotografieren nicht?

	Nein, kein bisschen.

	Wirklich?

	Ich habe bis 1999 jeden Tag fotografiert, Tag und Nacht. Es war meine
	Leidenschaft, aber ich war 15 Jahre lang ständig unterwegs, darunter hat
	mein Sozialleben gelitten. Fotografie ist ein sehr einsamer Job. Man hat
	kaum noch ein Privatleben, weil man nie zu Hause ist und seine Wochenenden
	in einem kleinen Hotelzimmer im Nirgendwo verbringt. Man lernt zwar auf
	diesen Reisen ständig tolle Menschen kennen, aber man weiß auch, dass man
	sie wieder verlieren wird. Das ist auf Dauer deprimierend. Und als das alte
	FAZ-Magazin 1999 eingestellt wurde, war das für mich wie der Verlust einer
	Familie. Damals haben wir alle überlegt, wie unser Leben weitergehen soll.
	Manche haben ganz aufgehört zu fotografieren, manche sind ins Ausland
	gegangen, manche sind daran verzweifelt, dass es diese Familie nicht mehr
	gab – wie Wilfried Bauer, der sich am Ende umgebracht hat.

	Bauers Selbstmord gilt als Menetekel dafür, was die Digitalisierung in der
	Fotografie anrichtet. Der Fotograf und Gründer des Hamburger Hauses der
	Fotografie F.C. Gundlach schrieb in seinem Nachruf: „Der tragische Tod
	Wilfried Bauers wirft ein Schlaglicht auf die Situation einer Altersgruppe
	von Fotografen, deren Arbeitsbedingungen mit dem Vordringen digitaler
	Arbeitsmethoden in Redaktionen und Agenturen sich dramatisch verändert
	haben.“ Diese Veränderung haben Sie auch hautnah erlebt.

	Ja, ich habe damals gewusst, dass ich mein Leben verändern wollte. Ich habe
	dann zwar noch ein bisschen weiter fotografiert für das Magazin Mare oder
	das Deutschland-Journal, aber es war nicht mehr dasselbe. Wir waren auch
	einfach verwöhnt von dieser Magazin-Zeit, gerade wir vom FAZ-Magazin. Wir
	durften machen, was wir wollten, wir durften als Fotografen zum Teil ohne
	Redakteur oder Journalist eigene Geschichten vor Ort entwickeln, es war
	eine irre Freiheit, großartige Möglichkeiten. Es gab die Prämisse: Du musst
	dir für jedes Thema mindestens zehn Tage Zeit nehmen. Ich werde nie meinen
	ersten Auftrag vergessen. Zum 70. Geburtstag von Max Frisch wurde ich nach
	Montauk geschickt. Ich kam da an, es regnete, alles war geschlossen, und
	ich stand verloren in der Telefonzelle und fragte die Redaktion in
	Frankfurt: „Ich weiß nicht, was ich fotografieren soll, hier ist nichts“.
	Da sagte die Redakteurin: „Lassen Sie sich was einfallen“, und legte auf.
	Wenn man seine Einfälle gut begründen konnte, durfte man sich auch ein Boot
	oder einen Helikopter mieten, und mit der FAZ im Rücken bekam man jede
	Genehmigung.

	Luxuriöse Bedingungen.

	Ja, luxuriöse Bedingungen, die es aber irgendwann nicht mehr gab. Man
	musste immer schneller fotografieren, hatte immer weniger Zeit und mehr
	Druck.

	Der, seitdem Sie aufgehört haben, immer größer geworden ist. Tun Ihnen die,
	die heute mit Fotografie ihr Geld zu verdienen versuchen, leid?

	Die haben ja zum größten Teil diese goldenen Tage nicht mehr kennengelernt
	und können von daher auch nichts vermissen. Aber ja, es ist ein schwieriges
	Metier geworden. Früher gab es mehr Magazine, die Strecken waren größer, es
	war immer genug Platz für alle da.

	Einerseits werden Bilder und die Fotografie immer wichtiger, häufiger,
	dominanter, sie lösen sogar das Schreiben als primäre Aufzeichnungs- und
	Ausdrucksform ab. Andererseits aber wird die Fotografie im gleichen Moment
	auch immer inflationärer, egaler, überflüssiger. Steht am Ende dieses
	Dilemmas das Ende der Fotografie, wie wir sie kennen?

	Ich sehe noch eine ganz andere Gefahr: Trotz der vielen Bilder, die jeden
	Tag entstehen, kann es natürlich auch ganz schnell schwarz werden. Ein
	weltweiter Stromausfall und die Milliarden Bilder in den Clouds sind
	vielleicht alle weg. Oder die Lesegeräte funktionieren nicht mehr und die
	Bilder verschwinden. Aber vielleicht sehe ich das auch zu schwarz, weil ich
	noch aus der analogen Zeit komme. Abgesehen von diesem technischen Aspekt
	bin ich keiner von den Schwarzsehern. Ich sehe dieses Ende der Fotografie,
	das immer gern mal beschworen wird, nicht. Bilder generell und Fotografien
	im speziellen besitzen eine unheimliche emotionale Kraft, die sie nie
	verlieren werden. Denn Bilder, die wir sehen, lösen wieder Bilder im Kopf
	aus. Alles kann man uns nehmen, aber nicht die Bilder. Deshalb glaube ich
	weiter an die Fotografie. Deshalb haben wir mit C/O Berlin auch einen
	Projektraum eröffnet, um neuen Bildern, jungen Fotografinnen und Fotografen
	eine Bühne zu bieten, um ihnen eine Chance zu geben, ein Publikum, den
	Kurator, den Sammler oder Auftraggeber zu finden.

	Braucht es die Ausstellungen mit großen Namen, um den Nachwuchs
	querzufinanzieren?

	Ja, das war uns von vornherein klar, ich habe mich ja mit anderen
	Ausstellungsmachern unterhalten. Die haben alle gesagt: Stephan, die
	Eröffnungen werden rappelvoll sein, aber danach kommt niemand mehr. Wir
	wussten von Anfang an, wir brauchen die prominenten Namen, um die Besucher
	ins Haus zu locken – und dann entdecken sie auch unbekanntere Positionen.
	Damals bei Annie Leibovitz im Postfuhramt kamen die Leute natürlich wegen
	Leibovitz, aber hinten im Projektraum hing „Zweiunddreißig Kilo“ von Yvonne
	Thein über magersüchtige Kinder. Da haben wir oft gehört: Die Bilder von
	Leibovitz kennen wir, ganz toll, aber wirklich berührt haben uns die Bilder
	von Thein. So haben wir es geschafft, die Leute, die sonst nicht in so eine
	Ausstellung gegangen wären, für neue Talente zu öffnen.

	Sie waren auch mal ein junges Talent und dann ein großer Name. Die Bilder,
	die jetzt bald wieder zu sehen sein werden im Berliner Museum für
	Fotografie, sind aus dieser Zeit. Was hält der C/O-Direktor Stephan Erfurt
	retrospektiv vom Fotografen Stephan Erfurt?

	Der Fotograf Stephan Erfurt hat auf jeden Fall die Herausforderung Amerika
	angenommen und die Aufträge mit viel Engagement umgesetzt. Die USA waren
	damals in den 1980er-Jahren nicht nur für mich ein Sehnsuchtsort. Natürlich
	war vor allem der Schmelztiegel New York faszinierend. Dort war ich oft
	schon vor Sonnenaufgang unterwegs, weil dann das Licht am klarsten schien,
	die Straßen noch leer waren und sich ganz andere Blicke auf die Stadt
	ergeben haben.

	Sie haben die Frage jetzt sehr geschickt nicht beantwortet: Wie gut ist der
	Fotograf Stephan Erfurt?

	Er hat die Aufträge auf jeden Fall gut erledigt. Die Bilder sind aus ihrer
	Zeit und sie sind mir gut gelungen. Die USA waren damals ein
	melancholisches Land, und so habe ich es fotografiert. Ich bin zufrieden
	mit den Sachen, die ich damals gemacht habe.

	Wie zeitlos sind Ihre Fotografien?

	Die sind schon sehr 80er-Jahre. Wenn ich heute nach Amerika fahre, dann
	sehe ich vor allem Zäune, Überwachungskameras, Gated Communities. In den
	80er-Jahren habe ich in den USA eine Freiheit gespürt, die ich da heute
	nicht mehr spüre. Mittlerweile ist das Leben dort sehr reglementiert, aber
	dafür auch sicherer. Als ich damals im East Village lebte, brannten schon
	mal Häuser in der Nachbarschaft und man musste Angst haben, überfallen zu
	werden. In Miami Beach stürmten mal Bewaffnete aus einem Haus, als ich
	fotografierte. Erst hinterher habe ich erfahren, dass das ein
	Drogenumschlagplatz war und ein, zwei Jahre zuvor ein Kollege bei so einer
	Aktion erschossen worden war. Ich hatte Glück. Ich habe laut „Tourist!“ und
	„Germany!“ geschrien, und die haben mich gehen lassen.

	Als Sie jetzt die alten Bilder sichteten für die Ausstellung, haben Sie da
	Lust bekommen, das neue Post-Trump-Amerika zu fotografieren?

	Nein, das reizt mich gar nicht. Das können andere viel besser.

	Und andere fotografieren ja auch viel. Es gibt Schätzungen, dass jeden Tag
	mehr als 250 Millionen Fotos gemacht werden. Gibt es zu viele Bilder?

	Wir leben in einem Bilder-Tsunami, der sich nicht aufhalten lässt. Jeder
	von uns beflügelt diese Entwicklung – auch ich als Instagram-Fotograf. Die
	Menschen haben nun mal das Bedürfnis, den Augenblick festzuhalten, sie
	wollen Tagebuch schreiben, aber die Kommunikation findet heutzutage nicht
	mehr oft über Worte, sondern mehr über Bilder statt – oder sogar nur über
	diese Emojis. Wir bei C/O Berlin versuchen Ordnung in diese Bilderflut zu
	bringen, indem wir aus diesem Tsunami die Bilder und Positionen
	herausfischen, die uns wesentlich erscheinen.

	Wie gehen Sie persönlich mit diesem Tsunami um? Haben sie mitunter das
	Gefühl, der überrollt Sie?

	Ja, durchaus. Meine Frau arbeitet bei der Helmut-Newton-Stiftung, wir sind
	beide ständig dermaßen konfrontiert mit dieser Flut, dass wir – so trivial
	das klingt – ganz bewusst den Ausgleich in der Natur suchen. Allerdings
	habe ich im täglichen Geschäft gar nicht mehr so viel mit Bildern direkt zu
	tun. Ich arbeite nicht mehr als Kurator. Anfangs haben wir vor allem
	erzählerische Fotografie ausgestellt, Magnum-Fotografen, da kannte ich mich
	aus. Aber ich habe schnell gemerkt, dass ich mich auf die geschäftliche
	Seite konzentrieren muss. Und mittlerweile kümmere ich mich also um die
	Fragen, die weniger spannend sind und in deren Antworten viele Zahlen
	vorkommen.

	Trotz Ihres geschickten Umgangs mit Zahlen stand C/O sehr lange auf
	finanziell wackligen Beinen.

	Wir nannten die Anfangsphase den idealisierten Wahnsinn. Es war aufregend
	in diesen ersten Jahren im Postfuhramt, wie eine Sommerliebe. Aber das
	Postfuhramt war auch löchrig wie ein Schweizer Käse. Wir mussten höllisch
	aufpassen, dass keine Bilder gestohlen wurden. Und es gab Wochenenden, da
	hatten wir nur 29 Besucher. 2008 kam dann die Lehmann-Brothers-Pleite und
	ich sollte den ungesicherten Kredit über 380.000 Euro, den ich aufgenommen
	hatte, auf einen Schlag zurückzahlen. In dieser Krise hatten wir das große
	Glück, dass sich das Management von Annie Leibovitz dazu entschieden hat,
	dass ihre Ausstellung ins Postfuhramt kommt – wir hatten jeden Tag 1.200
	Besucher und konnten alle Kredite zurückzahlen.

	Damals wäre es fast vorbei gewesen mit C/O.

	Ja. Man kann sein Glück sicherlich provozieren, aber wir hatten schon sehr
	viel Glück.

	Nun haben Sie mit dem Amerika Haus einen etablierten Ort und werden seit
	zwei Jahren vom Berliner Senat gefördert. Aber wenn Sie zurückblicken: Ist
	ein Konzept wie das von C/O Berlin, also künstlerisch anspruchsvolle
	Fotografie ausstellen ohne öffentliche Gelder, wirklich machbar?

	Wenn ich zurückblicke, fällt mir immer wieder das Goethe-Zitat ein: Der Mut
	stellt sich die Wege kürzer vor. Wir dachten, wir bekommen so eine
	Ausstellung mit so vielen Besuchern wie Annie Leibovitz viel früher. Diese
	neun Jahre waren eine lange Zeit. Und wir hatten ja auch immer wieder
	Ausstellungen, die in anderen Ländern Publikumsmagneten waren, aber in
	Berlin floppten. Wir wussten also sehr früh, dass wir querfinanzieren, dass
	wir einen Mittelweg finden müssen – und halt auch Sebastião Salgado und
	Peter Lindbergh zeigen, die in der Fotoszene eher umstritten sind. Es hat
	auch eine Weile gedauert, bis sich in Berlin die Auffassung durchgesetzt
	hat, dass die Kultur nicht nur ein wichtiger Image-, sondern auch ein
	Wirtschaftsfaktor ist. Wir werden mittlerweile nicht nur vom Kultursenat
	unterstützt, sondern auch vom Wirtschaftssenat. Was ich Berlin ankreide,
	ist, dass es sich damals all diese tollen Flächen nicht gesichert hat. Wir
	hätten das Postfuhramt damals kaufen können. Mit 15 Millionen Euro wären
	wir dabei gewesen – heute wäre dieser Preis natürlich ein Witz.

	Ende 2022 will das große Stockholmer Ausstellungshaus Fotografiska nach New
	York auch eine Berliner Dependance eröffnen. Machen Sie sich Sorgen, dass
	Ihr Konzept dann nicht mehr trägt?

	Wir haben keine Angst. Ich denke, die Häuser werden sich unterscheiden. Wir
	haben eine andere Produktionstiefe als Fotografiska. Ich habe mir das in
	Stockholm angesehen und war auch in deren New Yorker Haus. Ich war immer
	begeistert von deren Restaurants und der Club-Atmosphäre. Das ist ein
	weiterer Mitbewerber, der die Leute aber nicht davon abhalten wird, weiter
	zu uns zu kommen. Generell glaube ich, dass Berlin durch Fotografiska nicht
	unattraktiver wird, dass wir uns alle, das Museum für Fotografie, C/O
	Berlin, die vielen Galerien, sogar gegenseitig befruchten. Bei einzelnen
	Positionen werden wir uns sicher auch mal Konkurrenz machen, aber
	grundsätzlich haben wir ein anderes Profil. Ich bin gespannt drauf.

	Eine andere Diskussion, die die deutsche Fotoszene umtreibt, ist der Streit
	um das Bundesinstitut für Fotografie. Was denken Sie: Sollte das nach
	Düsseldorf oder nach Essen?

	Meine Meinung ist: Hauptsache, es kommt überhaupt. Ich mache mir Sorgen,
	dass das Institut über die Standortfrage gerade zerredet wird. Und dass in
	Coronazeiten und nach der kommenden Wahl eine Umwertung stattfindet und die
	Politik sagt, wir müssen erst einmal bestehende Institutionen retten. Man
	muss sehen: Die leitenden Player, die das damals durchgesetzt haben, der
	Oberbürgermeister von Düsseldorf und der Politiker, der im
	Haushaltsausschuss des Bundestags die Millionen für Düsseldorf durchgesetzt
	hat, die sind alle schon wieder raus aus der Politik. Ich erinnere mich
	noch gut an 1999, als es in Berlin Diskussionen gab, ein Deutsches Zentrum
	für Fotografie zu schaffen. Das wurde so lange zerredet, bis gar nichts
	passiert ist. Deswegen wäre es ungemein wichtig, dass das Bundesinstitut
	für Fotografie umgesetzt wird. Es gibt eine große Not bei den Fotografen,
	die nicht wissen, was mit ihren Archiven passieren soll. Wir merken das
	auch. Bei uns stehen schon mal die Enkel vor der Tür mit einem
	Schrankkoffer voller Bilder und sagen: Könnt ihr was damit anfangen oder
	schmeißen wir das weg? Wir brauchen das Institut – in seiner ganzen
	Bandbreite. Und von mir aus sollen dann auch aufwendige Farbfotografien
	restauriert werden.

	Damit spielen Sie an auf den sehr bekannten Düsseldorfer Fotografen Andreas
	Gursky, der mitunter den Eindruck erweckt, er will ein Museum vor allem für
	seine Werke.

	Ja, dieser gewisse Herr ist ganz schön vorgeprescht. Er ist in Düsseldorf
	sehr gut vernetzt und er hat seine eigenen Pläne für Düsseldorf. Aber die
	Welt der Fotografie ist halt sehr viel breiter. Die Standort- und die
	Experten-Kommission haben sich für Essen ausgesprochen. Deshalb kann man
	nur hoffen, dass die politisch Verantwortlichen schnell eine Lösung finden,
	bei der alle eingebunden werden. Von mir aus kann das auch an beiden
	Standorten stattfinden, Düsseldorf und Essen sind nicht so weit voneinander
	entfernt, aber bei einer alleinigen Düsseldorfer Lösung kann es meiner
	Meinung nach nicht bleiben.

	15 Aug 2021

	## AUTOREN

	Thomas Winkler

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