# taz.de -- Künstlerin über moderne Bildhauerei: „Keinen eigenen Stil entwickeln“

	# taz.de -- Künstlerin über moderne Bildhauerei: „Keinen eigenen Stil entwi…

	> Ayşe Erkmen erhält den Ernst-Franz-Vogelmann-Preis für zeitgenössische
	> Skulptur. Ihr Werdegang begann in Istanbul, der Keimzelle türkischer
	> Kunst.

	Bild: Karin Sander, 3-D-Bodyscan der Künstlerin Ayşe Erkmen, 2008, Sammlung N…

	taz: Frau Erkmen, Sie sind 1949 geboren. Europa erholte sich da gerade vom
	Zweiten Weltkrieg. Wie war Ihre Kindheit in Istanbul?

	Ayşe Erkmen: Ich wurde im Zentrum von Istanbul, im Stadtteil Beyoğlu,
	geboren. Mein Vater war Rechtsanwalt. Meine Mutter machte den Haushalt.
	Meine Großmutter war Schneiderin, und ich wurde durch ihre Kreativität sehr
	beeinflusst. Denn bereits im Alter von vier Jahren saß ich auf der Ecke
	ihres großen Nähmaschinentischs und sah ihr zu, bevor sie mich später auch
	nähen und den Zuschnitt machen ließ. Es war die schönste Zeit meines Lebens
	und sie war dabei die größte Inspiration.

	Lernten sie dadurch bereits konzeptuell zu denken?

	Vielleicht. Meine Großmutter machte Kleider für Schauspieler und war mit
	ihrem Atelier im Istanbul dieser Zeit sehr bekannt. Jede Woche kam ein
	Zeichner zu ihr, um nach ihren Vorstellungen ihre Designs aufs Papier zu
	bringen. Die zeigte sie dann ihren Kunden und realisierte diese als
	Auftragsarbeit.

	Dann gingen Sie zur Schule. Gab es dort bereits eine Verbindung zur Kunst?

	Ja. Dort konnte man bereits aus verschiedenen Angeboten wählen. Kunst
	gehörte dazu, aber auch Bogenschießen. Beides habe ich gemacht. Kunst die
	überwiegende Zeit. Wir hatten dort eine wundervolle Lehrerin, die Zeit
	ihres Lebens alle meine Ausstellungen besucht hat. Sie setzte bereits
	damals alle Arten von Material für die Kunst ein.

	Wie war es zu dieser Zeit – in den in der Türkei politisch schon
	schwierigen 1970er Jahren – in Istanbul?

	Es war eine sehr westlich orientierte Gesellschaft. Mein Umfeld war sehr
	liberal und immer offen für neue Einflüsse. So ging bereits meine Mutter
	auf eine französische Schule. Ich besuchte später das amerikanische Robert
	College, zwei Klassen unter mir war Orhan Pamuk, der spätere
	Nobelpreisträger für Literatur.

	Wie sah Ihre Kunst anfangs aus?

	Meine zweite Konkrete Skulptur von 1977 war aus Kunststoffröhren und wurde
	im Fındıklı-Park aufgestellt. Diese hatte ich als Abschluss an der Akademie
	gemacht und wurde ausgezeichnet. Meine erste aus dem Jahr 1969 war eine
	Skulptur mit verschiedenen Acrylplatten, gelb und weiß. Fundstücke aus den
	Straßen Istanbuls.

	Hat sich ein für Sie erkennbarer Stil daraus entwickelt?

	Ich versuche keinen eigenen Stil zu entwickeln. Es ist vielmehr ein
	konzeptueller Stil, um Dinge und Situationen besser zu verstehen. Dadurch
	habe ich auch die Freiheit, mit allen erdenklichen Materialien meine
	Installationen umzusetzen. An jedem Ort und mit jedem Medium – Film,
	Klanginstallationen, Glasarbeiten, Keramik, Porzellan, Zeichnung. Es ist
	eine Freiheit, die ich mir selbst gegeben habe. Und dabei nehme ich in
	Kauf, keinen visuell wiedererkennbaren Stil zu haben.

	Was interessiert Sie am meisten?

	Ein historisch-institutioneller Kontext ebenso wie gesellschafts-kulturelle
	Themen. Etwa so wie in [1][meiner Arbeit „-miş“ (1994)] als die türkische
	Zeitform des Hörensagens, bei der es um die türkische Gesellschaft in
	Berlin geht. Dargestellt habe ich an der Fassade an der Oranienstraße, Ecke
	Heinrichplatz vierzig solcher Endungen ohne vorangestellten Verbstamm, die
	so keinen Sinn ergeben und für Deutsche und Türken gleichermaßen ein Rätsel
	sind.

	Bevor Sie aber Berlin für sich entdeckten, gingen Sie zur Kunstakademie in
	Istanbul …

	Damals, gegen Ende der 1960er Jahre, war die Türkei hermetisch abgeriegelt.
	Wir durften nicht ausreisen. Buchläden mit fremdsprachiger Literatur gab es
	nicht. Es gab keinen kulturellen Austausch mit Ländern des Westens. In
	dieser Zeit hatte ich keine Einflüsse von außen und alles ist aus sich
	selbst heraus entstanden. Auch meine Professoren an der Akademie – Altan
	Gürman und Şadi Çalık – waren kaum jemals außerhalb der Türkei. Werke
	geschätzter Künstler wie Richard Serra oder Ulrich Rückriem und auch
	Lawrence Weiner, für seine typografischen Arbeiten, habe ich erst sehr viel
	später kennengelernt.

	Das hört sich nach einer sehr traditionellen Gesellschaft an.

	Überhaupt nicht traditionell. Dabei empfehle ich immer, das Buch „Istanbul“
	von Orhan (Pamuk) zu lesen, der ein reales Bild der damaligen Gesellschaft
	zeichnet. Ich wuchs in denselben Kreisen auf wie er, war an der selben
	Schule. Und meine Großmutter lebte damals bei ihm ums Eck. Die damalige
	Gesellschaft war alles andere als konservativ. Ebenso wenig meine Familie.
	Ich verstehe, dass türkische Menschen mit ihrer Kultur nicht so leicht zu
	verstehen sind, aber es sind eben oft auch die Klischees, mit denen man
	sich konfrontiert sieht.

	Aber auch wenn Sie bereit waren für etwas Neues in der Kunst – war es der
	Markt auch?

	Meine frühen Arbeiten waren sehr radikal. In einer Gruppe von sieben
	Künstlern hatten wir uns zusammengefunden, um mit unserem eigenen Geld
	regelmäßig Ausstellungen stattfinden zu lassen. Dazu machten wir kleine
	Kataloge und versuchten jedes Jahr eine Ausstellung zu realisieren. Es war
	aber mehr, um Diskussionen anzustoßen und nicht um uns zu vermarkten.

	Wie muss ich mir eine Entwicklung ohne den Markt vorstellen?

	Es gab am Anfang nur Galerien für traditionelle Malerei und keine
	Möglichkeit, diese Kunst, die ich machte, zu verkaufen. Aber das hat mir
	Mut gemacht, und gab mir eine unglaubliche Freiheit. Ich beschwerte mich
	nicht darüber, da ich dadurch auch Niemanden etwas erklären musste. Und
	niemand erwartete etwas von mir. Einen Marktdruck gab es nicht.

	In den Endachtzigern und Anfang der Neunziger Jahre gab es dann starke
	Veränderungen.

	Wir waren alle altersmäßig in den 30ern. Vorher gab es keine Galerien für
	zeitgenössische Kunst. Keine Kunstkritik in den Zeitungen. Keine Sammler,
	die sich für unsere Kunst interessierten. Keinen Einfluss von außen. 15
	Jahre später bemerkten wir den großen Einfluss, den wir auf einmal mit
	unserer Praxis und den zahlreichen Ausstellungen auf eine jüngere
	Generation ausübten, die altersmäßig in den 20ern war und die Öffnung des
	Landes miterlebte. So gesehen wurden meine sieben Freunde – Füsun Onur,
	Serhat Kiraz, Canan Beykal, Cengiz Çekil, Ahmet Öktem, Ergül Özkutan,
	İsmail Saray und ich – zur Keimzelle türkischer Gegenwartskunst nach dem
	Zweiten Weltkrieg.

	Letztlich sind Sie durch den Deutschen Akademischen Austauschdienst dann
	nach Berlin gekommen. Wie war das?

	Ich zog damals nach Charlottenburg in die Nähe des Ku’damms. Ohne Deutsch
	zu sprechen, wie auch heute noch. Es schien mir immer zu schwierig, die
	Sprache zu lernen. Dabei habe ich auch nie viele deutsche Künstler
	getroffen. Damien Hirst wohnte aber bei mir um die Ecke im Kiez der
	Mommsenstraße. Douglas Gordon, Matt Mullican, Rachel Whiteread und Mona
	Hatoum, die ich bereits durch die Istanbul Biennale kannte, kamen damals
	auch. Es war eine großartige Zeit. Noch heute sehe ich meine Nachbarn, die
	Künstler Arturo Herrera und Bernard Frize, regelmäßig.

	Und was werden Ihre kommenden Projekte sein?

	Alle Projekte wurden durch den Corona-Lockdown verschoben. Das große
	Projekt für Kunst im öffentlichen Raum, das ich für die japanische Ichihara
	Biennale plante, ist auf kommenden März verschoben. Eine weitere Biennale
	in Fremantle bei Perth in Australien findet jetzt erst im September 2021
	statt. Und da ist natürlich die Preisträger-Ausstellung in Heilbronn, die
	eine Retrospektive sein wird.

	20 Jul 2020

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	## AUTOREN

	Sebastian Strenger

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