# taz.de -- Filme über das Berliner Kulturprekariat: Das Nichts der Freiheit

	# taz.de -- Filme über das Berliner Kulturprekariat: Das Nichts der Freiheit

	> Die Filme „Umsonst“ und „Ich will mich nicht künstlich aufregen“
	> beleuchten Lebensentwürfe der Berliner Kreativszene.

	Bild: Das Driften in Kreuzberg fängt „Umsonst“ ein

	Als wollten sie als zwei Hälften sich zu einem Gesamtbild des Berliner
	Standes der Dinge addieren, traten diese beiden Filme im Laufe der letzten
	Berlinale in Erscheinung und wurden dort zu viel und heiß diskutiertem
	Material: Stephan Geenes „Umsonst“ und „Ich will mich nicht künstlich
	aufregen“ von Max Linz.

	Gerne erklärte man den nicht Deutsch sprechenden Festivalbesuchern die zwei
	Bedeutungen des Wortes „umsonst“: for free und in vain, „kostenlos“ und
	„vergeblich“. Dass das eine mit dem anderen zu tun hat, ist einerseits
	schlechte kapitalistische Wirklichkeit: Was jenseits des Tauschens
	passiert, ist für die Katz und hat keinen Wert. Andererseits kommt man über
	den Mut zum Nichtteleologischen, dem absichtslosen, „vergeblichen“ Handeln,
	dem urbanen Driften, wie es in diesem Film praktiziert wird, dem utopischen
	Gegenteil der vom Tauschwert dominierten Warengesellschaft womöglich doch
	ein bisschen näher.

	Aber auch „Ich will mich nicht künstlich aufregen“ lieferte schon vom Titel
	her reichlich Gesprächsstoff. Ist diese „künstliche Aufregung“, mit der in
	diesem Film Theorie von Luhmann, Brecht und Kracauer zitiert, Mietpreise
	verlesen, Kulturprojekte angepriesen und zurückgewiesen werden, die geheime
	Regieanweisung, die all die hier vorgeführten uneigentlichen Redeweisen und
	siebenfach gerahmten und dreizehnfach abgeschrägten Dialoge in Gang
	gebracht hat?

	Und der englische Titel („Asta upset“) legt noch ein
	Interpretationslockangebot obendrauf. Die Hauptfigur Asta heißt wie eine
	Stummfilmdiva und ein Allgemeiner Studierendenausschuss – wenn das nicht
	genau die Synthese ist, aus der die hier Handelnden und Porträtierten
	gebacken sind: Diva und Drittmittelantrag.

	## Nichts zu verlieren

	In „Umsonst“ wird mit der Vorstellung von Darstellbarkeit der äußeren
	Wirklichkeit im Spielfilm zunächst nicht gebrochen – nur an einer
	entscheidenden Stelle, die man schwer diskutieren kann, ohne eine Pointe zu
	versauen.

	Aziza (Ceci Chuh), eine junge Frau zwischen allen Lebensentscheidungen,
	ihre eigentlich sehr entspannte, aber dennoch im Dauerstreit mit der
	Tochter befindliche alleinerziehende Kreativmilieu-Mutter (Vivian Daniel),
	ein Drifter namens Zach (Elliot McKee) und LebenskünstlerInnen aus allen
	Teilen der Welt ziehen durch ein Kreuzberg des offenen, vorläufigen,
	unbestimmten Lebens und improvisieren über die Freiheit zwischen dem guten
	alten „Nothing left to loose“ von Kris Kristofferson und Janis Joplin und
	dem langsamen Aufbau von realen Möglichkeiten über Praktika beim abwesenden
	Vater in Portugal.

	Dass auch die Freiheit in der Ökonomie des Nichts-zu-verlieren-Habens nur
	einen Kompromiss darstellt oder nur als Vorläufigkeit zu haben ist, wird in
	dem an genau beobachteten Alltagsszenen, Minikonflikten, glücklichen
	Zufällen und allgemeiner Lässigkeit reichen Naturalismus nie explizit
	ausgesprochen; es ist aber die am Ende auch absolute und ontologische
	Grenze von Azizas In-der-Nacht-im-Kreis-Herumlaufen, dessen zutiefst
	sympathisierende Zeugen wir werden.

	## Driften und Behütetsein

	Statt zu spoilen, also ein Versuch, die letzte Szene zu lesen: Um das
	Driften, die Unsicherheit, das prekäre Leben als Freiheit genießen zu
	können, muss man behütet aufgewachsen sein und über eine innere Sicherheit
	verfügen. Deswegen erkennt man in vielen Spielfilmen hinter den
	abenteuerlichsten Streuner- und Grenzgängerinnen-Darstellungen stets die
	Züge bürgerlicher Behütetheit, unter der die SchauspielerInnen dieser
	Transgressionen aufgewachsen sind.

	Wenn dann aber tatsächlich einmal das gefährliche Neuland jenseits der
	Reichweite der Behüter aufgesucht werden soll, greifen auch in liberalen
	Kreisen die Erziehungsmaßnahmen in vollem Umfang – das Kind ist dann nicht
	mehr frei, sich selbst zu entdecken, sondern auch eine Person, in die
	investiert wurde.

	Das Kompliment, das „Umsonst“ am häufigsten gemacht wurde, war das der
	Leichtigkeit – nicht zu Unrecht. Das sommerliche Kreuzberg mit seinem
	international-lockeren Lebenskunst-Prekariat schlendert hier auf den ersten
	Blick wirklich ziemlich zwanglos von Marktstand zu Festivälchen, von
	vorübergehender Übernachtungsmöglichkeit zu verletzlichen Folk-Darbietungen
	in den zahllosen Parks und schließlich zu nächtlichen Eröffnungen von
	Projekträumen, von denen die heitere, aber bestimmte Bevölkerung verlangt,
	das Vernissagen-Bier doch bitte der Allgemeinheit zur Verfügung zu stellen
	– gewissermaßen als präventive Steuer auf die zu erwartenden
	Gentrifizierungsschäden, die die projektförmige Umtriebigkeit schon
	irgendwie verursachen wird.

	Eine durchaus zu vertretende Position, die sich etwa mit dem deckt, was
	Boris Groys vor ein paar Jahren in der Berlin-Nummer von Lettre dem
	Berliner Bohemismus empfahl, um seinen Lebensstil zu verteidigen:
	unbedingte Unproduktivität. Andernfalls droht der Untergang. Auch „Umsonst“
	teilt mit den Nouvelle-Vague-Filmen, an die man sich erinnert fühlt („Cleo
	von 5 bis 7“ zum Beispiel), nicht nur den Charme, sondern auch die Nähe zur
	(persönlichen) Katastrophe, mit der die traumwandelnde Sicherheit erkauft
	ist, die Voraussetzung von Leichtigkeit ist. Nicht nur Aziza spaziert an
	Abgründen entlang, auch das sie hervorbringende Kreuzberg und Kreuzkölln.

	## Inszenierung von Diskontinuitäten

	Analytischer und diskursiver geht „Ich will mich nicht künstlich aufregen“
	die Dramen des Berliner Kulturprekariats an, hier das erwachsenere,
	Projekte machende, das schon weiß, was es will. In seiner filmischen
	Welterschließung ist dieser Film das Gegenteil von Geenes beseelt
	groovendem Großstadt-Chanson. Es werden hier erst sehr spät Kontinuitäten
	jenseits der Hauptfigur, der Kuratorin Asta Andersen (Sarah Ralfs),
	erkennbar. Bis weit in die zweite Hälfte wird sehr stark darauf geachtet,
	dass nahezu jedes Bild, jede Szene wie aus einem eigenen Film zu sein
	scheint.

	Die Inszenierung der Diskontinuitäten (mit fiependen Testbildern, einem
	Vorspann, der erst nach gut 30 Minuten beginnt) erinnert zwar ihrerseits an
	alles, was zwischen Dziga Vertov, Jean-Luc Godard und Alexander Kluge dem
	reflexiven Filmemachen gut und teuer ist, spricht dies aber auch
	unausgesetzt aus: deklariert nicht nur die Kenntnis der
	Reflexivitätsklassik als Gebrauchswanweisung fürs Publikum, sondern hält
	sich dann auch an deren Imperative.

	Die Ausflüge in diese Genres und Traditionen auch außerhalb des Kinos –
	Auftritte von Schlingensief-Darstellern, wunderbar farblich abgestimmte
	Bühnenbilder, parodistische Anspielungen auf alle möglichen Personen des
	Berliner Avantgardelebens, hölzerne Pollesch-Rekonstruktionen mit
	ausgestellter Verdattertheit über die eigene Hölzernheit – und die
	dazugehörigen rekonstruktiven Nachdenklichkeiten sind zugleich angeberisch,
	hilflos, riskant und schlau.

	Die Beteiligten in diesem Film kämpfen sehr entschieden um Professionalität
	und Professionalität als Problem, aber sie sind ebenso die ganze Zeit
	Lernende, Studierende, die es weder schaffen, ihre Kulturmachertexte
	glaubwürdig aufzusagen (noch die Denunziation durch das Aufsagen oder
	reflexive Ausstellung des Aufsagens durchzuhalten), noch beim
	Projekteablehnen so blasiert und böse auszusehen, wie sie eigentlich wollen
	oder sollen. Dazu sind sie ständig am Exzerpieren, Zitieren,
	Archivedurchstöbern und Klassikerdurcharbeiten.

	Das Irritierende ist, dass das hier vorgeführte und als Wärmetod aller
	möglichen politisierten Avantgarden ausgestellte Strebertum auch einen
	total verstreberten Film hervorgebracht hat, der sich in alle denkbaren
	Richtungen absichert, aber eben dennoch die Leistung vollbringt, dass man
	oft nicht entscheiden kann, ob er seine Protagonisten karikieren oder
	erklären will. Oder, was dann auch manchmal als Möglichkeit anklingt: ihnen
	seine Solidarität aussprechen.

	## Ewige höhere Töchter

	Zusammengehalten wird der Film von – neben einer großartig stolz-ratlosen
	Hauptdarstellerin und einem bestechenden Set- und Kostümdesign – zwei
	Thesen, die trotz aller Einklammerungen durchschlagen: Zum einen, dass es
	ein Skandal ist, dass experimentelle und politische Bewegtbildgenres (wie
	Fassbinders 70er-Jahre-Fernsehserie „Acht Stunden sind kein Tag“) aus der
	großen Öffentlichkeit des Fernsehens und des Kinos verschwunden sind und im
	exklusiven Kunstraum einer exklusiven Öffentlichkeit vorbehalten bleiben.
	Zum anderen, dass dieser Kunstbetrieb, der hier von adlig säuselnden,
	ewigen höheren Töchtern beherrscht wird, kritische Positionen nur zur
	Dekoration zulässt, aber eigentlich eben bestraft.

	Die erste These ist richtig und wird auch sehr zwingend und in Hommagen
	(Hannelore Hoger) und Reminiszenzen an jenes schon einmal öffentlichere
	politisierte Filmemachen vorgetragen. Die zweite These übersieht, dass der
	das avancierte Bewegtbild verschlingende Kunstbetrieb aus zwei Betrieben
	besteht, dem kommerziellen und dem staatlichen, den Kunstmessen und den
	Kulturstiftungsprojekten. Beides hängt zusammen – aber doch deutlich
	komplexer und (tragisch) dialektischer, als es das Bild der nebligen Macht
	adliger Staatskuratoren hier zu einem erstaunlich verflossenen Klischee von
	bürgerlicher Kultur zusammenreimt.

	Man bekommt den Eindruck, dass hier eine im eigenen Saft schmorende Szene
	sich mit einer großen gebildeten Hitze hochkocht, die mit der Temperatur
	der pflichtgemäß miterwähnten realen Konflikte des Berliner
	Off-Kunst-Lebens in einem nur sehr lockeren Zusammenhang steht: der Kampf
	um den Kotti, die Mieten in Mitte, die grauen Kämpfe in der Ebene der
	Kulturgelderverteilung.

	Die Künstlichkeit der Aufregung mag noch so reflektiert daherkommen, sie
	überdeckt die Unterschiedlichkeit der Interessen. Hier hilft dann wieder
	der Blick darauf, wie das wirklich aussieht, dieses komische Kreuzberg –
	und das sieht man am Ende, wenn Asta sich minutenlang durch dessen Straßen
	chauffiert: dabei schiebt sich aber immer ihr autofahrerische Überlegungen
	anstellende Kopf vor die Straßenszenen.

	In „Umsonst“ erweckt der Durchgang durch alle Tages- und Nachtzeiten das
	Gefühl einer kompletteren Welt. Doch beide Filme stellen die Frage, wie es
	angehen kann, dass diejenigen, die diesen Ort und seine Attraktivität
	permanent produzieren und reproduzieren, dafür nicht nur nicht bezahlt
	werden, sondern auch dieses Nichts der Freiheit immer weniger gegen etwas
	tauschen können. Es wird Zeit, dass Hoteliers, Immobilienspekulanten und
	Ferienwohnungsbesitzer endlich Subkultursteuer abführen.

	10 Jul 2014

	## AUTOREN

	Diedrich Diederichsen

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