# taz.de -- Interview 120 Jahre Deutsche Grammophon: „Rhythmusverschiebung, hören Sie?“

	# taz.de -- Interview 120 Jahre Deutsche Grammophon: „Rhythmusverschiebung, h…

	> Clemens Trautmann hat in New York Klarinette studiert und als Jurist bei
	> Springer gearbeitet. Jetzt leitet er das älteste Musiklabel der Welt –
	> und feiert Britney Spears.

	Bild: Clemens Trautmann

	taz: Herr Trautmann, bevor Sie Manager und Präsident des berühmtesten
	Klassiklabels der Welt wurden, waren Sie Profimusiker auf der Klarinette.
	Können Sie es noch?

	Clemens Trautmann: Die Frage stelle ich mir auch jedes Mal. Aber am Ende
	ist es halt doch wie Fahrrad fahren. Man braucht eine Grundfitness als
	Musiker. Und die habe ich, weil ich am Wochenende noch regelmäßig meine
	Klarinette auspacke. Wenn ein Konzert ansteht, übe ich auch unter der
	Woche. Das geht am besten morgens vor der Arbeit, weil ich abends doch
	meist Verpflichtungen habe, entweder Geschäftsessen oder natürlich
	Konzertbesuche mit unseren Künstlern.

	Hat man als ehemaliger Profi, für den das Konzertieren jetzt nur noch ein
	Hobby ist, nicht immer noch einen ungeheuren Anspruch an sich selbst, den
	man vielleicht gar nicht mehr erfüllen kann?

	Ich hoffe, dass ich die Sensibilität habe zu spüren, wann es vielleicht
	nicht mehr ausreichend ist, was ich abliefere. Natürlich komme ich nicht so
	viel zum Üben wie andere Kollegen, die regelmäßig Konzerte geben, deswegen
	ist Selbstkritik wichtig. Außerdem darf man bei allen eigenen musikalischen
	Projekten nie vergessen, dass ich in erster Linie in einer dienenden
	Funktion gegenüber unseren Künstlern stehe.

	Was spielen Sie so?

	Natürlich das Standardrepertoire für Klarinette, das etwa Mitte des 18.
	Jahrhunderts beginnt. Die großen Klarinettenwerke von Mozart, Weber,
	Schumann, Brahms und Debussy und wie sie alle heißen. Ich habe aber auch
	immer sehr viel Avantgarde gespielt, das war mir wichtig. Werke von Pierre
	Boulez oder Karlheinz Stockhausen. Und Uraufführungen, etwa von Komponisten
	wie Manfred Trojahn, Birke Bertelsmeier, Akira Nishimura oder Sven-Ingo
	Koch.

	Nicht jeder Klassikfreund schätzt die sogenannte Neue Musik. Auch nicht
	jeder klassische Musiker.

	Aus meiner Sicht gehört für einen Musiker diese Offenheit unabdingbar dazu.
	Genauso wie man versuchen sollte, über das Genre der klassischen Musik
	hinaus zu denken. Eine Zeit lang habe ich deswegen intensiv Klezmer
	gespielt. Meine damalige Klarinettenlehrerin war mit Giora Feidman
	befreundet, dem berühmten Klezmer-Klarinettisten. Auf diese Weise durfte
	ich Feidman immer wieder begegnen und bekam auch Unterrichtsstunden von
	ihm.

	Ist Klezmer nicht ein wenig wie Blues? Man muss ihn spüren, oder?

	Ja, man muss ihn spüren. Als klassischer Musiker ist man daran gewöhnt, mit
	Noten zu arbeiten. Da ist es ein Schockmoment, wenn auf einmal nichts auf
	dem Papier steht und Du in der Klezmercombo eine Improvisation, ein Solo
	darbieten musst. Für einen klassischen Musiker ist es eine riesige
	Herausforderung, nicht nach notierter Musik zu spielen.

	Aber irgendwann geht es?

	Das zu erlernen ist ein Prozess. Wenn man seine erste Improvisation
	abliefert, fühlt man sich noch völlig schutz- und hilflos. Aber das ändert
	sich schnell. Man erobert sich langsam Räume und Freiheiten.

	Spielen Sie auch heute noch Klezmer?

	Es gibt ja den schönen Satz: „Eine Hochzeit ohne Klezmer ist wie eine
	Beerdigung ohne Tränen.“ Wenn ich bei Freunden zur Hochzeit eingeladen bin
	und ein Ständchen erwünscht ist, dann spiele ich gerne Klezmer.

	Wie ging das alles überhaupt los zwischen Ihnen und der Musik?

	Mein Vater war Ingenieur, meine Mutter Kauffrau. Mein familiärer
	Hintergrund könnte, zumindest auf dem Papier, der Musik gar nicht ferner
	sein. Und es war durchaus nicht so, dass es meinen Eltern finanziell leicht
	fiel, meiner Schwester und mir Musikunterricht zu ermöglichen. Was im
	Elternhaus jedoch vorhanden war, das war eine große Liebe zur Musik, die
	sehr zwanglos an uns weitergegeben wurde.

	Die Musik wurde Ihnen seitens der Eltern also schon nahegelegt?

	Sie haben Möglichkeiten eröffnet. Innerhalb dieses Rahmens hatten wir
	totalen Freiraum. Was freilich gesetzt war: Wenn wir schon Klarinetten-
	oder Klavierunterricht bekamen, dann musste der auch wahrgenommen und es
	musste geübt werden. Ob wir allerdings fünf Minuten oder fünf Stunden am
	Tag übten, das überließen unsere Eltern uns. So an die Musik herangeführt
	zu werden, das war für mich perfekt. Und so, ohne Druck zu erzeugen, würde
	ich das auch an meine Kinder weitergeben, wenn ich welche hätte.

	Geht das denn: Es ohne viel Druck zum Profimusiker zu schaffen?

	Viele Musikerfreunde, die unter immensem Druck der Eltern oder ihres
	Umfelds standen, haben entweder aufgehört oder sind daran zerbrochen. Nur
	wenige können Druck in etwas Positives verwandeln.

	Ab wann war Ihnen klar, dass Sie das Spielen auf der Klarinette auch zu
	Ihrem Beruf machen könnten?

	Dass es mal ernster werden würde mit mir und der Klarinette, hat sich erst
	kurz vor meinem Abitur herauskristallisiert. Ich hatte auch damals schon
	eine ganze Menge anderer Interessen neben der Musik. Die musste ich dann
	natürlich zurückstellen. Weil ich wusste: Für die Musik gibt es nur dieses
	eine Fenster. Da kann ich jetzt nicht erst einmal vier Jahre lang BWL,
	Theologie oder sonst was studieren und dann wieder ins Konzertleben
	zurückkehren. Diese Chance, mit der Musik als Profi weiterzumachen, die bot
	sich nur einmal.

	Noch während Ihrer Zeit als Profimusiker haben Sie damit begonnen, Jura zu
	studieren. Haben sich Ihre anderen Interessen irgendwann doch bei Ihnen
	zurückgemeldet?

	In meinem Hinterkopf war immer, dass die Musik in sich zwar ein Kosmos ist.
	Dass da draußen aber noch viele andere Welten liegen, die spannend sind und
	die es zu entdecken gilt.

	Dabei haben Sie im Alter von 20 Jahren an der renommierten Juillard School
	in New York Musik studiert. Sagt man sich da nicht: Okay, das ist es, ich
	hab’s geschafft?

	Selbst wenn man mit 20 in New York leben und arbeiten kann, hat man
	eigentlich noch gar nichts erreicht. Um als Klarinettist langfristig seinen
	Lebensunterhalt zu bestreiten, hat man typischerweise zwei Optionen:
	Orchestermusiker zu werden oder zu unterrichten, entweder an der
	Musikschule oder am Konservatorium. Als Pädagoge wäre ich viel zu
	ungeduldig gewesen, das war mir gleich klar. Orchestermusiker hätte mich
	vielleicht gereizt, ich konnte mir aber nicht vorstellen, dass ich das 30
	oder 40 Berufsjahre mit derselben Euphorie weitermachen könnte.

	Sie haben sehr viel Kammermusik gespielt, um sich dann in Hamburg für ein
	Jura-Studium einzuschreiben. Sie haben in dem Fach sogar promoviert. Warum
	sind Sie nicht als Jurist tätig geworden?

	Um ein Haar wäre ich wirklich in der Jurisprudenz gelandet. Ich hatte die
	Option, nach meiner Promotion zu habilitieren. Letztlich habe ich mich dann
	aber doch für einen weniger seriösen Weg entschieden. Das Alternativangebot
	zur wissenschaftlichen Karriere war die Vorstandsassistenz bei Mathias
	Döpfner im Axel Springer Verlag. Und das habe ich auch begeistert
	angenommen. Ich wollte einfach erneut etwas ganz anderes ausprobieren.

	Mathias Döpfner war mal Musikkritiker bei der FAZ. Gab es zwischen Ihnen
	und Ihrem Chef auch eine Verbindung durch die Musik?

	Sicher, es gab diese Verbindung, wobei sie im Arbeitsalltag höchstens
	indirekt zum Tragen gekommen ist. Wir haben vielleicht zwei Mal im Jahr
	über Musik gesprochen. Über digitale Transformation dagegen täglich.

	Seid drei Jahren sind Sie nun Präsident der Deutschen Grammophon. Für
	diesen Job erscheint Ihre bunte Biografie geradezu ideal.

	Man könnte vielleicht sagen: Der Job ist die perfekte Synthese aus allen
	losen Enden meiner Biografie.

	Leicht ist es aber nicht, so ein traditionsreiches Klassiklabel durch die
	andauernde Krise der Musikindustrie zu manövrieren, oder?

	In der Musikindustrie insgesamt gibt es in Deutschland wieder ein leichtes
	Wachstum. Aber die klassische Musik ist noch nicht Teil dieses Trends.

	Warum ist das so?

	Das liegt im Wesentlichen daran, dass unsere Kernzielgruppe, die so im
	Schnitt 35, 40 Jahre und älter ist, noch nicht so konsequent auf digitale
	Plattformen wechselt. In der Popwelt ist die 50-Prozent-Marke inzwischen
	überschritten zu Gunsten von Streaming. In der klassischen Musik werden in
	Deutschland dagegen noch 80 Prozent der Umsätze mit physischen Tonträgern
	gemacht. Die Deutsche Grammophon will ein Motor der Digitalisierung sein,
	und tatsächlich wachsen wir im Streaming viermal so stark wie der Markt. In
	den USA sind schon 80 Prozent des klassischen Musikkonsums digital, wovon
	wir als internationales Label stark profitieren.

	Klassik hören per Algorithmus. Ein Stück von Mozart, danach vielleicht ein
	seichter Popsong. Sind Streaming-Plattformen nicht ein Grauen für jeden
	ernsthaften Klassikliebhaber?

	Insgesamt sehe ich für die klassische Musik auf diesen Plattformen eher
	Chancen als Risiken. Anders als in der physischen Welt, wo die
	Klassikabteilung doch eher im zweiten Untergeschoss in der hintersten Ecke
	des Kaufhauses zu finden war, ist es jetzt viel einfacher, klassische Musik
	zu entdecken. Und man musste in der analogen Ära viel investieren für diese
	Entdeckungen. 15 bis 20 Euro für ein Album, ohne zu wissen, ob einem das
	auch wirklich zusagt. Durch ein Abomodell, wie bei den
	Streaming-Plattformen, wird es für klassische Musik einfacher, dass sich
	Leute auf sie einlassen. Der Einstieg über die Stimmung, statt über das
	Genre, kann dabei durchaus helfen.

	120 Jahre alt ist die Deutsche Grammophon jetzt. Ein wenig Patina hat das
	Label schon angesetzt, oder?

	Ich glaube, wir Deutschen könnten auf die Marke Deutsche Grammophon ruhig
	etwas stolzer sein. Es gibt nicht allzu viele Marken, die diesen Weltruf
	haben. Und deren visuelles Erscheinungsbild vielerorts in die gesprochene
	Sprache übergegangen ist: „The Yellow Label“. Wenn ich im Ausland unterwegs
	bin, ist die Wertschätzung für die Deutsche Grammophon um einiges größer
	als im eigenen Land. Etwa in Frankreich und Italien, vor allem aber in
	Asien, wo das gelbe Label beinahe gleichbedeutend ist mit klassischer
	Musik.

	Waren Sie deswegen zum Jubiläum gerade auf großer Label-Tour in Asien?

	Deswegen, und auch, weil die Zahl 120 in Asien eine besondere Bedeutung hat
	und kulturell aufgeladen ist. 60 Jahre gelten als Lebenszyklus. Den haben
	wir also schon doppelt vollendet. Das mit unseren Künstlern bei einem
	Konzert im alten Kaiserpalast, der Verbotenen Stadt, in Peking feiern zu
	dürfen, bleibt unvergesslich.

	Die Deutsche Grammophon wird wohl auf ewig eng mit dem Namen Herbert von
	Karajan verbunden bleiben. Behindert der nicht mehr ganz zeitgemäß wirkende
	Geniekult, der um Karajan entstanden ist, die Modernisierung des Labels?

	Die Deutsche Grammophon hat mit Herbert von Karajan rund 405 Stunden Musik
	produziert, wie wir kürzlich recherchiert haben. Also ja, Karajan gehört
	sehr stark zu unserer Historie. Das ist ein unglaublicher Schatz, der das
	Label ästhetisch mitdefiniert hat.

	Da auf dem Tisch in Ihrem Büro steht die Karajan-Gesamtausgabe. Ganz schön
	groß.

	Ich plädiere natürlich dafür, diesen Schatz zu pflegen und auch durch
	Storytelling bei Instagram einer jüngeren Generation näher zu bringen.
	Zugleich werden andere spannende und teils konträre künstlerische
	Entwicklungen und Positionen, die es bei uns gab und gibt, durch die
	überlebensgroße Figur Karajans etwas verdeckt. Zum Beispiel, dass die
	Deutsche Grammophon historisch auch für elektronische oder minimalistische
	Musik eine wichtige Heimat war. Stockhausens „Gesang der Jünglinge“, Steve
	Reichs „Drumming“ oder das 1. Violinkonzert von Philip Glass mit Gidon
	Kremer hatten beispielsweise bei uns ihr Debüt. Das sind Traditionsstränge,
	an die wir heute etwa mit Max Richter anknüpfen können. 2018 haben wir auch
	das Leonard-Bernstein-Jahr gefeiert. Das hat geholfen, auf sein unglaublich
	facettenreiches Schaffen neu aufmerksam zu machen.

	Karajan gilt als einer der Väter der CD. Er wollte unbedingt einen
	Tonträger, auf den Beethovens Neunte Symphonie passt, ohne dass man dafür
	eine Schallplatte umdrehen müsste. Nun verschwindet die CD langsam vom
	Markt. Hat uns Karajan ein Format beschert, das sich bald als historischer
	Irrtum herausstellen wird?

	Sollte sich die CD im Nachhinein als historischer Irrtum erweisen, so war
	sie doch ein sehr wirkungsmächtiger und auch kommerziell relevanter Irrtum.
	Die 80er und 90er Jahre waren eine unheimliche Boomphase für die
	Musikindustrie, weil alle Vinyl-Kataloge neu ediert wurden und
	Einspielungen speziell für CDs vorangetrieben wurden. Was in dieser Phase
	künstlerisch entstanden ist, möchten wir nicht mehr missen. So manche
	aufwändige Referenzaufnahme wäre ohne diesen Boom gar nicht möglich
	gewesen.

	Wir haben jetzt sehr viel über klassische Musik gesprochen. Herr Trautmann:
	Haben Sie auch einen Zugang zum Pop?

	Okay, jetzt wird es gefährlich. Tatsächlich bin ich in dem Bereich eher bei
	älterer Musik unterwegs. Ich habe beispielsweise eine große Schwäche für
	Janis Joplin. In ihrer Musik ist etwas Existenzielles spürbar. Da ich bei
	Universal Music auch den Jazz verantworten darf, spielt das Genre auch
	privat eine große Rolle für mich. Und ich habe ein paar „guilty pleasures�…

	Jetzt wird es interessant.

	Ich finde, die Musik von Britney Spears ist einfach gut produziert. Das ist
	handwerklich verdammt gut gemachte Popmusik. Nehmen Sie „Oops!… I Did It
	Again“ und „Baby One More Time“. Da passieren unheimlich spannende Sachen,
	die die allermeisten vielleicht gar nicht bewusst wahrnehmen. In „Oops! I
	Did It Again“ wird an einer Stelle der Rhythmus effektvoll verschoben. Und
	in „Baby One More Time“ wird es am Ende polyphon.

	Ach ja?

	(Streamt zuerst „Baby One More Time“ und danach „Oops!…I Did It Again�…
	Hier: Eine Art Kanon. Der Chor singt fast dasselbe wie Britney, aber um
	einen Takt versetzt. Und während es normalerweise „Oops! … I did it again�…
	heißt, klingt es nach der Stelle mit dem Astronauten so: „Oops! I … did it
	again“. Mit der Betonung auf dem „I“. Hören Sie die Rhythmusverschiebung?

	Ja, jetzt höre ich es auch.

	29 Dec 2018

	## AUTOREN

	Andreas Hartmann

	## TAGS

	Lesestück Interview
	Klassische Musik
	Streaming
	Britney Spears
	Musikgeschäft Berlin
	Schwerpunkt Rassismus
	Klavier
	Migration

	## ARTIKEL ZUM THEMA

	Musikspielplatz Berlin: Der Laden läuft wieder

	Auch Sony Music profitiert von Streaming und kehrt nach Berlin zurück, wo
	schon alle anderen Akteure des Geschäfts sitzen.

	Rapper Chefket im Interview: „Populismus in Rap-Form“

	Gangsta-Rapper reproduzieren nationale Stereotype und regen sich dann über
	die rassistische Masse auf, kritisiert der Rapper Chefket. Ein Gespräch.

	Künstlerbetreuer über seinen Job: „Ich war high von der Musik“

	Gerrit Glaner betreut empfindsame Pianistenseelen für den Klavierbauer
	Steinway. Ein Gespräch über die Vorteile einer Banklehre und die Weisheit
	von Flügeln.

	Entwicklung durch Migration: Musik auf Reisen

	Wenn Musiker auswandern, verändern sich die Klangkörper. Ob der
	Steinway-Flügel oder das syrische Exil-Orchester: alles
	Migrationsgeschichten.