# taz.de -- Regisseurin über „Touch Me Not“: „Der Film wird zum Spiegel“

	# taz.de -- Regisseurin über „Touch Me Not“: „Der Film wird zum Spiegel�…

	> Die Regisseurin Adina Pintilie über den Dialog mit dem Publikum und die
	> Entstehung ihres Forschungsfilms „Touch Me Not“.

	Bild: Laura Benson in „Touch Me Not“. Am Anfang steif und unbeweglich über…

	Bei der Verleihung des Goldenen Bären, den sie im Februar überraschend
	gewann, war Adina Pintilie richtig krank und brachte auf der Bühne fast
	kein Wort heraus. Nun, nach einem Dreivierteljahr Festivalreisen mit ihrem
	[1][Sensationsfilm „Touch Me Not“], ist sie – pünktlich zum deutschen
	Verleihstart – wieder heiser, und zwar so sehr, dass sie nur flüstern kann.

	Automatisch flüstert man mit. Was dann auch wieder stimmig ist, denn ihr
	sensorischer Film handelt nicht nur von Nähe und Öffnung, Befreiung und
	allerlei Formen von Sexualität (Callboy, Masturbation, Trans-Peepshow,
	Sex-Club, Berührungstherapie), sondern vor allem von Intimität. Jeder Satz
	also kommt wie eine geheimnisumwitterte Offenbarung.

	taz: Frau Pintilie, „Touch me not“ ist als Titel ja die totale Ambivalenz.
	Eine Verneinung als Aufforderung.

	Adina Pintilie: Ein klassischer Widerspruch. Dieser Titel markiert für mich
	recht genau die grundsätzliche innere Spannung, die sich durch den gesamten
	Film zieht und auch alle Charaktere auf ihrer Reise zu einer Art Befreiung
	erfasst. Es geht ja darum, wie sie ihre Blockaden loswerden, sich befreien
	von all dem Gepäck, das sich über die Jahre angesammelt hat. Sie alle
	kämpfen mit diesem Widerspruch zwischen der Notwendigkeit von Intimität und
	der Angst vor ihr. „Berühr mich“, aber auch „Berühr mich nicht“ umfas…
	diese Spannung präzise.

	Wie entstand das Projekt – ich würde es so nennen, vielleicht auch
	Experiment, aber jedenfalls etwas, was noch weitergeht, eine Begegnung.

	Hm, wie weit geht das wohl zurück? Vielleicht sogar bis an jenen Punkt, wo
	ich Bewusstsein entwickelt habe.

	Und wann war das?

	In der Wissenschaft heißt es ja – und das stimmt mit meiner Erinnerung
	überein – dass das so mit fünf Jahren einsetzt. Kurze Momente, in denen das
	Bewusstsein aufscheint. Auch im Film sprechen meine Protagonistin Laura
	[Benson, Anm. der Red.] und ich an einer Stelle darüber: dass unser
	Projekt eigentlich „vor den Worten“ liegt, also in einer Zeit beginnt, in
	der sich unsere Erinnerung formiert.

	Eine universale Sache, aber zugleich individuell.

	Der Film ist ein sehr persönliches Forschungsprojekt für uns alle, nicht
	einfach nur ein Film. Daher wehre ich mich auch gegen all diese
	Genrebezeichnungen. Es ist kein fiktionaler Film, aber auch kein
	Dokumentarfilm, und auch kein Experimentalfilm. Ich würde sagen, es ist ein
	Recherchefilm, ein Prozessfilm.

	Was war Ihr Ausgangspunkt?

	Wie ich im Film erzähle, dachte ich Ende zwanzig: Ich weiß alles über
	intime Beziehungen, wie Begehren funktioniert. Ich dachte echt, ich weiß
	alles! Aber nach noch einmal zwanzig Jahren real life war mir klar, dass
	ich sehr wenig weiß und dass die Realität nur selten so aussieht, wie man
	uns sagt oder es uns beibringt. Die Familie, die Gesellschaft, die Schule –
	in Bezug auf Intimität reagieren Menschen völlig unterschiedlich. Die
	Realität ist von unserer normativen Fiktion weit entfernt. Normen sind
	fiktiv im Vergleich zum breiten Spektrum der Realität.

	„Touch Me Not“ sagt Normen den Kampf an.

	Meine Absicht war zunächst, dieses vermeintlich gesicherte Wissen zu
	vergessen, um auf Neuentdeckung gehen zu können und mit offenen Augen zu
	erfahren, wie Intimität wirklich funktioniert. Wenn Menschen solche
	Erfahrungen machen, sind die oft gar nicht so rosig wie erwartet. Die
	Realität ist oft widersprüchlich, Emotionen sind komplex.

	Der Versuch, zu vergessen, bezieht er sich auch auf das Filmemachen?
	Darauf, sich von den vielen Normen des Filmemachens zu befreien?

	Die richtige Sprache zu finden war eine der großen Herausforderungen. Es
	existieren ja viele Vorstellungen davon, wie Kino sein soll. Mir gefällt
	dieser Vergleich sehr, dass es auch hier um eine Selbstbefreiung von
	Voreingenommenheiten und Rezepten geht – in Bezug auf den Film als Medium.

	Haben sich im Verlauf des Filmens denn Ihre Pläne konkret verschoben?

	Sicher. Das ist ja ein Forschungsfilm, und da liegt es in der Natur der
	Sache, dass man nicht weiß, wohin einen das führt. Es war eine permanente
	Erfahrung. Die konkrete Filmsprache kam im Laufe dieses Prozesses wie von
	allein. Am Ende blieben mir gar nicht so viele Möglichkeiten. Die
	Verbindung zwischen Sprache und Prozess war organisch.

	Und doch gibt es immer wieder unerwartete turns.

	Die ganze Struktur ist irgendwie unerwartet, dieses Metakino, die
	Anwesenheit der Regisseurin und des Kamerateams. Auch unsere Involviertheit
	in den Prozess. Das war nicht von Anfang an geplant. Was da war, war die
	Idee des direkten, emotionalen Dialogs mit dem Publikum. Deshalb war die
	vierte Wand von Beginn an durchlässig. Ich brauchte also eine Technik, die
	das erlaubt, und habe diese bei Errol Morris gefunden. Sie wird seit Jahren
	für TV-Dokumentationen verwendet: der Teleprompter.

	Wie funktioniert der?

	Es ist eine technische Struktur, die es den Charakteren im Gespräch mit mir
	ermöglicht, mich in der Linse zu sehen. Sie sprechen direkt mit der Linse,
	also auch direkt mit dem Publikum. Ich wollte ursprünglich alternierend die
	Erfahrungen meiner Charaktere und die Reflexionen über ihre Gefühle, die
	sie direkt mit den Zuschauer*innen teilen, bringen.

	Apropos Charaktere: Da gibt es Profis und Laien.

	Das Casting lief eigentlich eher wie bei einem Dokumentarfilm. Ein Mix aus
	Profis und Laien, das stimmt, aber es ist eigentlich egal, denn sie alle
	sind Menschen. Wir wollten eine Mischung aus personalisiertem Material und
	fiktionalen Elementen. Wichtig war, dass alle eine starke Motivation haben,
	an diesem Projekt mitzumachen, und sich einlassen auf diesen Dialog mit dem
	Publikum. Als ich nun diese Dialoge sah, bemerkte ich, dass der Effekt
	genau gegenteilig war: Die intendierte emotionale Direktheit gab es
	überhaupt nicht, sondern eher Brecht’sche Verfremdung, die Distanziertheit
	hervorrief. Ich brauchte Monate, um zu verstehen, warum das so war. Es
	hängt damit zusammen, dass tief in unserem Gehirn verankert ist, wie wir
	Filme sehen. Wenn wir ins Kino gehen, lösen wir uns von uns selbst, trennen
	den Körper des Zuschauers vom Körper des Films.

	Gilt das auch für Dokumentarfilme?

	Ja, diese Trennung ist immer da. Und ich wollte sie aufheben. Ich wollte
	dich, die konkrete Zuschauerin, permanent und direkt emotional in den Film
	hereinholen. Zu einem Teil des Films machen. Die Kamera musste zu diesem
	Zweck im Film selbst auftauchen, sie ist der Kanal, der immer offen ist für
	diese Kommunikation, die das Publikum privilegiert, direkten Zugang zu
	diesen so hochsensiblen Momenten im Leben der Protagonisten zu bekommen. In
	diesem Kanal spielt sich ein permanenter Gefühlsaustausch ab.

	Mit mir hat es das jedenfalls gemacht. Wie war es denn für Sie selbst? Sie
	sind präsent – vor und hinter der Kamera.

	Ich war immer und überall involviert, wollte aber anfangs nicht vor die
	Kamera treten. Doch musste ich den ZuschauerInnen die Struktur, den
	apparatus, zeigen – die Kamera als permanent offenen Kanal, und auch mich
	als Erklärung für den Gefühlstrigger und die gesamte Motivation dieser
	Kamera. Nicht als Kontrollinstanz.

	Das Projekt hat auch Sie „affiziert“. Sie erzählen im Film von sehr intimen
	Dingen.

	Klar, das ist dann schon die nächste Stufe. Ich bin die Anima des Projekts.
	Aber es ging um dieses unglaubliche Menschsein, das wir auf diese Weise
	entdecken konnten. Mich sehe ich da eher als Kind, das lernt, neu zu sehen.
	Etwa wie schön Körper sein können, auch wenn sie Normen nicht entsprechen.
	Oder wie besonders Beziehungen sein können und wie anders, als ich das bei
	meinen Eltern wahrgenommen habe. Der Film wird zum Spiegel, den ich vor das
	Publikum stelle. Für viele ist das sehr unangenehm. Manchmal siehst du in
	diesem Spiegel Dinge, die du ungern siehst oder vor denen du Angst hast.
	Der Film triggert die Selbstbefragung. Das verunsichert.

	Die Reaktionen gingen extrem auseinander. Manche fühlten sich regelrecht
	angegriffen.

	Einige gaben dem Film gar keine Chance, sind nach ein paar Minuten raus,
	beim Close-up von Christian [Bayerlein, Rollstuhlfahrer mit SMA; Anm. d.
	Red.], das für mich absolut schön ist. Ein Zuschauer war so angeekelt, dass
	er zu fluchen anfing. Andere, die den Film liebten, schritten ein. Ein
	richtiger Konflikt beim Pressescreening und auch danach: intensive
	Debatten. Das ist sehr gesund. Mein Film macht ein Angebot zur Diskussion.
	Man kann dabei die eigenen Schamgrenzen überschreiten. Muss aber nicht.
	„All emotions welcome.“

	2 Nov 2018

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	## AUTOREN

	Barbara Wurm

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