# taz.de -- Belgische Choreografin über das Tanzen: „Es fordert die Schwerkraft heraus“

	# taz.de -- Belgische Choreografin über das Tanzen: „Es fordert die Schwerkr…

	> Die Berliner Volksbühne zeigt die „Brandenburgischen Konzerte“ mit Musik
	> von Bach und mehr als 36 Menschen live auf der Bühne. Ein Gespräch mit
	> der Choreografin.

	Bild: Die Choreografin Anne Teresa De Keersmaeker

	taz: Guten Morgen, Frau De Keersmaeker. Haben Sie heute Morgen schon
	getanzt?

	Anne Teresa De Keersmaeker: Nein.

	Wenn man Ihre Stücke sieht, begegnet einem so viel Anmut, Leichtigkeit und
	Großzügigkeit, das ist erstaunlich. Und man fragt sich: Woher kommt diese
	Energie?

	Ich mag es zu tanzen und ich mag es zu arbeiten. Es gibt so etwas wie
	Arbeitsfreude. Zu tanzen ist meine Art, in der Welt zu sein, zu denken, zu
	atmen, zu leben. Ich selbst sehe mich sogar mehr als Tänzerin denn als
	Choreografin.

	In Berlin konnte man oft Gastspiele von Ihnen erleben, im Hebbel-Theater
	oder im Haus der Berliner Festspiele. Jetzt zeigen Sie zum ersten Mal eine
	Uraufführung an der Volksbühne.

	Es ist das erste Mal, dass mir ein Berliner Theater eine Koproduktion
	angeboten hat. Es ist der zweite Schritt einer Kooperation, die die
	Volksbühne initiiert hat, im Frühjahr haben wir „Work/Travail/Arbeidt“ und
	„Vortex Temporum“ gezeigt. Die lange Liste der Gastspiele in Berlin seit
	Ende der achtziger Jahre wurde in der Hauptsache von Nele Hertling und
	später von Annemie Vanackere am Hebbel-Theater angestoßen. Aber die Bühne
	dort brachte auch das Problem, zu klein zu sein für manche unserer
	Produktionen.

	2017 haben Sie an „Fous de danse“ teilgenommen, der großen Eröffnung der
	ersten Spielzeit unter dem Intendanten Chris Dercon auf dem Tempelhofer
	Feld. In der Zwischenzeit hat die Volksbühne viele Erschütterungen erlebt,
	Chris Dercon und Marietta Piekenbrock mussten gehen. Hat das Ihre Arbeit
	belastet?

	Nein, unsere Vereinbarung wurde ja beibehalten. Aber ich bedauere tief, wie
	die Ereignisse hier gelaufen sind. Aber ich bin nicht in der Position,
	darüber zu urteilen. Das ist Teil einer größeren Frage, was die Volksbühne
	heute für Berlin sein soll.

	Am 12. September wird die Premiere der „Brandenburgischen Konzerte“ in der
	Volksbühne sein. Es ist Ihre fünfte Arbeit mit einer Komposition von J. S.
	Bach, Ihre Beziehung zu ihm wurde schon als ein Pas de deux mit Bach
	bezeichnet. Auf der Bühne wird das B’ Rock Orchestra die Konzerte spielen.
	Was macht gerade diesen Komponisten so wichtig für Sie?

	Johann Sebastian Bach ist einzigartig in der Geschichte der westlichen
	Musik. Ich liebe den Tanz, weil ich ihn für die direkteste Form von
	verkörperter Abstraktion halte und das ist auch Bachs Musik. Es ist eine
	Musik, die Klarheit ausstrahlt, in der ganzen Struktur und im Detail ist
	sie immer extrem rhetorisch. Die Musik wirkt wie eine bewegte Architektur.
	Es ist wie eine Berührung mit der Unendlichkeit. Bachs Musik ist immer
	extrem strukturiert, aber nie systematisch. Sie ist äußerst formalisiert
	und reflektiert zugleich viele Aspekte der menschlichen Erfahrung. Wie
	Freude, Zorn, Melancholie und Rache. Für mich war das immer eine direkte
	Einladung zum Tanz.

	Wenn Sie über die Qualitäten von Bachs Musik reden, wie Klarheit in der
	Struktur, denken Sie, dass das Eigenschaften sind, die uns heute abgehen?
	Was können wir von seiner Musik lernen?

	Bachs Musik reflektiert das Bewusstsein einer anderen Ordnung, die über
	unsere Wahrnehmung der Dinge hinausgeht. Ich denke, dass selbst Bachs
	nichtreligiöse, weltliche Musik, wie die „Brandenburgischen Konzerte“, die
	er in Köthen schrieb, eine tiefe spirituelle Dimension hat.

	Sie arbeiten in Ihren Stücken oft mit Zeichnungen von geometrischen Figuren
	auf dem Bühnenboden, die den Tänzern Wege vorzeichnen. Warum sind Sie der
	Geometrie so verbunden?

	Geometrie hat eine lange Geschichte, sie beginnt damit, die Erde zu
	vermessen. Seit ich vor 36 Jahren „Fase, Four Movements to the Music of
	Steve Reich“ choreografiert habe, eine sehr repetitive Minimal Music, denke
	ich, dass die Musik der Zeit einen Rahmen gibt, und ich brauche einen
	Rahmen, wie ich den Raum organisiere. Die Musik hat Muster, so brauchte ich
	ein räumliches Muster, das mir sagt, wohin es geht. Sich zu drehen war für
	mich die natürlichste Art zu tanzen. Der Kreis, den ich damals nutzte, ist
	zugleich die offenste und die geschlossenste Form. Menschen bilden einen
	Kreis, wenn sie etwas beobachten wollen. Man sitzt im Kreis um ein Feuer.
	Jeder hat die gleiche Distanz zum Mittelpunkt, es ist eine demokratische
	Form. Und im Kreis zu tanzen, hat viel mit Kontinuität und Dauer zu tun.
	Auf einer Linie kommt man zu einem Punkt, an dem man umkehren muss.

	Aber auch die Spirale taucht sehr oft bei Ihnen auf.

	Das ist auch eine äußerst basale Form. Sie erlaubt viele Ankerpunkte, im
	Zentrum, an der Grenze, im Raum dazwischen. Geometrische Muster zu betonen,
	hat mir von Anfang an geholfen, den Raum zu organisieren. Und Geometrie ist
	überall präsent, in der Natur, Kultur, Architektur, von Stonehenge über die
	gotischen Kathedralen bis zum Werk von Le Corbusier. Wir malen eine Spirale
	am Strand in den Sand, sie ist in der Galaxis und taucht schon in der
	prähellenistischen Vasenmalerei auf.

	Aber hat Geometrie auch mit dem Körper zu tun?

	Natürlich, es geht um Proportionen. Wenn man mit dem Körper arbeitet, geht
	es auch grundsätzlich um Proportionen, wie zum Beispiel zwischen der Hand
	und dem Arm.

	Also ist Geometrie etwas Verbindendes?

	Ja, zwischen dem Mikrokosmos und dem Makrokosmos.

	Wenn Sie über Ihre Arbeit reden, klingt das oft sehr analytisch,
	wissenschaftlich und logisch. Aber das Publikum erlebt während der
	Aufführungen oft etwas Erleichterndes, als würde eine Last von einem
	genommen, der Geist befreit. Ist das ein Effekt, den Sie kalkulieren?

	Nein, so gehe ich das nicht an. Aber ich suche einen Weg zur Schönheit, zur
	Harmonie, zum Trost. Und ich denke, das alles liegt in der Musik von Bach.
	Sie reflektiert eine Ordnung, die über uns hinausgeht und die uns bewusst
	macht, Teil eines größeren Ganzen zu sein. Aber sie enthält auch ein
	generöses Bewusstsein von menschlichem Mitgefühl. Wir sind Sterbliche, die
	Musik ist sehr menschlich und sehr abstrakt.

	Sie beginnen oft mit Bewegungen, die suggerieren, es wäre einfach, sie
	nachzuahmen. Von dort aus geht es meist zu sehr komplexen Formen. Meinen
	Sie das auch als Modell für soziale Organisation?

	Eine gute Frage. Ich arbeite mit Schichten, beginne mit dem Einfachsten,
	lege Schicht für Schicht, bis zum Komplexen. Am Anfang steht die Idee der
	Einheit, dann kommt Polarität hinein, den Raum öffnen und schließen,
	schnell und langsam sein, Dunkelheit und Licht. Dann kommt Schicht um
	Schicht, zwischen etwas geschehen zu machen und etwas geschehen zu lassen.

	In den „Brandenburgische Konzerten“ wird das Gehen eine Rolle spielen. Was
	bedeutet Gehen für Sie?

	Es ist die Basis der menschlichen Bewegung, wir haben eine vertikale
	Aufrichtung des Skeletts und zwei Füße. (Steht auf und geht durch den
	kleinen Raum.) Es ist die Verbindung zur Erde. Gehen hat mit der
	Schwerkraft zu tun. Man kann tanzen auch sehen als den Versuch, die
	Schwerkraft herauszufordern. Gehen organisiert auch meine Zeit. Es ist die
	einfachste Weise, mein Verhältnis zur Welt und zu den Menschen zu
	organisieren.

	Die lange Geschichte Ihrer Company ist gespeichert in deren Repertoire. Wie
	umfänglich ist das und wie halten Sie es lebendig?

	Das sind um die 50 Stücke. Vor zwei Jahren haben wir begonnen, mit jungen
	Tänzern Choreografien aus verschiedenen Zeiten wieder einzustudieren. Wir
	arbeiten nun auf parallelen Spuren: neue Stücke zu entwerfen und
	Produktionen aus dem Repertoire zurückzubringen. In zwei Wochen geht es
	wieder los mit „Fase“, und wir haben schon „Rosas danst Rosas“,
	„Achterland“, „Rain“, „A Love Supreme“, „Verklärte Nacht“ und …
	wieder auf die Bühne gebracht.

	„Fase“ und „Rosas danst Rosas“ sind zwei legendäre Produktionen in der
	Geschichte des zeitgenössischen Tanzes. Es geschieht nicht oft, dass eine
	Company Choreografien, die 20 bis 30 Jahre zuvor entstanden sind, wieder
	aufführen kann. Mussten Sie für die finanziellen Möglichkeiten kämpfen?

	Dafür müssen wir sehr hart arbeiten. Eigentlich haben wir nicht das Geld
	dafür. So war der einzige Weg, sehr viele Aufführungen zu zeigen und
	Co-Produzenten zu finden. In diesem Zusammenhang hat uns das
	Co-Produktions-Angebot der Volksbühne sehr geholfen.

	Frau De Keersmaeker, ich denke Sie mir als einen glücklichen Menschen. Weil
	Sie das machen, was Sie machen wollen.

	(Zweifelt …) Das stimmt … Ich tanze sehr, sehr gern. Seit ich acht Jahre
	alt war, tanze ich, das ist 50 Jahre her. Es geht um eine natürliche
	Kommunikation in einem Leben, in dem so vieles delegiert wird an Maschinen.
	Tanzen ist immer noch das Einfachste, Natürlichste, was der Körper kann.

	12 Sep 2018

	## AUTOREN

	Katrin Bettina Müller

	## TAGS

	Johann Sebastian Bach
	Zeitgenössischer Tanz
	Zeitgenössischer Tanz
	Historischer Roman
	Berliner Volksbühne
	Tanz
	Tanz

	## ARTIKEL ZUM THEMA

	Choreografie zu Vivaldi: Zu Zeiten out of control

	Vom Zerbrechen der „natürlichen“ Ordnung erzählt ein Tanzstück von Anne
	Teresa De Keersmaeker und Radouan Mriziga. Deutschlandpremiere war in
	Berlin.

	Historischer Roman über Bach-Bruder: Musik, Krieg, Glauben

	Olaf Schmidt erzählt das Leben von Johann Jacob Bach und entfaltet dabei
	ein Panorama des kriegsgebeutelten Europas im 18. Jahrhundert.

	Tanztheater an der Berliner Volksbühne: Man will Teil einer Bewegung sein

	Anne Teresa De Keersmaeker aus Brüssel hat erstmals eine Uraufführung in
	Berlin herausgebracht: „Die sechs Brandenburgischen Konzerte“.

	Dialog mit dem Tanz: Im Riesenluftballon verschwinden

	Bewegtes Erinnern: Wie sich das Berliner Festival Tanz im August über 30
	Jahre hinweg mit dem eigenen Leben verwoben hat.

	Choreografin Stuart über Stuart: „Der Körper ist kein Klavier“

	In Venedig erhält die Choreografin Meg Stuart am Freitag einen Goldenen
	Löwen für ihr Lebenswerk. Anlass für ein Gespräch über Transformation.

	Berliner Festival „Tanz im August“: Die Stille und der Lärm

	Stücke von Anna De Keersmaeker und Marcos Morau überzeugten auf dem
	Festival „Tanz im August“. Ein Blick auf zwei gegensätzliche Arbeiten.