# taz.de -- Künstlerin Magda Krawcewicz: Die Freude an der Vergänglichkeit

	# taz.de -- Künstlerin Magda Krawcewicz: Die Freude an der Vergänglichkeit

	> Die Malerin und Bildhauerin Magda Krawcewicz widmet sich existenziellen
	> Fragen. Demnächst sind ihre Arbeiten in Hamburg und Kiel zu sehen.

	Bild: Hat viel zu sagen, wenn man sich auf ihre Kunst einlässt: Magda Krawcewi…

	Hamburg taz \| Magda Krawcewicz ist eine leise Künstlerin. Und leise
	Positionen haben es schwerer. In der Welt da draußen, die ja oft eine laute
	ist, heutzutage, aber halt auch auf dem Kunstmarkt. [1][Magda Krawcewicz]
	ist keine, die sich aufdrängt; dabei hat sie uns viel zu sagen. Zumindest
	jenen, die bereit sind, sich in der Kunst auch dem Gedanken an das
	Vergängliche auszusetzen. Und den emotional schwierigen Momenten, dem
	Alleinsein, der Melancholie, der eigenen Verletzlichkeit. Das will nicht
	jeder.

	Die 1978 in Polen geborene Hamburgerin ist nicht leicht einzuordnen. Sie
	ist Malerin, Zeichnerin, aber auch Bildhauerin, wandert virtuos zwischen
	den Disziplinen, erschafft Porzellan-Skulpturen und Werke auf Papier,
	arbeitet mit Tinte und Aquarell, und alles greift irgendwie ineinander und
	geht ineinander über.

	Dabei ging es in ihrer Ausbildung an der Hamburger Hochschule für
	Angewandte Wissenschaften noch viel um Fotografie. Danach verdiente sie
	jahrelang als Produktfotografin ihr Geld und verbrachte vor allem die
	Abende und Wochenenden im Atelier. Heute kann sie von ihrer Kunst leben.
	„Viele Künstler wollen schon ganz jung einen Namen haben, eine Marke sein,
	etwas zu sagen haben“, sagt Krawcewicz – „aber war ich da schon so
	gereift?“

	Sie will auch gar nicht leicht einzuordnen sein. „Ich möchte mich nicht
	wiederholen“, sagt sie über sich. Und auch nicht nur einfach nur einen klar
	umrissenen Markenkern pflegen, der von allen Kunstkonsument:innen
	leicht wiederzuerkennen ist und der sich womöglich einmal als erfolgreich
	entpuppt hat.

	## Kunst als Zufluchtsort

	Im Grunde erscheint ihre Kunst oft eher wie das Nebenprodukt einer
	Erfahrung, die sie selbst gerade macht. „Ich will mich selbst am Prozess
	des Machens erfreuen“, sagt die Künstlerin dann. Zugleich ist ihre Kunst
	auch ein Zufluchtsort, für sie selbst. Und Kunst geht eben immer, gerade
	wenn man in ihr so vielfältig arbeitet wie sie, und seien es auch nur
	kleine Zeichnungen, während man sich nebenbei um seinen kranken Vater
	kümmert. Eine existenzielle Erfahrung in einem existenziellen Werk.

	Ihre Werke funktionieren fast immer auf zwei Ebenen. Zum einen sind sie
	niedrigschwellig und berühren einen in ihrer Zartheit und Fragilität ganz
	unmittelbar, auch emotional, und ganz ohne dass man als Betrachter viel
	Vorwissen und Expertise mitbringen müsste. Zum anderen gibt es immer eine
	zweite, tiefere und oft auch sehr poetische Ebene, die sich denen öffnet,
	die sich ihr öffnen wollen. Die Künstlerin greift dabei immer wieder auf
	Mythen und Symbole zurück, die das eigene Unterbewusstsein ebenso wie das
	kollektive Gedächtnis ansprechen. „Ich suche nach Begriffen, die eine Welt
	eröffnen, zu der viele Bilder passen.“

	So wie bei ihren Idolen, die auf den ersten Blick leicht morbide wirken:
	kleine Totenköpfe aus Porzellan, die einen in einem stillen, klaren, einem
	sehr lebendigen Weiß anstrahlen. Hinter der Oberfläche offenbaren sich alle
	Brüche des genauso zarten wie zeitlosen Materials. Sie sind geschmückt mit
	Federn und Muscheln, Pocken und Schlangenhäuten und erinnern damit zwar an
	Fetischobjekte. Doch sie behalten ihre Leichtigkeit, weil sie keiner
	spezifischen Zeit oder Kultur zuzuordnen sind und auch keine ganz eigene
	erschaffen wollen. Und obwohl sie eben Idole sind, haftet diesen Werken so
	gar nichts Religiöses an. Wohl aber spielen die kleinen kultischen Werke
	mit der ganzen Kraft des Mythologischen – und zwar ganz kulturübergreifend.

	Fast nimmt die Kunst selbst die Stelle eines heiligen Objekts ein; manch
	einer mag das ketzerisch finden, auch wenn es nicht so gemeint ist. Dabei
	reflektiert die Kunst hier ihre eigene Rolle: In der Öffentlichkeit wird
	sie bisweilen ehrfürchtig bestaunt wie einst metaphysisch entrückte
	Figuren. Magda Krawcewicz holt sie von diesem Sockel der Verheißung, ohne
	sie deswegen gleich ganz zu entzaubern.

	Demnächst sind ihre Arbeiten gleich zwei Mal im Norden zu sehen: Ab 19.
	August zeigt die Hamburger Galerie Holthoff eine Auswahl aus Malerei und
	Skulpturen, im Oktober stellt dann die Galerie Simone Menne in Kiel Papier-
	und Porzellanarbeiten aus. In den Jahren der Pandemie hat sich die
	Künstlerin nach Zeiten der Bildhauerei wieder stärker der Malerei
	zugewandt, eine neue, „Phoenix“ genannte Serie zeugt davon; sie wird auch
	in Hamburg zu sehen sein.

	Corona brachte ihr eine „ruhige Zeit der Einkehr“, sagt Krawcewicz, und
	dass sie weniger gelitten habe als andere Künstler:innen, denen im Lockdown
	ihre Plattformen abhanden kamen. Sie habe mittlerweile ein Netzwerk von
	Sammlern, die sie auch unabhängig von Ausstellungen unterstützen, sagt sie,
	und die während der Pandemie erst recht Kunst gekauft hätten. „Du musst als
	Künstlerin ein Netzwerk von Helfern und Fürsprechern haben“ –
	Sammler:innen, Kurator:innen, Galerist:innen, Multiplikator:innen: „Man
	wird nicht einfach entdeckt, weil man fleißig war in seinem Atelier.“

	Einer dieser Sammler ist in ihrem Falle Rik Reinking, der die Künstlerin
	schon seit ihrem Studium beobachtet, aber erst Jahre später das erste Mal
	eine ihrer Arbeiten kaufte. „Es brauchte seine Zeit, um zu reifen“, sagt
	er, und dass er ihre Arbeiten „sehr authentisch“ findet: „Ihre Kunst hat
	eine zeitlose Dimension und sie läuft keiner Mode hinterher.“ In ihr öffne
	sich ein neuer Kosmos, weil sie ganz eigene Bildwelten erschaffe. Für sein
	[2][Woods Arts Institute in Reinbek bei Hamburg] fertigt sie gerade eine
	Serie mit kleinen Werken, die sehr typisch für sie sind, aber gleichwohl
	erschwinglich bleiben. Reinking freut sich, dass sie „teilen will“, und
	„erreichbar“ sein will.

	„Für mich ist das total bereichernd“, sagt Krawcewicz über ihre
	Zusammenarbeit etwa mit Reinking. Die Resonanz von außen, der Blick des
	anderen, der im eigenen Werke womöglich noch etwas sieht, was man selbst
	nicht sah. Spiegelt sich in diesem Blick nicht immer auch die Seele, die
	Befindlichkeit des Betrachtenden?

	Manchmal liegt das dann auch an der Musik, die in Krawcewicz’ Werk eine
	wichtige Rolle spielt, Nick Cave etwa. Die Titel ihrer Werke sind fast
	immer englischsprachig, oft poetisch bis rätselhaft, aber nie aufgesetzt
	oder gar manieriert. Oft sind es Zitate: „I draw a line to your heart
	today“ etwa, ein Songtext der britischen Songwriterin PJ Harvey. Krawcewicz
	ist eben in vielen Sprachen zu Hause, lebte als Kind schon zwei Jahre in
	den USA und guckt bis heute alle Filme auf Englisch.

	Und während nicht nur ihren Zeichnungen, sondern auch den
	Porzellan-Arbeiten oft etwas sehr Leichtes innewohnt, ist ihre Malerei da
	trotz ihrer fluiden Farben auch in kleinen Formaten oft anders. Malerei,
	das sei das überhaupt Schwierigste für sie, sagt Krawcewicz, und dass sie
	„kämpfen“ müsse um ein Bild. Das sieht man. „Du weißt nicht, wonach Du
	suchst, aber wenn Du es gefunden hast, fühlt es sich total richtig an.“

	13 Aug 2022

	## LINKS

	[1] http://seemagda.com
	[2] https://woodsartinstitute.com/

	## AUTOREN

	Jan Zier

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