# taz.de -- Sam Mendes' Weltkriegsdrama „1917“: Der ungeschnittene Krieg

	# taz.de -- Sam Mendes' Weltkriegsdrama „1917“: Der ungeschnittene Krieg

	> In „1917“ erzählt Sam Mendes in einer langen Einstellung vom Irrsinn des
	> Ersten Weltkriegs. Das entwickelt große Sogkraft, doch macht es auch
	> Sinn?

	Bild: Schofield (George MacKay) auf schwieriger Mission zwischen den Linien

	Der Regisseur Jean-Luc Godard hat einmal gesagt: „Kino, das ist die
	Wahrheit 24 Bilder pro Sekunde, und jeder Schnitt ist eine Lüge.“ Folgt man
	dieser Aussage, müsste man Sam Mendes’ Kriegsfilm „1917“, der in seiner
	gesamten Dauer von 119 Minuten keinen einzigen offensichtlichen Schnitt
	macht, als absolut wahren Film betrachten; als endgültigen Film über die
	Grauen des Ersten Weltkriegs, die sinnlose Verschwendung von Menschenleben,
	die sich in endlosen Schlachten aufrieben, Gebiete verteidigten, die längst
	nicht mehr waren als verbrannte Erde.

	Wenn man nach den zwei Stunden Stahlgewitter aus „1917“ taumelt, kann man
	zwar nicht anders, als Mendes, seinem Kameramann Roger Deakins und den
	vielen weiteren Technikern zu einer technisch atemberaubenden Leistung zu
	gratulieren, doch die Frage nach dem Warum ist weniger leicht zu
	beantworten. Warum wird eine im Kern einfache, klare, fast schon simple
	Geschichte mit dieser technischen Form überhöht?

	Dass Mendes – für sein Regiedebüt „American Beauty“ vielfach mit dem Os…
	ausgezeichnet und [1][zuletzt mit den Bond-Filmen „Skyfall“ und „Spectre�…
	kommerziell extrem erfolgreich – Interesse am Ersten Weltkrieg hat, liegt
	in der Familie. Sein Großvater, dem der Film gewidmet ist, kämpfte an der
	Front in Flandern und erzählte dem heranwachsenden Sam immer wieder
	Geschichten.

	Geschichten, die nicht recht zusammenpassten, die keinen Anfang und kein
	Ende hatten, die vor allem aber von der Irrationalität dieses speziellen
	Krieges erzählten, von Monaten in von Ratten behausten, baufälligen
	Schützengräben, den sinnlos anmutenden Angriffen, denen unweigerlich
	Gegenangriffe folgten.

	Und natürlich auch von Heroismus, von Kameradschaft, von der Aufopferung,
	die den Ersten Weltkrieg in England in einer fraglos etwas verklärten
	Erinnerung zum „Great War“ werden ließen. Aus den Geschichten seines
	Großvaters formte Mendes zusammen mit Krysty Wilson-Cairns ein Drehbuch,
	das zwei jungen Soldaten folgt: Schofield (George MacKay) und Blake
	(Dean-Charles Chapman), die einen lebenswichtigen Auftrag erhalten.

	Sie sollen sich durch das Niemandsland schlagen, vorbei an von den
	Deutschen verlassenen Stellungen, um eine andere britische Kompanie von
	einem Angriff abzuhalten. Ein Angriff, auf den die Deutschen warten, der
	unweigerlich den Tod von Hunderten Briten zur Folge hätte, darunter zu
	allem Überfluss auch noch Blakes Bruder.

	## Bekannte Motive der Filmgeschichte

	Dass dieser familiäre Dreh an „[2][Saving Private Ryan“ erinnert, ist nur
	ein erster Hinweis darauf, wie sehr sich Mendes und Wilson-Cairns bei
	bekannten Motiven des Kriegsfilms] bedienen. In den einzelnen Episoden,
	durch die Schofields und Blakes Weg strukturiert ist, begegnen ihnen
	ignorante Vorgesetzte, Scharfschützen, eine liebliche Einheimische,
	hinterhältige Feinde. Sie beweisen Heldenmut, retten sich gegenseitig das
	Leben, agieren selbstlos und mutig. Dass dabei britische Schauspielstars
	wie Colin Firth, Benedict Cumberbatch und Mark Strong in winzigen Rollen
	auftreten, verstärkt noch den Eindruck des Episodischen, des
	Aneinandergereihten, der durch die essenzielle Entscheidung geprägt ist,
	den ganzen Film wie eine Einstellung wirken zu lassen.

	In Echtzeit läuft das Geschehen also ab, beginnt am Nachmittag, wird dann
	von einem längeren Blackout einer der Figuren unterbrochen, springt in das
	Morgengrauen des Folgetages, kurz vor Beginn des zum Scheitern
	verurteilten Angriffs. Aus rein technischer Sicht ist das ganz ohne Frage
	eine atemberaubende Meisterleistung.

	Wie Deakins’ Kamera scheinbar schwerelos durch Stacheldrahtverschläge, über
	Tümpel, durch Katakomben gleitet, erzeugt einen bemerkenswerten Sog. Später
	fährt man auf einem Laster mit, fällt eine Flussböschung hinunter und
	erlebt in der Nacht, wenn rote Leuchtraketen eine völlig zerstörte Stadt
	beleuchten, wie der Krieg endgültig zur Hölle auf Erden wird.

	Ist der [3][Rausch dieses immersiven Erlebens] jedoch vergangen, stellt
	sich verstärkt die Frage nach dem Warum. Denn was Mendes mit dieser
	technischen Entscheidung erreicht, wirkt am Ende weniger durchdacht als die
	Experimente mit langen Einstellungen, die Filmemacher schon immer
	faszinierten.

	In den 40er Jahren arbeiteten Orson Welles und William Wyler zunehmend mit
	langen Einstellungen, die Sequenzen nicht mehr durch Schnitte auflösten,
	sondern es dem Zuschauer ermöglichten, das Geschehen quasi aus der Distanz
	zu betrachten. Dies bedeutete in den Augen des großen Filmkritikers André
	Bazin eine größere Objektivität, im Gegensatz zum suggestiven, die
	Wahrnehmung des Zuschauers kontrollierenden Montage-Kino.

	Die lange Einstellung wurde somit zu einem der Markenzeichen des
	Autorenkinos, deren Vertreter lange Zeit für die markantesten Beispiele
	dieser Technik verantwortlich waren. Orson Welles begann „Im Zeichen des
	Bösen“ etwa mit einer fast dreieinhalb Minuten langen Einstellung, in der
	nicht nur der Weg einer Autobombe begleitet, sondern auch die
	mexikanisch-amerikanische Grenze überschritten wird.

	## Mühsal des Sisyphus

	Unvergesslich auch eine der letzten Einstellungen von Andrei Tarkowskis
	„Nostalghia“, in der ein Mann versucht, mit einer brennenden Kerze die
	Ruine eines Wasserbeckens im toskanischen Ort Bagno Vignoni zu
	durchschreiten, immer wieder scheitert, die Kerze erlischt, an den Anfang
	zurückkehrt, die Kerze von Neuem entzündet, um am Ende, in einem
	transzendenten Moment, Erfolg zu haben. Schon diese Beschreibung deutet
	an, dass Tarkowski mit seiner Entscheidung, diese Handlung sagenhafte neun
	ununterbrochene Minuten zu zeigen, mehr im Sinne hatte, als zu zeigen, was
	filmtechnisch möglich war. Die Mühsal der Handlung, der an Sisyphus
	erinnernde Stoizismus gewinnen durch die schier endlose Einstellung noch an
	Kraft.

	Noch weiter ging [4][Theo Angelopoulos, dessen Filme im Laufe seiner
	Karriere immer meditativer wurden]. In seinem Meisterwerk „Die
	Wanderschauspieler“ durchschreitet er mit langen Einstellungen nicht nur
	den Raum, sondern auch die Zeit: Manche Einstellungen beginnen in einem
	Jahrzehnt und enden Jahre zuvor. So wie in Alexander Sokurows „Russian
	Ark“, einem der ersten Filme, der dank Digitaltechnik tatsächlich in einer
	einzigen Einstellung gedreht wurde. Bei einem Gang durch die Eremitage in
	St. Petersburg fließen unterschiedlichste Epochen der russischen Geschichte
	ineinander, werden praktisch zu einem; auch dies eine offensichtlich
	politische Aussage.

	Beschränkte früher die analoge Technik die Länge einer Einstellung auf die
	Länge einer Filmrolle, also gut zehn Minuten, ist inzwischen alles möglich:
	Ein 140 Minuten langer Film wie [5][Sebastian Schippers „Victoria“,] der
	tatsächlich ohne einen Schnitt durch eine Berliner Nacht taumelt, aber auch
	Alejandro Iñárritus „Birdman“ oder László Nemes’ „Son of Saul“, d…
	versteckte Schnitte so wirken, als wären sie in einer Einstellung gedreht.
	Gerade Nemes’ Holocaust-Film musste sich dabei ähnliche Kritik gefallen wie
	nun Mendes: Das Publikum die Grauen des Holocausts, die
	Vernichtungsmaschinerie von Auschwitz in immersiver Weise erleben zu
	lassen, wirkte auf manche Kritiker wie ein fragwürdiger, ja angeberischer
	Stunt.

	Während Nemes mit seinem Film noch filmisches Neuland betrat, kann man Sam
	Mendes dies nicht zugutehalten. Inhaltlich variiert „1917“ nicht mehr als
	Szenen und Motive unzähliger Kriegsfilme. Allein die stilistische
	Herangehensweise macht diesen Film außerordentlich und besonders, je nach
	Sichtweise zu einem oberflächlichen Weltkriegs-Erlebnisparcours oder einem
	emotional packenden, immersiven Ereignis.

	16 Jan 2020

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	## AUTOREN

	Michael Meyns

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