# taz.de -- Ute Hannig über das Theater: „Die Arschlöcher sterben aus“

	# taz.de -- Ute Hannig über das Theater: „Die Arschlöcher sterben aus“

	> Die Hamburger Schauspielerin Ute Hannig über ihre Arbeit am Theater und
	> die Aufgabe, parallel dazu vier Mädchen großzuziehen.

	Bild: Schätzt das Theater als nicht-virtuellen Raum: Ute Hannig

	taz: Frau Hannig, Ihre aktuelle Rolle als gehässige alte Klofrau in „Die
	Präsidentinnen“ ist eine besondere Herausforderung, oder?

	Ute Hannig: Da steckt viel von meiner Oma drin. Irgendwann habe ich
	entdeckt, dass ich sie gespielt habe. Falsche Zähne, ein Rock, der nicht
	sitzt, und alles, was mit Sexualität zu tun hat, von sich weisen. Es hat
	sehr lange gedauert, bis ich diese Figur liebgewonnen habe. Du hältst deine
	Rolle lange nur für bösartig, aber irgendwann erwischst du einen Zipfel, an
	dem du sagen kannst: Hier verteidige ich sie. Du musst die Antriebe
	verstehen.

	Standen Sie schon als Kind immer im Mittelpunkt?

	Ich bewundere es, wenn Leute diese Lust haben, Aufmerksamkeit auf sich zu
	ziehen, aber so bin ich nicht. Selbst beim Mutter-Kind-Spielen habe ich
	mich eher für das Nacherleben von seelischen Vorgängen interessiert. Ich
	habe gemerkt, dass ich im Theater Dramen erleben kann, die es in meinem
	Leben nicht gibt.

	Woher kam Ihr Interesse für Theater?

	Auf dem Gymnasium kam ich mir ein bisschen verloren vor, ich kannte dort
	niemanden. Dann habe ich in der Theater-AG eine Rolle in „Der kleine Prinz“
	gespielt. Das war eine Initialzündung: Vor all den Schülern, vor denen ich
	tagsüber in den Pausen solche Angst hatte, ganz ruhig auf der Bühne zu
	sitzen und zu erzählen, wie verlassen sich ein Fuchs fühlt und auf
	Freundschaft hofft. 600 Schüler waren still, weil ich die Gefühle dieses
	Tieres offenbart habe. Das war kein Machtgefühl, sondern eines von
	Geborgenheit. Ich fühlte mich in der Figur aufgehoben, Zuhause und sicher.

	Können Sie nur in der Rolle zu sich selbst kommen?

	Es gibt sicher Teile von mir, die nur auf der Bühne ihren Raum bekommen.
	Ich habe vier Kinder und zu Hause gibt es so viel zu tun, das außerhalb von
	mir liegt. Im Theater kann ich mich ganz um mich und meine Figur kümmern.

	Gingen Sie denn auch als Kind schon ins Theater?

	Mein Vater war Internist und hatte sich als Theaterarzt gemeldet. Er bekam
	immer zwei Freikarten ganz weit vorne. Meist nahm er mich mit, denn ich war
	die älteste von vier Kindern und meine Mutter konnte ihn nie begleiten. Mit
	14 Jahren habe ich also alle großen Inszenierungen unter Peter Zadek
	gesehen. Meinen 15. Geburtstag habe ich alleine im Rang des
	Schauspielhauses bei der Premiere des Musicals „Andi“ verbracht. Neben mir
	saßen Punk-Fans und pöbelten, schließlich standen ja die Einstürzenden
	Neubauten auf der Bühne. Das war mein schönster Geburtstag.

	Wie ging es weiter?

	Ich wusste schon in der zehnten Klasse: Ich will Tanz und Schauspiel
	studieren. Pina Bausch war mein Vorbild, ich hatte bereits jahrelang
	Ballett und Jazz Dance gemacht. Nach einem Jahr Musical-Ausbildung in
	Berlin bin ich zur Schauspielschule. Danach kamen drei Jahre am Schauspiel
	Köln, dann fünf am Staatstheater Stuttgart, seitdem bin ich wieder in
	Hamburg.

	Ihr Mann Markus John spielt wie Sie am Hamburger Schauspielhaus. War Ihr
	Kennenlernen so, wie man sich das vorstellt: beim Feiern nach Premieren?

	Überhaupt nicht. Markus ist immer der letzte in der Kantine, ich stehe
	dagegen gerne früh auf. Erst durch die Proben habe ich mich in ihn
	verliebt, denn Markus ist jemand, der die Bühne braucht, um bestimmte Dinge
	von sich zu zeigen. Er ist zehn Jahre älter, ich war mir sicher, dass er
	sich gar nicht für mich interessiert. Ich sagte ganz direkt: „Ich bin in
	dich verliebt.“ Und er: „Mir geht’s genauso.“ Und das war nicht so
	dahingesagt. Wir waren wir uns sehr schnell einig, dass wir eine Familie
	gründen wollten. Nach ein paar Monaten war ich schwanger.

	Keine leichte Zeit: Er blieb in Köln, während Sie nach Stuttgart gingen.

	Wir hatten zehn Jahre eine Pendel-Beziehung. Ich war anfangs mit den
	Kindern in Stuttgart und Hamburg alleine. Das war der Wahnsinn. Die
	Regisseurin hat am Tag vor der Premiere den Schluss von „Medea“
	geschrieben. So etwas braucht ein Stück auch: dass man sich ihm gemeinsam
	im Rausch nähert, ohne Ablenkung. Wenn man am Tag der Premiere noch
	nachmittags auf dem Spielplatz mit Bananenmatsch beschäftigt ist, fragt man
	sich schon: Wie kann ich bloß in drei Stunden eine Frau spielen, die ihre
	Kinder umbringt?

	Ja, wie geht das?

	Ich habe ohne Ende Kraft. Die ist mir noch nie ausgegangen, auch wenn ich
	es mir manchmal gewünscht habe. Damit mir etwas sagt: Stopp. Ich bin
	jahrzehntelang nur mit fünf bis sechs Stunden Schlaf ausgekommen. Das
	Problem ist die Konzentration. Ich habe mich gesplittet. Es hätte mir nicht
	den Boden unter den Füßen weggezogen, wenn das Theater nicht mehr da
	gewesen wäre, aber auch die Kinder waren nicht ausschließlich mein Fokus.
	Das führte dazu, dass ich Dinge nicht in ihrer Gänze ausgeübt habe. Da bin
	ich einigen Rollen etwas schuldig geblieben.

	Aber eigentlich ist der Job nicht sehr sozial kompatibel, oder?

	Zuallererst leidet man an sich selbst. Nach einer großen Rolle fällt man in
	ein Loch, das kann sehr schmerzhaft sein. Aber ich habe mich immer
	geschützt. Schon nach einem Jahr in Köln merkte ich, dass ich ein
	Gegengewicht brauche.

	Heute haben Sie vier Töchter, ihre jüngste ist vier.

	Ich hatte eine beinahe sportive Lust, Job und Muttersein zu bewältigen.
	Meine Kinder waren alle gewünscht. Ich frage mich, warum die Natur das mit
	einem macht: Wer sagt einem, dass es gut ist, vier Kinder zu haben? Ich
	habe natürlich wiederholt, was ich selbst mit drei Geschwistern erlebt
	habe; auch Markus hat fünf Geschwister. Wir haben uns unser vertrautes
	Zuhause wiederhergestellt. Kaum hatte ich Freiräume nach einer Geburt, kam
	wieder die Lust auf ein Kind.

	… das Sie in den Theateralltag integrieren mussten.

	Stillen in der Garderobe, dann wieder raus auf die Bühne – das fand ich mit
	Ende 20 toll. Das fühlte sich prall an. Das war natürlich absolut
	leistungsgesteuert. Das kommt von meinen Eltern, beide Flüchtlingskinder.
	Dieses Ethos, aus dem Nichts etwas zu erschaffen, hat mich geprägt. Ich
	habe nur Hauptrollen in Stuttgart gespielt und wollte gleichzeitig eine
	gute Mutter sein, habe genäht und gebacken. Erst in Hamburg merkte ich,
	dass ich mich selber ausbeute. Seitdem versuche ich, beide Welten zu
	trennen. Früher war es ganz klar, dass die Kinder ständig mit ins Theater
	kommen. Es war für sie ein zweites Zuhause. Aber das nervt auch: Man ist
	zur Hälfte hier, und zur Hälfte da.

	Das macht eine Paarbeziehung nicht einfacher.

	Die Herausforderung ist, sich in einem Modell nicht zu sehr einzurichten.
	Mal versuchen, die Rollen zu tauschen, Dinge sein zu lassen, dafür andere
	Aufgaben zu unternehmen. Nur so bleibt eine Beziehung haltbar.

	Haben es SchauspielerInnen denn heute leichter, Kinder zu haben?

	Wenn früher eine Schauspielerin ein Kind hatte, war es fast immer ein
	Unfall. Man soff und diskutierte die ganze Nacht. Heute haben auch die
	Regisseure Kinder. Und fangen natürlich schon um zehn Uhr morgens mit den
	Proben an.

	Obendrein hat das Schauspielhaus die erste weibliche Intendantin seiner
	Geschichte.

	Und hat dabei den größten Erfolg! Wir haben so viele tolle Frauen im
	Ensemble, dass sich die Männer schon über mangelnde Rollen beklagt haben.
	Aber generell sind Männer noch immer mutiger, Dinge an sich zu nehmen. Das
	hat auch damit zu tun, dass Frauen immer alle mit ins Boot holen wollen. Da
	verliert man die Stringenz, etwas durchzuziehen. Frauen müssen sich sagen:
	Ich bin geil, ich mach das. Es gibt männliche Regisseure, die so schlecht
	sind – das würde sich keine Frau trauen. Immerhin: Das Theater ist heute
	freundlicher. Die Arschlöcher sterben aus.

	Muss man ein Arschloch sein, um komplett in einer Rolle aufzugehen?

	Ich glaube nicht. Die Arschlöcher haben Probleme mit sich selber und der
	eigenen Unzufriedenheit.

	Was macht eine gute Schauspielerin aus?

	Die beste Schauspielerin, die ich kenne, ist meine Kollegin Lina Beckmann.
	Die hat einen unglaublichen Zugriff auf die Dinge, die sie spielt. Sie geht
	mit ihren Figuren kräftig um, ohne sie zur Karikatur werden zu lassen. Man
	muss ihnen einen soliden emotionalen Boden verpassen. Es wird gut, wenn du
	Dinge virtuos darstellen und den Zuschauer berühren kannst. Wenn du noch
	mit den Kollegen als Team etwas kreierst, wird es besonders toll.

	Man darf die Figuren aber nicht zu nah an sich heranlassen, oder?

	Man muss die Grenze spüren, aber auch eine Durchlässigkeit schaffen. Früher
	dachte ich, ich müsste eine Figur ganz mit meiner Persönlichkeit füllen.
	Inzwischen habe ich gemerkt: Eine Figur kann sich jenseits von mir
	entwickeln. Dennoch kannst du nur etwas tun, was du im Kern selber spürst.
	In der Sehnsucht, in der Not muss es mit dir zu tun haben.

	Sie haben einmal gesagt: „Meine Arbeit besteht darin, die Grenze zwischen
	Bühnenraum und Zuschauerraum zu überwinden.“ Wie ist das zu verstehen?

	Das Theater ist einer der letzten Räume, der real und konkret ist.
	Zuschauer und Schauspieler müssen pünktlich an einem Ort erscheinen. Das
	öffnet Energiefelder. Manchmal ist das Publikum neugierig und aufgekratzt,
	manchmal ist es müde. Das Publikum ist mein dritter Partner. Aber die
	vierte Wand hat sich ja schon längst pulverisiert, manchmal nimmt das
	performative Element sogar überhand.

	Auf der Bühne passiert manchmal zu viel?

	Das Theater passt sich der Medienflut an, der Zapping-Mentalität. Für
	meinen Geschmack sollte es mehr dagegenhalten. Man muss nicht immer auf
	schnelle Wirkung gehen. In unserer Zeit, in der das Virtuelle immer mehr
	Raum einnimmt, wird der Theaterraum immer wertvoller.

	Hatten Sie eigentlich geplant, nach Hamburg zurückzugehen und am
	Schauspielhaus zu spielen?

	So etwas kann man nicht planen. Es war auch nicht unbedingt mein Wunsch.
	Das Schauspielhaus war für mich ein Olymp, den ich kaum berühren wollte.
	Deshalb war ich auch noch nie in der Geisterbahn, denn ich bin sicher:
	Meine Vorstellung davon ist viel aufregender als die Geisterbahn selbst. Es
	fiel mir richtig schwer, das Haus durch den Bühneneingang zu betreten. Es
	war, als ob ich den heiligen Gral entweiht hätte!

	Jetzt sind sie bald anderthalb Jahrzehnte dort. Stellt sich da Routine ein?

	Schade ist, dass sich ein Bild entwickelt, das die Leute von einem haben.
	Das ist schwer zu durchbrechen. Die Leute meinen, man sei nur für diese und
	jene Rolle gut. Routine ist weniger das Problem: Man bleibt frisch, weil
	jede Arbeit bei null beginnt, mit neuen Kollegen und Regisseuren. Theater
	ist flüchtig.

	10 Dec 2018

	## AUTOREN

	Jan Paersch

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