# taz.de -- Philip Guston in London: Wie viel Eigenes im Anderen steckt

	# taz.de -- Philip Guston in London: Wie viel Eigenes im Anderen steckt

	> Die Tate Modern zeigt den satirischen Maler Philip Guston. Der Künstler
	> fragte das gesellschaftliche Gewissen ab und polarisiert damit bis heute.

	Bild: Ausstellungsansicht mit Philip Gustons „The Line“ von 1978 in der Tat…

	Man fällt ja nicht vom Himmel. So sagte es Philip Guston in einer
	Fernsehdokumentation über sein erstes verbrieftes Bild: „You don’t come out
	of the sky. You have to come from somewhere!“ Nun könnte man sich nach
	diesem Ausspruch eine unausgereifte Jugendsünde vorstellen – aber kaum jene
	Szenerie, die der Künstler da 1930 im Alter von gerade 17 Jahren nach
	Vorbild des italienischen Malers Giorgio de Chirico so reduziert wie
	effektvoll auf die Leinwand brachte.

	Es ist nicht allein der souveräne Umgang mit dem eigenen Handwerk, der
	erstaunt, sondern auch sein früher Eigensinn von Komposition und Motivik:
	Ein Baby mit greisem Haar nagt an seiner Mutter, und auch in umgekehrter
	Richtung lösen sich die Körpergrenzen auf – ein Vexierbild zwischen
	symbiotischer Liebe und Bodyhorror unter dem Licht einer ewigen, nicht
	verortbaren Sonne. Vieles, das Gustons große Malerei einmal auszeichnen
	wird, steckt hier schon drin, auch wenn die sich noch hunderte Male wieder
	und wieder neu formiert.

	Die Tate Modern in London zeigt „Philip Guston“, eine umfassende
	Retrospektive des kanadisch-amerikanischen Künstlers aus 50 Jahren Malerei.
	Die von Museen in den USA und im Vereinigten Königreich gemeinsam
	kuratierte Schau [1][war um mehrere Jahre verschoben worden] – ob der
	paternalistisch anklingenden Sorge, man könne seine Bilder dem Publikum in
	diesen Zeiten nicht kontextlos zumuten.

	Gemeint waren wohl Gustons Ku-Klux-Klan-artige Kapuzenwesen, die heute
	vielen geradezu synonym mit seinem Namen sind. Kaywin Feldman, Direktorin
	der National Gallery of Art in Washington, behauptete, Guston habe sich
	damit als weißer Künstler Schwarzes Trauma angeeignet. Es hagelte Proteste
	gegen die Verschiebung, Tate-Kurator Mark Godfrey schied erbost aus.

	Kein Interesse an Identitätsfragen

	Ausgerechnet Philip Gustons Kunst nun einer solchen Verengung zu
	unterziehen, erscheint erst mal ungerecht. Wie viele Künstler seiner Zeit
	schien er kein gesteigertes Interesse zu haben, sich öffentlich permanent
	zu Identitätsfragen zu äußern.

	Doch gehört zur Biografie, dass Philip Guston 1913 als Philip Goldstein in
	Montréal geboren wurde. Seinen Namen legte er 1936, wie übrigens später
	ebenso Stararchitekt Frank (ehemals Goldberg) Gehry, zugunsten der
	anglisierten Version ab. Seine Eltern waren aus der Ukraine, wo
	antisemitische Pogrome wüteten, nach Kanada emigriert. Bald darauf zog die
	Familie nach Los Angeles – eine Stadt, in der zu dieser Zeit Mitglieder des
	Ku-Klux-Klans auch öffentliche Positionen bekleideten.

	Der Ku-Klux-Klan machte freilich nie ein Geheimnis aus seiner Abneigung
	gegen Schwarze wie auch jüdische Menschen. Das Fortwirken dieses
	historischen Fakts zeigte sich noch 2017 in den gleichzeitig rassistischen
	wie antisemitischen Ausschreitungen in Charlottesville im US-Bundestaat
	Virginia.

	Judenfeindliche Bedrohungen

	Die offenherzig judenfeindlichen Parolen wurden damals weder von links noch
	von US-Präsident Trump, der sich sonst gern als großer Freund von Jüdinnen
	und Juden inszenierte, besonders kommentiert. (Wie heute judenfeindliche
	Bedrohungen offenbar auch aus der Berichterstattung über die Massenproteste
	gegen den israelischen Militäreinsatz in Gaza radiert werden, die unweit
	der Londoner Ausstellung stattfanden.)

	Dass etliche europäische Jüdinnen und Juden im dualistischen Rassismus
	US-amerikanischer Prägung als „weiß“ gelesen wurden und sich selbst oftma…
	so zuordneten, änderte nicht automatisch etwas an ihrer
	Außenseiterposition, wie Dan Nadel in seinem Text „Now You See Me“ über
	Philip Gustons jüdische Geschichte im US-amerikanischen Kunstmagazin
	Artforum darlegte.

	Die Soziologin Zoé Samudzi kritisierte später, für den Jewish Current, wie
	die sterile Neuauflage von Gustons Retrospektive in den USA gerade den
	interessantesten Aspekt, nämlich die amerikanisch-jüdische Haltung zu
	rassistischer Gewalt, ausklammere. Auch Gustons namentliche Neuerfindung
	könnte ja etwas darüber erzählen, warum wer wann unsichtbar wird und wen
	der amerikanische Universalismus überhaupt gemeint haben könnte.

	Logiken der Malerei

	Doch für solch komplexere Auseinandersetzung scheinen die
	Kunstinstitutionen heute vielleicht kein besonders geeigneter Ort.
	Stattdessen setzt man in London stärker noch als zuvor in den USA auf die
	Kraft der Kunst. Philip Gustons Werk zeigt eben, dass die Produktion von
	Malerei oft ganz anderen Logiken folgt als der Kulturbetrieb, der sie
	verwaltet.

	Die gruselig-banalen Kapuzenmänner, die Hoods, werden seine Bilder ebenso
	immer wieder heimsuchen wie der Malerkeil; die einsame Glühbirne, womöglich
	Reminiszenz an den Vater, der sich in einer Kammer erhängte, oder die
	mannigfaltigen Hufeisen respektive Sohlen, die womöglich den Bildern von
	Schuhsammlungen in Auschwitz entstammen, womöglich aber auch andere Quellen
	haben.

	Gustons frühe Bilder sind stets auf der Seite derer, die Leid und
	Unterdrückung erfahren: Den Angriff auf die spanische Stadt Guernica durch
	die Faschisten verarbeitet er in einem dramatischen Tondo. Die Lynchmorde
	und das Gebaren der US-Rassisten ziehen sich durch sein gesamtes Werk.
	Später sollten ihn die Bilder der befreiten Konzentrationslager heimsuchen
	und in verschiedenen Arbeiten Einzug halten. Doch ergibt sich bei Guston
	alles stets aus der Malerei selbst, nicht als a priori formuliertes
	Statement.

	Austausch mit Künstlern

	Die italienische Renaissance übt einen großen künstlerischen Einfluss aus,
	ebenso wie der metaphysische Maler de Chirico [2][oder die US-amerikanische
	Comickultur]. Gemeinsam mit Freunden wie Reuben Kadish malt der politisch
	aktive Künstler in den 1930er Jahren großformatige Wandgemälde, bevor er
	später wieder zur Leinwand zurückkehrt. Auch als dann allein im Studio
	stehender Künstler liebte Philip Guston den Austausch mit anderen
	Künstlern, [3][Schriftstellern wie Philip Roth] oder dem Komponisten Morton
	Feldman, dessen Musikstück an den Malerfreund in der Ausstellung zu hören
	ist.

	Formal präsentiert sich sein hier chronologisch aufbereitetes Werk als
	permanentes Hadern mit der Abstraktion. Oder eher, ein Ankämpfen gegen den
	eigenen Drang zur Figuration. Auch wenn er den streckenweise bemerkenswert
	überwältigen kann – so 1951 erstmalig mit „White Painting“, auf dem der
	Künstler mit Weiß, Beige, Grau in diversen Abstufungen eine raumgreifende,
	spannungsvolle, schlicht perfekte Komposition schafft. Und beinahe
	gespenstisch-körperliche Präsenz entfalten die dichten Farbwolken, die
	Guston bald darauf über die großen Leinwände schickt.

	So hätte er wohl erfolgreich weitermachen können, doch im Gegensatz zu
	vielen MalerInnen seiner Generation wandte sich Guston bald wieder der
	Figuration zu. Interessanterweise verläuft dieser Weg über eine Obsession,
	die den Künstler mit [4][Max Beckmann] ebenso verbindet wie mit den
	Cartoons: Es ist die Linie. In einer Zeit der Einsamkeit und Isolation
	entstanden kleinformatige Leinwände, auf denen ganze Bildräume allein mit
	ein, zwei schwarzen Linien kreiert werden.

	Wenige Jahre später sind die Kapuzenmänner wieder da. Die Hoods, die schon
	Jahrzehnte zuvor immer wieder schemenhaft gespenstisch sich ins Bild
	geschlichen hatten, erscheinen nun so brachial-banal, wie Guston fortan
	seine kompletten Motive ausarbeitet. Oft in der Lieblingsfarbe Pastramirot
	bis Fleischrosa.

	Spott und Schrecken

	Die Abbilder der White Supremacists aus den 1930er Jahren führen längst ein
	Eigenleben auf der Leinwand: geistern auf Kunstvernissagen herum, führen
	diskursive Debatten über Farbe, werden zum Künstler im Atelier. Es ist
	natürlich ein Lustigmachen, nicht zuletzt über den eigenen Betrieb, aber
	Lachen und Spott schmälern den Schrecken nicht. Auf einem sagenhaften Bild
	fahren die uniformierten Kapuzenleute ins Morgengrauen, Kippe in der Hand,
	Gebeine ragen aus dem Auto; der amerikanische Horizont unendlich weit und
	bedrückend eng zugleich.

	In den letzten Jahren seines Schaffens erhielten der Künstler und seine
	Frau, die Malerin und Dichterin Musa McKim, seltener Besuch in der Einöde
	von Woodstock. Gustons Leinwände sind immer noch gewaltig, aber die Motive
	reduzierter: Alltagsobjekte, Kapuzen, Uhren, Pinsel, Beine,
	Zigarettenrauch, das malerische Alter Ego in Form eines Zyklopen bleiben
	zunehmend als Vereinzelte auf der Leinwand.

	Die Frage, wie viel Eigenes im Anderen steckt, auch und gerade im ultimativ
	Bösen, zieht sich als roter Faden durch Gustons Werk wie die Frage, was
	Kunst denn überhaupt zu tun vermag. Auf einem seiner letzten Bilder reckt
	sich eine comicmäßig gestählte Malerhand aus den Wolken zur Erde und setzt
	an, eine Linie zu zeichnen. „Only god can make a tree“, wird Philip Guston
	in seinem lakonischen Humor zum Schluss zitiert, und macht sein
	lebenslanges Medium, die Malerei, damit noch einmal zum fabelhaften
	Teufelszeug, das sie in ihren besten Momenten ja sein kann.

	18 Dec 2023

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	## AUTOREN

	Katharina J. Cichosch

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