# taz.de -- Die Kunst der Woche: Die Tücken im Farbmeer

	# taz.de -- Die Kunst der Woche: Die Tücken im Farbmeer

	> Farbenfroh und bedrohlich sind die nordkoreanischen Referenzen Su Mus,
	> Tolia Astakhisvili zeigt Zurückgelassenes und im Gropis Bau steht KI zur
	> Frage.

	Bild: Sun Mu während seiner Residenz im Projektraum Meinblau, 2023

	Was verändert sich, wenn der Händedruck zwischen Kim Jong-un und Donald
	Trump, wie er 2019 auf einem Nachrichtenfoto festgehalten wurde, in ein
	Gemälde übertragen wird? Kommt mehr Pathos ins Spiel? Oder größere Distanz?
	Die Form des nicht besonders großen Gemäldes in der aktuellen Ausstellung
	des [1][Projektraums Meinblau] und sein abstrahierter Realismus in der
	Profilansicht der beiden Figuren sprechen für Letzteres. Irgendwie wirken
	die beiden wie Schablonen einer Moritatentafel. Dass über sie nichts Gutes
	zu sagen und zu singen ist, versteht sich von selbst.

	Das Plakative, etwas Süßliche, das die von Sun Mu gemalte Szene von der
	fotografierten unterscheidet, hat seinen Ursprung in der traditionellen
	kommunistischen Propagandamalerei, wie sie bis heute in Nordkorea gelehrt
	wird. Bewusst überzeichnet der 1972 in Nordkorea geborene Künstler diesen
	Aspekt mit einer erstaunlichen Kunstfertigkeit, die auf seine akademische
	Ausbildung als Propagandamaler zurückzuführen ist. Die große Hungersnot in
	den 1990er Jahren trieb ihn in die Flucht. Über China, Laos und Thailand
	gelangte er nach Südkorea. Sun Mu ist ein Pseudonym, es bedeutet
	„grenzenlos“ und steht für die politische Utopie grenzenloser Freiheit und
	grenzenlosen Friedens, die der Künstler in seinem Werk beschwört.

	Die Ausstellung in Berlin verdankt sich der einmonatigen
	Meinblau-Künstlerresidenz, die er gerade angetreten hat. Zu sehen ist ein
	farbenfrohes Werk, scheinbar voller Optimismus. Freilich hat es, schaut man
	nur genau hin, seine kritischen Tücken, etwa die Stacheldrahtgirlande, die
	sich durch bunte Blüten zieht, oder die im Bambus getarnten
	Maschinengewehre, die im Licht des Vollmonds sichtbar werden. Und es ist
	keineswegs sicher, dass diese bösen Überraschungen nur im Norden lauern,
	denn dass Freiheit und Frieden auch in Südkorea und dem Rest der
	sogenannten freien Welt nicht grenzenlos sind, hat Sun Mu längt verstanden.

	## Was zurückbleibt

	Der erste Teil von „The First Finger“ der georgischen Künstlerin Tolia
	Astakhisvili war im Bonner Kunstverein zu sehen. Der zweite ist derzeit im
	[2][Haus am Waldsee] zu erfahren. Die Ausstellung ist ein immersives
	Kunstwerk, also eines, in das die Besucher und Besucherinnen eintauchen,
	das sie ganz und gar umfängt. Der erste Finger steht für eine
	Überlebensstrategie. Ein Körper, der extremer Kälte ausgesetzt ist, muss
	Prioritäten setzen, um sich als Ganzes zu erhalten. Er rationiert Energie
	und opfert entbehrliche Gliedmaßen wie die Finger, um den Blutfluss zu den
	wichtigsten Organen im Zentrum zu gewährleisten. Ob die titelgebende
	Metapher aufgeht?

	Denn was bedeuten die Umbauten, die die Künstlerin in der ehemaligen
	Fabrikantenvilla in Zehlendorf vorgenommen hat? Das ist gar nicht so leicht
	zu sagen, durchstreift man das Labyrinth aus Provisorien, Einbauten,
	Gipskarton- und Trapezblechverkleidungen im Haus, das seit fast 80 Jahren
	Ausstellungsort für zeitgenössische Kunst ist. Da gibt es neue Kammern und
	blinde Fenster, die den Blick versperren. Kaputte Holzlatten und viel
	Gerümpel, das sich an den Wänden entlang stapelt, dazu Aktenordner,
	Sportgeräte und Sammlungsreste von Schiffsmodellen. Teller und Gläser
	lassen sich dann tatsächlich im Sinne des Ausstellungstitels lesen, als
	eben alles, was zurückbleibt, in der Situation des Rette-sich wer-kann.

	Aber dann sind die Gläser und die pinkfarbene Schwimmflosse doch sehr
	penibel im Zwischenraum der Doppelfenster platziert, die so zur Vitrine
	werden. In den Boxen aus Blech- und Gipskarton laufen Video- und
	Audioloops, in einer anderen Vitrinenkiste hat Judith Scott ein Bündel
	Holzstäbe und andere, darin versteckte Gegenstände mit Schnüren von
	zauberhaften Blau-Grün umwickelt. „Untitled o.J.“ ist ein echtes
	Ausstellungsstück, kein Rest, auf den man verzichten könnte. Auch andere
	Künstler:innen wurden eingeladen. „Untitled, 2022“ von Ser Serpas, ein
	nackter Torso, der Abdruck eines in Bonn verbliebenen Gemäldes ist, hängt
	an einer Rigipswand oder eine Zeichnung von Antonin Artaud „Untitled, ca.
	1947“.

	In der aufwendig inszenierten Installation meint man Ruinenästhetik zu
	erkennen, die Romantik des verfallenen Bauwerks, die Melancholie des
	verlassenen Raums, die Trübseligkeit des liegengebliebenen Schutts. Kurzum,
	das Konzept einer atmosphärischen Architektur, die die schöpferische Kraft
	der Zerstörung beschwört. Der Audioloop mit einer Art Sinfonie der
	Baustelle hinter der geschlossenen Struktur aus Trapezblech im Obergeschoß,
	setzt an diesem Punkt an. Das Hämmern, Sägen und Bohren, sei’s in Metall,
	Holz oder Stein, klingt froh und tatkräftig und verspricht ein Leben nach
	dem Trockenbau.

	## Die Kraft der Zerstörung

	Ein sehr wirkungsvolles Mittel, einen Raum zu definieren, ihm einen
	erfrischenden Charakter und eine eigene, freundliche Aura zu verleihen, an
	das man aber nicht so ohne weiteres denkt, ist im [3][Gropius Bau] zu
	erleben.

	Doch bevor man damit Bekanntschaft macht, wird man im Eingangsbereich mit
	der Soundarbeit “500ft“ von Kapwani Kiwanga in die Auseinandersetzung um
	disziplinierende Architekturen hineingezogen, die im Rahmen von
	„Soundshapes – In Between Frequencies“ gezeigt wurd. 500 Fuß, so erfährt
	man im Lauf des Vortrags, sollte der Mindestabstand zwischen einheimischen
	und europäischen Vierteln sein, lautet ein Vorschlag, der 1931 in Paris auf
	der internationalen Konferenz zum kolonialen Städtebau gemacht wurde.

	Im ersten Stock dann hat das Programm „Ether's Bloom“ zum Ziel,
	künstlerische Erwartungen, Befürchtungen und Kritiken an den aktuellen
	Entwicklungen der KI in die Öffentlichkeit zu tragen. Die dazu eingeladenen
	Künstler:innern arbeiten zur Interaktion von Mensch und Maschine und
	nutzen dabei selbstlernende Technologien als Werkzeug oder machen sie zum
	Thema, um andere Aspekte zu beleuchten und andere Geschichten zu erzählen.

	Letzteres tut die nigerianisch-amerikanische Künstlerin Mimi Ọnụọha, der…
	Installation „The Cloth in the Cable“ (2022) den Raum mit einem köstlichen
	Duft erfüllt. Er kommt aus dem Kabelsalat, der auf dem Boden liegt, und den
	wir alle kennen, die wir unsere Computer, Fernseher, High-End-Boxen und
	sonst was auch immer an den Strom oder das Netz anschließen.

	Der unwahrscheinliche Duft und die Umstände, wie er zustande kommt, werden
	im Kurzfilm „These Networks in Our Skin“(2021) anschaulich. Um die
	Selbstverständlichkeit zu erschüttern, mit der die digitale Infrastruktur
	des Internets noch die letzten Winkel der Welt für sich in Anspruch nimmt,
	konfrontiert Ọnụọha diese hochentwickelte Technologie mit der Kosmologie
	der Igbo, eines Stammes in Nigeria. In deren Tradition greift Ala, die
	Göttin der Erde und der Unterwelt, in das menschliche Handeln ein und wird
	durch Kunstwerke und Geschenke beschworen und versöhnt.

	Vor diesem Hintergrund verbindet im Film eine Gruppe von Frauen die
	materielle Realität des Internets, in diesem Fall die Kabel, neu. Sie
	verweben und gestalten sie, indem sie die Kabel aufschneiden, das Innere
	herausnehmen und den leeren Raum mit Gewürzen füllen, mit Textilfasern,
	Yellow-Madras-Curry-Pfeffer oder geräuchertem Paprika, um sie dann wieder
	zusammenzunähen und zu umwickeln. Die schöpferische Kraft der Zerstörung,
	Mimi Ọnụọha hat davon wirklich Ahnung und nutzt sie, um ihr Publikum und
	die Göttin Ala mit einem großartigen Kunstwerk zu beschenken.

	## JAA Award für Max Haering

	Und noch eine kleine Meldung: Max Haering, [4][im April dieses Jahres
	vorgestellt im Rundgang], hat den Gold Award 2023 der [5][Japan
	Illustrator’s Association] gewonnen. Die Jury zeigte sich „fasziniert von
	der Kunstfertigkeit seiner Arbeiten. Die Verwendung der traditionellen
	Schraffurtechnik ist visuell clever und meisterhaft umgesetzt. Das Design
	und die Komposition sind einfach umwerfend und nutzen den Kontrast zwischen
	organischen und geometrischen Formen auf wunderbare Weise aus.“ Die
	nominierten Beiträge werden in Peking in der Art Bridge Gallery vom 26.
	August bis 31. Oktober gezeigt.

	23 Aug 2023

	## LINKS

	[1] http://www.meinblau.de/de/news.html
	[2] https://hausamwaldsee.de/
	[3] https://www.berlinerfestspiele.de/gropius-bau
	[4] /Die-Kunst-der-Woche-in-Berlin/!5926097
	[5] https://jpn-illust.com/compe/2023/02.html

	## AUTOREN

	Brigitte Werneburg

	## TAGS

	taz Plan
	Berliner Galerien
	Kunst Berlin
	Zeitgenössische Malerei
	Kunst Nordkorea
	Schwerpunkt Künstliche Intelligenz
	taz Plan
	Kunst Berlin
	taz Plan

	## ARTIKEL ZUM THEMA

	Die Kunst der Woche: Die Ohren der Mutter

	Die Berlin Art Week war in diesem Jahr sehr performativ. Besonders
	unterhaltsam: Coco Fusco in den KW. Und das Atelierhaus Mengezeile feiert
	Jubiläum.

	Must-Sees zur Berlin Art Week 2023: Ritt auf den Marmorlöwen

	Beim Kunstgetummel mit Berlin Art Week und Gallery Weekend geht es diesmal
	jung und queer zu. Doch auch Performance-Größen wie Yoko Ono werden
	zitiert.

	Die Kunst der Woche: Wenn der Raum sich öffnet

	Damien Hirst produziert Diamanten, Dittmar Danner aka Krügers steigert die
	Rahmung im Rechteck. Und Noa Eshkols Bewegungsstudien werden neu aufgelegt.