# taz.de -- Grundeinkommen für Musiker: Das kreative unternehmerische Selbst

	# taz.de -- Grundeinkommen für Musiker: Das kreative unternehmerische Selbst

	> Mit dem Internet bieten sich im Musikbetrieb größere Möglichkeiten der
	> Teilhabe. Aber es verschiebt sich auch das wirtschaftliche Risiko
	> zulasten der Künstler.

	Bild: Musik im Netz: das betriebswirtschaftliche Risiko liegt heute nicht mehr …

	Mit dem Internet gaben selbst die Hippies das Musizieren auf. 1996 schrieb
	der Grateful-Dead-Texter John Perry Barlow seine letzte Marschmusik. „A
	Declaration of the Independent of Cyberspace“ war eine Hymne für die
	IT-Industrie gegen die „ermatteten Giganten aus Fleisch und Stahl“: „In
	Vertretung der Zukunft bitte ich euch, die ihr aus der Vergangenheit seid,
	uns in Ruhe zu lassen.“

	Es war der ultimative Popsong, das „My Generation“ der libertären
	Hackerelite, die sich seitdem vom Mythos nährt, auf der richtigen Seite der
	Geschichte zu stehen. Die neueste Verkörperung dieses Mythos ist die
	Urheberrechtsdebatte, die von der technischen Möglichkeit, fertige Inhalte
	ohne Verluste zu kopieren, ausgelöst wurde.

	Dabei entgeht den Verfechtern der freien Reproduzierbarkeit der
	entscheidende Aspekt: Nicht nur die Reproduktion, sondern auch die digitale
	Produktion ist für viele da. „Lese- und Schreibmedien öffnen ein Fenster,
	um stärker partizipative Strukturen und Beziehungen zu ermöglichen“,
	erzählt der Netztheoretiker Douglas Rushkoff.

	Er denkt seit 20 Jahren über eine vernetzte Kunstproduktion unter digitalen
	Vorzeichen nach. „Diese neuen Medien sind auf Produktion und Teilhabe
	ausgelegt.“ Nirgendwo spürt man diese Veränderungen stärker als bei der
	Produktion von Musik.

	## Technik schafft nicht automatisch vielschichtige Musik

	„Alles, was man zum Produzieren und Vertreiben von Musik braucht, findet
	sich im Netz“, meint Jan Werner von der Elektronikband Mouse on Mars .
	„Egal ob Software zum Herstellen von Musik, Plattformen für den Vertrieb,
	Blogs, die die Werke kritisieren, oder virtuelle Läden, um sich die Musik
	anzuhören und zu erwerben.“

	Doch die technischen Möglichkeiten schaffen nicht automatisch die
	interessantere, vielschichtigere Musik, die auf die Komplexität der Dinge
	mit einer Komplexität der Klänge reagiert. „Wir überschätzen das
	demokratische Potenzial von Technologie“, meint Douglas Rushkoff.

	„Wir haben längst nicht das notwendige Level an Bildung, Erfahrung und
	Lebendigkeit erreicht, damit alle in allen Medien großartige Kunst
	erschaffen können.“ Vielleicht ist die Verkürzung des Werts von Musik auf
	ihre Transaktionskosten ein Zeichen dieses Mangels an Bildung. Denn mit dem
	Umstieg auf eine Ökonomie der Freiwilligkeit tun sich die meisten
	Musikhörer noch schwer.

	2008 veröffentlichte die in Finnland lebende deutsche Elektronikmusikerin
	Antye Greie ihr Album „Dance Floor Drachen“, das man gegen eine freiwillige
	Spende auf ihrer Homepage herunterladen konnte. Gut ein Zehntel aller 6.232
	Downloader haben gespendet, ein Promille hat ein limitiertes Album
	erworben. Als Musikerin existieren kann man davon nicht.

	## „Eine Art Indie-Kommunismus“

	„Ich lebe von Kommissionen für Film oder Bühnenstücke. Ich bin aus der Gema
	ausgetreten, meine Alben bringe ich ohne große Kosten selbst heraus,
	deshalb tragen sie sich“, erzählt Antye Greie. Für ihr nächstes Projekt
	denkt sie über Crowdfunding nach. „Das ist für mich so eine Art
	Independent-Kommunismus, weil die Leute das Werk ja nicht besitzen, sondern
	nur ermöglichen.“

	Der immer wieder eingeforderte Wille, sich auf die digitalisierten Umstände
	einzustellen, er ist längst da. Nur haben diese digitalisierten Umstände
	nicht zu dem selbst verwalteten Ökosystem geführt, in dem der Weltgeist von
	1977, als mit Punk die Ausbreitung von selbst verwalteten Indielabels
	begann, nachhallt.

	„Wir haben noch keine guten Kuratiersysteme und Kulturen entwickelt, durch
	die wir Begabung und eine neue Ästhetik etablieren könnten“, meint Douglas
	Rushkoff. Crowdfunding oder die Promotion durch Filesharing funktionieren
	für Musiker gut, die ihre Karriere mit der PR-Kraft der „alten“
	Musikindustrie gestartet haben.

	Amanda Palmer, die gerade 1,2 Millionen US-Dollar für ein Album und eine
	Tour auf Kickstarter gesammelt hat, hat ihre ersten Alben auf dem Label
	Roadrunner veröffentlicht, das es sich durch den Erfolg von Nickelback
	leisten konnte, auch Geld in unbekannte Acts zu investieren.

	## Subjektivität von Musikern

	Denn mit der digitalen Flucht aus den Hierarchien der „alten“
	Musikindustrie ging erhöhte Inwertsetzung der Subjektivität von Musikern
	einher, bei der neben dem kreativen Selbst verstärkt das unternehmerische
	Selbst angerufen wird. „Oft wird am Ende nichts vergütet, meist ist der
	Musiker selbst Produzent, Vertriebschef, Ladenbesitzer und schreibt sogar
	den Waschzetteltext, den die Kritiker abschreiben“, schildert Jan Werner
	die Veränderungen.

	„Wenn Musiker mittlerweile nicht mehr nur Musikmachen, sondern auch
	Facebookprofile, Hundertstelgrammabrechnungen von Gema, iTunes und
	sonstigen Verwertern verwalten müssen, dann sind sie in ein solch enges
	Korsett geschnürt, dass nicht mal mehr Zeit zum Einkaufen bleibt. Man
	sollte ihnen Essen auf Rädern liefern lassen.“

	Denn während in den alten Hierarchien von Medienkonzernen und
	paternalistischem Sozialstaat zumindest manchmal Nischen zum künstlerischen
	Durchwurschteln bereit standen, ist das Kontrollregime aus
	Streamingabrechnungen und notwendigem Socialnetworking noch stärker
	fremdbestimmt.

	Nur das betriebswirtschaftliche Risiko liegt nicht mehr beim Konzern,
	sondern bei den Musikern selbst. Die Aggregatoren, die dafür sorgen, dass
	Musik in den einschlägigen Downloadshops von Apple und Amazon gelistet
	wird, zahlen keine Vorschüsse für Equipment oder Studiozeit und minimieren
	so ihr Risiko auf Kosten der Musiker.

	## Verwertungsgesellschaften als Mäzenaten

	„Das materiell Notwendige gegen das Unstoffliche auszuspielen halte ich für
	die falsche Richtung“, meint Jan Werner. „Es sollte doch eher umgekehrt
	sein, dass alles, was materiell und lebensnotwendig ist, umsonst zu
	bekommen ist und alles, was mit Ideen zu tun hat, vergütet wird.“ Sein
	Vorschlag ist eine Reform der Gema, die eine Art Grundeinkommen für Musiker
	sichern könnte.

	Denn die Verwertungsgesellschaften übernehmen inzwischen zunehmend die
	Rolle des klassischen Mäzenaten – ihre Zahlungen sind für viele Musiker ein
	Ersatz dafür, dass im laufenden Musikeralltag kaum eine Chance besteht,
	Rücklagen zu bilden. Dabei verdoppelt die Gema allerdings einen
	Markterfolg, der letztlich doch in erster Linie das Ergebnis von gelungener
	PR, Lizenzdeals und Kungelei ist.

	Höhere Ausschüttungen erhalten diejenigen, die eh schon von den Strukturen
	der Musikindustrie profitieren. Auch alternative Modelle, etwa die vom CCC
	entwickelte „Kulturwertmark“, haben eine erneuerte „Marktdynamik“ zum Z…
	anstatt sich zu fragen, welches Prinzip der Zuordnung von Ressourcen
	Musikern die besten Arbeitsbedingungen beschert.

	Dabei kann eine Ausrichtung der Technik an der Dynamik des Marktes
	Freiräume, die mithilfe der gleichen Technik gewonnen wurden, auch wieder
	zerstören. „Die Musikpresse war für mich während der Achtziger und
	Neunziger eine Quelle intellektueller Inspiration“, meint der britische
	Poptheoretiker Mark Fisher.

	## Blog K-Punk

	„Auf Blogs hat man in den Nullerjahren genau diese Diskussionen über Musik
	gefunden, die in den Musikmagazinen nicht mehr stattfanden.“ [1][Fishers
	Blog] K-Punk, auf dem er lange Essays über Politik und Pop veröffentlichte,
	war Teil eines Netzwerk aus Blogs, die elektronische Musik theoretisierten,
	ohne gleich in akademischen Formalismen aufzugehen.

	Fishers politische Texte mündeten in einem Buch, „Capitalist Realism“, das
	sich knapp 10.000-mal verkauft und ihm eine Lehrtätigkeit am Londoner
	Goldsmiths College eingebracht hat. Zerbrochen ist dieses Netzwerk an der
	marktförmigen Weiterentwicklung der Technologien, die es erst ermöglicht
	haben.

	Dahinter steckte ein verstärktes Bemühen, Alltagskommunikation für
	Marktforschung und Werbung zu nutzen. Die Kommentarfunktion auf Blogs
	zerhäckselte das dialogische Schreiben, in dem sich Blogs aufeinander
	beziehen mussten, und die Konversation auf neueren Plattformen wie Twitter
	oder Facebook orientieren sich eher an mündlicher Alltagsunterhaltung.

	„Die einzige Technologie, die das Fortschrittsversprechen des Kapitalismus
	eingelöst hat, ist die Kommunikationstechnologie“, meint Fisher. Doch im
	„kommunikativen Kapitalismus“ ist der Akt der Kommunikation wertschöpfend
	und erst in zweiter Linie ihr Inhalt.

	## Welle von Laptopperformances

	Zehn Tweets über Essgewohnheiten sind im Zweifelsfall von größerem
	kommerziellen Interesse als ein 10.000 Zeichen langer Text über das
	Gespenstische in der Musik des Dubstep-Enigmas Burial. Und so sind die
	großen Gewinner der Digitalisierung bislang auch diejenigen, die die
	Technologie für die Produktion und Verbreitung von Musik und Texten zur
	Verfügung stellen.

	Egal ob es sich dabei um Apple, YouTube oder ein mittelständisches
	Unternehmen wie die Berliner Softwareschmiede Ableton handelt, deren
	Software Standard für die Liveperformance mit dem Laptop ist. Inwiefern
	solche Standards unsere Vorstellungen von Musik überformen, ist dabei eine
	Debatte, die man ein gutes Jahrzehnt nach der ersten Welle von
	Laptopperfomances erneut führen müsste.

	Nicht umsonst zirkuliert in den digitalen Archiven im Moment die Musik
	besonders intensiv, deren kosmisches Herumklimpern das Produkt einer
	medialen Ödnis war. „Eine bestimmte Form von Langeweile ist essenziell, um
	Kultur zur produzieren“, meint Mark Fisher. „Man muss sich aus dem Sozialen
	zurückziehen können, und das war niemals schwerer als heute.“

	6 Jul 2012

	## LINKS

	[1] http://k-punk.abstractdynamics.org/

	## AUTOREN

	Christian Werthschulte

	## TAGS

	Musik
	Schwerpunkt Urheberrecht

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