# taz.de -- Konzert-Performance in Hitzacker: „Selbstvergessen den Klang erforschen“

	# taz.de -- Konzert-Performance in Hitzacker: „Selbstvergessen den Klang erfo…

	> Höhepunkt der Sommerlichen Musiktage Hitzacker ist „Myriad“, eine
	> Spieldosen-Installation der Komponistin Rebecca Saunders. Nach der
	> Eröffnungs darf jeder selbst drauf spielen.

	Bild: Weiße Wand wird Klang: Rebecca Saunders mit Spieldosen

	taz: Frau Saunders, warum haben Sie „Myriad“ ausgerechnet mit Spieldosen
	bestückt?

	Rebecca Saunders: Einerseits, weil mich Spieldosen-Klänge schon lange
	interessieren und ich sie immer wieder in Kompositionen einbaue. Die
	Spieldosen-Wand, die – nach einer Station im Mai in Schwetzingen – mit
	Hitzacker zum zweiten Mal in Europa erklingt, habe ich mit Martin Rein-Cano
	und seinem Landschaftsarchitekturbüro Topotek 1 ursprünglich für die
	Architekturbiennale 2015 im chinesischen Shenzen erstellt. Eine Bedingung
	war, dass man sich auf die Industrie der Region bezog, daher die 2.464
	Spieldosen.

	Welche Melodien erklingen?

	Ich habe Dosen mit 60 nicht urheberrechtlich geschützten Melodien aus aller
	Welt gewählt. Das reicht von Kindermelodien bis zu Puccini, Beethoven,
	Mozart, Haydn. Wir haben moderne chinesische und japanische Stücke,
	Nationalhymnen, das israelische „Hawa Nagila“ – alle möglichen Melodien,
	die für viele einen Bezug zur Kindheit, zur Vergangenheit, zum Heimatland
	herstellen.

	Und wie wird das Konzert ablaufen?

	Für die Vernissage-Performances werden die jungen Musiker der
	Festival-Akademie und ich uns drei Tage lang mit den Spieldosen-Klängen
	befassen. Wir werden sie mit Instrumenten nachahmen und Bezugspunkte
	suchen. Am Ende soll ein Stück stehen, in dem Spieldosen und Orchester
	zusammenwirken.

	Danach darf das Publikum spielen.

	Ja. Nach der Vernissage-Performance bleibt die Installation bis zum Ende
	der Musiktage stehen, sodass jeder die Dosen aufziehen und sein eigenes
	Stück spielen oder komponieren kann.

	Das klingt sehr partizipativ.

	So politisch sehe ich es gar nicht. Ich will einen Raum öffnen, in dem der
	Zuhörer der Musik begegnet. Wo er einen Bezug zum Klang entwickeln und
	diesen Moment des Zuhörens außerhalb der Realität mitgestalten kann.
	„Myriad“ birgt außerdem einen interessanten Widerspruch: Die Spieldosen
	sind aufgereiht auf einer brutalistisch weißen Wand. Die ist eigentlich
	überdimensioniert. Trotzdem fühlt man sich sofort hingezogen und hat Lust,
	das Ohr an die Spieldose zu legen und selbstvergessen den Klang zu
	erforschen. Jeder einzelne kann in voller Achtsamkeit die Klänge
	ausprobieren.

	Ist auch die Unvollkommenheit Teil Ihres Konzepts?

	Ja, und ein sehr wichtiger. Wenn man mit Ensembles arbeitet, merkt man,
	dass jedes Konzert anders klingt. Jede Aufführungssituation ist anders,
	jede Akustik, jeder Fehler. Es ist unmöglich, etwas perfekt zu spielen. Das
	wirft die Frage auf: Was ist ein Fehler?

	Die Antwort?

	Es ist ein Moment in der Zeit. Eine jedes Mal neue Situation. Ich finde es
	sehr schön, dass uns Musik diese Spontanität schenkt. Auf der anderen Seite
	untersuche ich unglaublich gern Klänge am Rand der Stille. Diesen
	Zwischenmoment zu untersuchen und auf ihn aufmerksam zu machen, finde ich
	spannend.

	Wo verläuft die Grenze zwischen Stille und Geräusch?

	Das auszuloten, ist etwas sehr Poetisches. Wenn ein Geiger langsam anfängt,
	den Bogen zu bewegen, ist das erst mal nur eine Geste. Irgendwann wächst
	ein Geräusch aus dem Nichts, wird zu einem konkreten Klang. Diese Schwelle
	zwischen dem Nichts und dem Klang fasziniert mich. Denn als Komponist
	erzeuge ich ja keine neuen Klänge. Ich nehme die vorhandenen, gebe ihnen
	einen Rahmen, filtere. Ich gebe dem Zuhörer die Möglichkeit zu bemerken,
	wie ein Klang gestaltet wird in Raum und Zeit.

	Und was bedeutet Ihnen die Pause? Gleicht sie dem Weißraum eines Gemäldes
	oder einer Kalligrafie?

	So könnte man es sagen. Wenn man Musik schreibt, denkt man unweigerlich
	irgendwann: Was ist dieses weiße Blatt, dieser weiße Raum vor mir? Was
	bedeutet dieses satte Nichts? Und man wird sich dessen bewusst, dass jede
	Note, die man auf dieses Blatt schreibt, perfekt sein sollte, damit dieses
	Nichts sein Gleichgewicht behält. Dieser Gedanke hat mir sehr geholfen, als
	ich jünger war: mir vorzustellen, dass diese Stille perfekt ist, und du
	setzt da einen Klang hinein. Der irgendwann zu einer Reihe von
	Klangereignissen wird.

	Wie Bilder in einem White Cube?

	Ich würde noch einen Schritt weitergehen: Ein Musikstück funktioniert nicht
	wie ein zweidimensionales Ereignis, wo ein Bild auf das andere folgt.
	Klangereignisse sind eher wie Skulpturen, die sich einen gemeinsamen Raum
	teilen.

	Musik wäre also dreidimensional.

	Ja, und das stimmt ja auch physikalisch. Musik besteht aus Klangwellen. Es
	gibt den kurzen Augenblick, in dem sich der Klang durch den Raum bewegt,
	und dann ist die Welle vorbei. Zuhören bedeutet eine aktive Teilnahme an
	diesem physikalischen Phänomen.

	Sie haben mal gesagt: An der Musik meines Lehrers Wolfgang Rihm fesselt
	mich, dass sie nicht melodiös ist, sondern statisch. Warum?

	Als ich Ende der 1980er-Jahre erstmals Rihms Musik hörte, war das für mich
	sehr befreiend. Ich war Anfang 20, studierte in Edinburgh und hatte noch
	nie ein Live-Stück gehört, das ohne Melodie auskam. Es war für mich eine
	sehr wichtige Erfahrung, eine Musik von solcher Schönheit und
	Ausgewogenheit zu hören, wo der Klang in der Stille und im Echo zu hören
	war. Das ist eine Musik voller Farbe, voller dynamischer Klangobjekte. Ich
	fand sie extrem expressiv, obwohl nicht der Hauch einer Melodie erklang.
	Das hat mir den Mut gegeben, meinen Weg weiterzugehen.

	Sie haben einige Stücke nach Farben benannt – Purpur, Rot. Ist Musik für
	Sie Synästhesie?

	Nein – obwohl ich Klänge oft mit Farben assoziiere. Eigentlich habe ich die
	Farb-Metapher entwickelt, als ich anfing, über meine Musik zu sprechen.
	Farben werden genauso subjektiv wahrgenommen wie Klänge und sind genauso
	flüchtig. Außerdem habe ich mich lange mit der Symbolik von Farben in der
	Kunst befasst. Welche Wirkung hat Zinnoberrot in der Malerei, welche
	kulturhistorische und emotionale Bedeutung transportiert es?

	Welche denn?

	Dieses Zinnoberrot – ähnlich dem Coca-Cola-Rot – ist die erste Farbe, die
	das Baby wahrnimmt. Und im Sterben sehen wir als Letztes ebenfalls Rot. Rot
	hat etwas Dringliches und kann eine unglaubliche Energie in sich tragen.
	Blau assoziiere ich eher mit Ruhe und Zeitlosigkeit. Man kann einer Farbe
	ganze akustische Landschaften zuordnen, und einige meiner früheren
	Farben-Stücke können als eine Art emotionaler Zustand gehört werden.

	Und was bedeuten Ihnen Alltagsgeräusche?

	Viel. Ich liebe es, die Deutsche Bahn zu hören, den Grundton der Wagen
	festzulegen und die Obertonreihe, wenn sie beschleunigen. Oder wenn hier
	renoviert wird und die Backsteine – bing, bing, bing – in die Straße
	geklopft werden: Die großstädtischen Klänge sind wunderbar! Ich würde
	niemals auf dem Land leben wollen.

	29 Jul 2017

	## AUTOREN

	Petra Schellen

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