# taz.de -- Michael Behn über den Wert der Kunst: „Kunst erneuert den Blick auf das Leben“

	# taz.de -- Michael Behn über den Wert der Kunst: „Kunst erneuert den Blick …

	> Der immaterielle Mehrwert von Kunst sie schwer zu messen, erzeuge aber im
	> besten Fall mehr Lebenskunst, sagt der dem Fluxus verpflichtete Künstler
	> und Galerist

	Bild: Auktion alter Meister, 1994: Lord Hinlip (rechts) nimmt bei Christie’s …

	taz: Her Behn, mal abgesehen vom Finanziellen: Hat ein Kunstwerk einen Wert
	„an sich“?

	Michael Behn: Ich glaube nicht. Ich denke, dass sich der Wert aus vielen
	Komponenten zusammensetzt, die zum Kunstwerk hinzukommen müssen.

	Welche?

	Vorkenntnisse, Vorurteile, Bewertungen, eigene Erfahrungen,
	Weltanschauungen, eventuell sogar religiöse Motive. Auch spekulative Motive
	spielen in letzter Zeit eine immer größere Rolle. Über den 1970
	verstorbenen US-amerikanischen abstrakten Expressionisten Mark Rothko gibt
	es zum Beispiel eine schöne Begebenheit. Er beäugte Menschen, die in seinem
	Atelier seine großflächigen Farbfelder ansahen, sehr kritisch. Er erwartete
	eine fast religiöse Andacht von ihnen. Ich zitiere aus dem Bericht eines
	Zeitgenossen: „Es gab einen Strom von stillen Besuchern, von denen viele
	ihre Erfahrungen als angespannt beschrieben. Wenn sie das Werk
	betrachteten, heftete Rothko seinen Blick auf sie, als ob er denken würde,
	er wäre in der Lage, jeden Hinweis auf Anerkennung, Missfallen, Verwirrung
	oder gar Verachtung zu entschlüsseln. Ein Unschuldiger – er hatte das Werk
	nicht respektiert, wie Rothko sagte –, wurde sogar heftig hinausgeworfen.“

	Ganz schön hart.

	Ja, und diese Art Kunstrezeption funktioniert meiner Erfahrung nach nicht.
	Der Wert eines Kunstwerks geht – abgesehen vom finanziellen Aspekt – über
	das Werk selbst hinaus. Oder, wie es der Künstler Robert Filliou einmal
	formulierte: „Art ist what makes life more interesting than art.“ Es ist
	die Kunst, die den Blick auf das Leben erneuert und letztlich zu einer
	verbesserten Lebensqualität, vielleicht sogar Lebenskunst führt. Darin
	besteht der eigentliche Mehrwert von Kunst.

	Aber was ist ein künstlerisches Konzept wert, das niemand begreift?

	Wenn es keiner versteht, gar nichts. Es reicht auch nicht, wenn es nur der
	Künstler versteht. Es müssen vielmehr möglichst viele sein – und möglichst
	Einflussreiche. Multiplikatoren und Vermittler. Sonst funktioniert das
	nicht.

	Ist die Masse wirklich ein Kriterium?

	Es ist ein demokratisches Kriterium. Es müssen aber natürlich fundierte
	Urteile sein. Ob ein normaler Besucher etwas gut findet, interessiert
	niemanden. Wenn es aber ein bedeutender Rezensent oder Ausstellungsmacher
	ist, erreicht er Tausende Leute. Er schafft Aufmerksamkeit und damit einen
	Wert.

	Und das finden Sie als Künstler und Galerist in Ordnung?

	Erst mal muss ich konstatieren, dass es so ist. Der 1968 verstorbene
	Künstler-Forscher Marcel Duchamp zum Beispiel hat viel über solche Dinge
	nachgedacht, weil er ganz konkret erfuhr, wie sich Bewertungen abspielen.
	In Lexika aus den 1950er-, 60er-Jahren findet man fast nichts über ihn.
	Heute erscheint jeden Monat eine neue Publikation, und er gilt als einer
	der wichtigsten Künstler des 20. Jahrhunderts.

	Aber ist die Idee der bleibenden Bedeutung eines Künstlers noch zeitgemäß?

	Tatsächlich würde ich Künstlern nahe legen, nicht auf den schnelllebigen
	Effekt zu setzen. Ich beobachte allerdings, dass die meisten seit 1960,
	1970 produzierten Werke nicht nachhaltig sind und schnell dem Vergessen
	anheim fallen werden.

	Woran liegt das?

	Es gibt einfach zu viel. Die Zahl der Kunst-Events, der Messen, Biennalen,
	Gallery Weekends etc. hat sich vervielfacht und entsprechend die Kunst. Und
	während der Prozentsatz guter Kunst immer niedrig war, existieren heute
	weit mehr mittelmäßige Kunstwerke als früher.

	Und vergänglichere. Welchen Wert hat ein auf Verfall hin komponiertes Werk?

	Wenn Werke so materialvergänglich sind, dass sie kaum rezipiert werden
	können, ist das natürlich ein Hindernis. Aber wenn sie einmal wahrgenommen
	und dokumentiert sind, besteht die Möglichkeit, dass man ihre Bedeutung
	hervorkehrt und sie restauriert. Viele Arbeiten des 1998 verstorbenen
	Intermedia-Künstlers Dieter Roth etwa sind auf Selbstzerstörung angelegt –
	durch Schimmel, Pilzkulturen und anderes. Für Sammler und Museumsleute war
	das heikel, und man hatte gedacht, da traut sich keiner ran. Inzwischen
	sind Roth-Werke aber ziemlich teuer, werden aufwendig restauriert bzw. in
	einem Zustand erhalten, in dem sie sich möglichst nicht mehr verändern.

	Eigentlich müsste ein vergängliches Werk teurer sein, weil man das
	begrenzte Zeitfenster mitkauft.

	Eigentlich schon. Aber bei Dieter Roth ist das nicht der Fall. Seine Werke
	sind erst kurz vor seinem Tod teuer geworden – und danach.

	Wie wichtig ist der Original-Begriff heute noch?

	Sehr wichtig. Solange ein Werk als „Rembrandt“ gilt, ist es extrem teuer.
	Bemerkt man, es ist kein Rembrandt, sinkt sein Wert auf einen Bruchteil.
	Das ist sicher ungerecht, aber man muss unterscheiden. Da ist einmal der
	Kunstmarkt. Der ist konservativ und legt Wert auf solche Dinge, denn daran
	verdient er. Dann gibt es die Kunstwissenschaft. Auch sie legt Wert auf
	Originalität. Auf das Erstmalsmachen, das den Wert auch in der
	Kunstgeschichte bestimmt.

	Die Appropriation-Art arbeitet allerdings gezielt mit der Kopie.

	Ja. Die 2014 verstorbene amerikanische Künstlerin Elaine Sturtevant zum
	Beispiel kopierte Werke des Pop-Art-Künstlers Andy Warhol. Sie hat den
	Zwang, originell sein zu müssen, infrage gestellt und ein bedeutendes
	Statement für andere Künstler gesetzt, die heute ähnlich arbeiten.

	Schätzt der Kunstmarkt diese Strömung?

	Anfangs war das nicht der Fall. Aber es gibt immer findige Kunsthändler,
	die in so etwas einen neuen Wert sehen und es verkaufen können. Die
	Arbeiten von Elaine Sturtevant sind inzwischen recht teuer. Allerdings
	lange nicht so teuer wie ein echter Warhol.

	Den kaufen dann oft Privatsammler. Geht Kunst – früher an Fürstenhöfen
	ausgestellt – zurück in die Refugien der Wohlhabenden?

	Ja, sie geht ins Private. Andererseits streben Groß-Privatsammler meist
	danach, ihre Schätze der Öffentlichkeit zugänglich zu machen. Es gibt ja
	inzwischen eine Fülle von Privatmuseen. Oder sie übergeben ihre Sammlung an
	bestehende Kunstmuseen – mit der Auflage, die Werke auch zu zeigen.

	Trotzdem besteht die Sorge, dass Kunst in Privatsammlungen auch außerhalb
	Europas verschwinden könnte.

	Sie denken an das neue Kulturgutschutzgesetz, das die Ausfuhr nationaler
	Kulturgüter beschränkt. Das muss man in der Tat regeln: Wenn Manuskripte
	von Bach oder Beethoven nach China wandern, habe ich das Gefühl, das sollte
	man besser hierbehalten. Und chinesische Aquarelle aus der Tang-Dynastie
	sollten in China bleiben. Andererseits: Solange diese Dinge öffentlich
	zugänglich bleiben, ist das Risiko des „Verschwindens“ klein.

	Steigt der Geldwert eines Werks, je seltener ich es zeige? Je länger ich es
	dem Markt fernhalte, desto teurer kann ich es wieder verkaufen?

	Riskant. Wenn Sie es zu lange fernhalten, wird es vielleicht vergessen und
	verkauft sich gar nicht mehr. Allerdings wird Gegenwartskunst vom
	Kunstmarkt ohnehin grandios überschätzt.

	Frei nach dem Motto: Nur was aktuell und jung ist, taugt etwas?

	Ja. Und die Künstler leben ja meist noch und können das mitsteuern. Der
	1965 geborene Brite Damien Hirst hat demonstriert, was passiert, wenn man
	Werke wirklich teuer macht und eine Art Aktienhandel eröffnet.

	Wobei ein diamantbesetzter Hirst-Totenschädel schon vom Materialwert her
	teuer ist.

	Ja. Dann addiert man, was ein Hirst generell kostet – und den
	Sensationswert obendrauf. Da kommt man auf viele Millionen.

	Heißt das, auf Auktionen gewinnen nicht immer die besten Werke, sondern die
	spektakulärsten?

	Das kann man schwer verallgemeinern. Es passiert allerdings immer wieder,
	dass ein beträchtlicher Teil der auf Auktionen angebotenen Werke nicht
	verkauft wird. Das liegt nicht unbedingt an der Qualität. Der Kunstmarkt
	ist vielmehr so unberechenbar wie die Börse. Wenn Sie einen Gerhard Richter
	für fünf Millionen kaufen, ist nicht garantiert, dass Sie ihn nächstes Jahr
	für denselben Preis verkaufen können.

	Welche Rolle spielen eigentlich die Kenner und Liebhaber im Kunstmarkt?

	Die haben meist nicht so viel Geld, sind aber oft die besseren Sammler.
	Wenn man zu viel Geld hat, ist man ein eher schlechter Sammler. Dann kauft
	man Dinge, die eigentlich zu teuer sind, man kauft nicht unbedingt die
	originellsten, frühesten, interessantesten Werke. Dafür haben eher die
	Liebhaber einen Blick. Das sind die wichtigen Leute, die die Kunst
	vorantreiben.

	Wie machen sie das?

	Sie bemerken Dinge, die übersehen wurden, etwa bei
	Auktions-Vorbesichtigungen. Sie tun ihre Wertschätzung kund und treiben den
	Preis dadurch hoch, dass andere sie dabei beobachten.

	7 Nov 2017

	## AUTOREN

	Petra Schellen

	## TAGS

	Kunst
	Kunstmarkt

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