# taz.de -- Zwei Maler, zwei Ideen, ein Bild: Ein Zoom aus der Ferne

	# taz.de -- Zwei Maler, zwei Ideen, ein Bild: Ein Zoom aus der Ferne

	> „Die Darbringung Christi im Tempel“ stammt von Mantegna, Bellini pauste
	> das Bild ab. Beide sind in der Berliner Gemäldegalerie zu sehen.

	Bild: Andrea Mantegnas „Darbringung Christi im Tempel“ (Ausschnitt) entstan…

	Als Maria und Josef den neugeborenen Jesus in den Jerusalemer Tempel
	brachten, möglicherweise um das Kind beschneiden zu lassen, hatten sie laut
	Lukasevangelium (2,21–39) ein Taubenpaar als Opfergabe dabei. Aber weder
	das Tieropfer noch Details des Altars oder des Tempels sind in dem dichten
	Bild Andrea Mantegnas zu sehen. Mantegna, der als Sohn eines Zimmermanns
	vermutlich 1431 in der Nähe von Padua geboren wurde und 1506 in Mantua als
	gefeierter Hofmaler der Gonzaga starb, hatte die damals herrschenden
	malerischen Konventionen für seine Interpretation des religiösen Themas
	hinter sich gelassen.

	Wie jeder Künstler in Padua dürfte Mantegna das Fresko Giottos gekannt
	haben, das gemäß den damaligen darstellerischen Normen ebenfalls „Die
	Darbringung Christi im Tempel“ zeigt. Giotto stellte um 1303 die heilige
	Szene in der Scrovegni-Kapelle mit vielen Protagonisten innerhalb einer
	architektonischen Komposition dar. Mantegna hingegen schnitt seine Figuren
	ab der Hüfte ab, drängte sie auf einem engen, durch einen gemalten
	Marmorrahmen begrenzten Raum vor dunklem Hintergrund wie in einem Zoom
	zusammen.

	Und obwohl Mantegna dafür bekannt war, als einer der ersten
	Renaissancekünstler die Technik der perspektivischen Verkürzung von Räumen
	und Körpern virtuos zu beherrschen, lässt die dichte Konzentration der
	Gruppe die Bildebene fast zweidimensional erscheinen. Im Vordergrund seines
	1454 entstandenen Gemäldes ist Simeon als Weiser in feierlicher Haltung und
	mit würdigem Gesichtsausdruck zu sehen. Sorgfältig und fein gemalt, jedes
	einzelne seiner Barthaare ist mit dünnen Linien aus Eitempera dargestellt,
	ergreift Simeon die Füße von Jesus, in dem er laut Lukas den Messias
	erkannt hatte.

	Die zärtlich abgebildete Geste der betrübten Mutter, an deren bleiches
	Profil sich die Silhouette des Babys wie ein Puzzlestück schmiegt, verweist
	auf die Ambiguität der mütterlichen Sorge um das Kind und die Anerkennung
	(oder Ablehnung) seiner zukünftigen Rolle. Anders als die Maria Giottos
	scheint sie das Kind mit beiden Armen von Simeon wegzuziehen, als ob sie
	Jesus in seiner leiblichen Dimension bei sich behalten und vor seinem
	Schicksal retten wollte.

	## Das Gemalte ist die Leinwand

	Das Baby weint. Vielleicht aus Angst, seiner Mutter entwunden zu werden,
	vielleicht in Vorausschau seines Leidens am Kreuz. Semitransparente
	Streifen weißen Leinens scheinen das Kind wie ein Verband zu umwickeln, ein
	fesselndes Bilddetail, das die Tücher mit der Leinwand gleichzusetzen
	scheint, auf der sie gemalt sind.

	Die Leinwand wird durch weggeschabte Farbe bloßgelegt und leiht ihr
	gewebtes Raster der Darstellung der Textur des Wickeltuchs, das einem
	Leichentuch ähnelt. So ähnlich ist es bei „Madonna und Kind“, einem ander…
	in Berlin hängenden Bild Mantegnas. Ob gewollt oder nicht, manifestiert die
	Leinwand ihre eigene Präsenz, das Bild ist Abbildung und Objekt zugleich.
	Das Marmorfenster, in dem sich die Szene abspielt, könnte auf Jesu Grab
	vorausweisen.

	## Ein erfinderischer Künstler

	Mantegnas Bild wird derzeit von einem Doppelgänger begleitet. Eine etwas
	größere und kompositorisch verlängerte Version der „Darbringung“ von
	Bellini, die sonst in der Fondazione Querini Stampalia in Venedig
	ausgestellt wird, hängt direkt neben Mantegnas Bild für die Dauer der
	Ausstellung „Mantegna und Bellini. Meister der Renaissance“. Das ist nicht
	nur eine historische Gegenüberstellung, sondern eine Befreiung.

	Denn damit wird Mantegnas zarte „Darbringung“ von ihrem permanenten
	Hängungsort tief im Südflügel erlöst, wo die filigranen Details des schon
	etwas verblichenen, stellenweise übermalten Gemäldes auch durch die
	Beleuchtung eher verborgen als präsentiert werden. Nun, adäquat
	beleuchtet, kann man sich leicht vorstellen, welch strahlenden,
	verdichteten Effekt es einmal gehabt haben muss.

	## Die Paarung der Bilder

	Bis 2018 waren die beiden Gemälde noch nie zusammen zu sehen. Nun hängen
	sie am Eingang der so gelehrten wie imposanten und einfühlsamen
	Sonderausstellung, die in Zusammenarbeit mit der Londoner National Gallery
	kuratiert wurde. Sie zeigt Arbeiten der beiden Meister der frühen
	Renaissance, die aus Sammlungen in der ganzen Welt stammen. Die Paarung
	dieser beiden Bilder zeigt, was die Ausstellung als Ganze akribisch
	verfolgt: wie intensiv der jeweilige Einfluss der beiden auf das Werk des
	anderen war und wie stark sich ihre Arbeitsweisen und künstlerischen
	Programme unterschieden.

	Darüber hinaus demonstriert die Schau die Dichotomien, mittels deren die
	beiden Künstler in einem ewigen Wettbewerb darum, wer denn nun der Bessere
	gewesen sei, über Jahrhunderte hinweg kategorisiert wurden. Es zeigt sich,
	dass die angeblichen Gegensätze, die die konkurrierenden Werke
	charakterisieren, nicht zu erfassen vermögen, was es hieß, im 15.
	Jahrhundert ein maßgeblicher und erfinderischer Künstler zu sein.

	## Die Malerei triumphiert über das Wort

	Im Jahr 1504 schrieb ein venezianischer Kunsthändler an Isabella d’Este,
	die Mäzenin beider Maler war: „Niemand kann Herrn Andrea Mantegna in
	Hinblick auf seinen Erfindungsreichtum schlagen, wo er höchste Exzellenz
	erreicht hat, aber wenn es um Farbe geht, ist Giovanni Bellini
	vortrefflich.“

	Der Vater des Malers Raffael war selbst Hofmaler des Herzogs von Urbino,
	der seinerseits der wichtigste Mäzen Piero de la Francescas war. Laut der
	Aussage von Raffaels Vater sei der Herzog angesichts von Mantegnas Bildern
	„stupefatto“, sprachlos, gewesen. Damit implizierte er nicht nur, dass
	Mantegna der größte aller italienischen Maler inklusive Piero de la
	Francesca war, sondern dass in seinem Werk die Malerei über das Wort
	triumphiert.

	## Von innen beleuchtet

	Der Kunsthistoriker Roberto Longhi schließlich ging Anfang des 20.
	Jahrhunderts so weit, die Geburt Bellinis, des in Wirklichkeit jüngeren
	Schwagers Mantegnas, zehn Jahre vorzuverlegen, um Bellini als den
	originelleren Maler von beiden zu installieren – gegen den herrschenden
	Konsens. Über Jahrhunderte hinweg wurden die beiden so ähnlichen und doch
	inhärent verschiedenen Versionen der „Darbringung Christi“ oft Mantegna
	zugeschrieben. Heute wissen wir nicht nur, dass Bellini sein Bild gut
	zwanzig Jahre nach Mantegna gemalt hat, sondern auch, wie man im Zug der
	Vorbereitung dieser Ausstellung herausgefunden hat, dass Bellini das Werk
	seines Schwagers abgepaust hat.

	In seinem Bild fügte Bellini zwei weitere Personen hinzu und entkleidete
	seine Protagonisten der feinen Heiligenscheine, die in Mantegnas Bild als
	Ikonenreste über den Köpfen der Heiligen schweben. Aus Mantegnas Rahmen
	wurde eine Brüstung. Das Bild scheint von innen beleuchtet zu sein und ist
	etwas lieblicher, als ob es mit einem sanfteren Pinsel gemalt worden sei.
	Es ist harmonischer, seine Figuren erscheinen weniger drastisch. Mantegna
	malte mit Eitempera auf Leinwand, Bellini mit Öl auf Holztafel. Bellini
	war einer der Ersten in Italien, die die neue Technik, die jenseits der
	Alpen entwickelt worden war, übernahmen.

	## Favorit der intellektuellen Elite

	In der zweiten Reihe der Gruppe auf Mantegnas Bild erstrahlt der Kopf
	Josefs, der stirnrunzelnd und mit Ehrfurcht auf Simeon blickt. Zwei Figuren
	ohne Heiligenschein sind auf den Seiten zu sehen: eine junge Frau zur
	Linken, vermutlich stellt sie Mantegnas Frau dar, und ein junger Mann zur
	Rechten, der halb vom Rahmen verdeckt wird. Er starrt abwesend in den
	Bildraum. Er wurde spätestens seit dem 19. Jahrhundert mit Mantegna selbst
	identifiziert.

	Mantegna war 23 oder 24 Jahre alt, als er 1454 „Die Darbringung Christi“
	malte. Er war damals bereits der berühmteste Künstler Norditaliens, Favorit
	der intellektuellen Elite. Vermutlich malte er das Bild anlässlich seiner
	Vermählung mit Nicolosia und der Geburt ihres Sohns im Jahr der Entstehung
	des Gemäldes. Sosehr das Bild die Idee des Opfers in einer Darstellung
	fasst, die an Andachtsbilder erinnert, schimmern in ihm doch auch eine
	gewisse Intimität und Nähe auf. Es wurde wahrscheinlich für die Familie
	gemalt.

	Nicolosia, Mantegnas Frau, war Giovanni Bellinis Halbschwester, die Tochter
	von Jacopo, dem Pater familias der erfolgreichsten Künstlerfamilie
	Venedigs. Jacopo mag geplant haben, das Wunderkind Mantegna als kostenlosen
	Mitarbeiter seiner Werkstatt gewinnen zu können, aber dieser hatte andere
	Pläne. Im Jahr 1459 wurde Mantegna der Hofmaler der Herzöge von Mantua,
	wohin er mit seiner Familie zog und wo er bis zu seinem Tod arbeitete.

	## Wie mit dem Teleobjektiv herangeholt

	Der Effekt des Bildes ist dual. Dem Prinzip der autorlosen Ikone folgend,
	von der Mantegna wahrscheinlich die Beschreibung seiner Figuren in einer
	Art Nahaufnahme entliehen hat, die zugleich intim und streng formal ist,
	bleibt uns sein Bild fern und ist zugleich seltsam innig. Wie bei einem mit
	Teleobjektiv aufgenommenem Foto erscheint der Bildraum komprimiert. Das
	Geschehen in der Ferne wird uns näher gebracht, wir sehen seine
	Einzelheiten und beobachten die Szene doch weiterhin aus der Distanz.

	Auch der Marmorrahmen, aus dem die als Malerei gekennzeichneten Figuren in
	die Welt des Betrachters herauszutreten scheinen, definiert die Grenze des
	Bildes auf erfinderische Weise. Das gilt besonders für das Jesuskind, das,
	auf einem Kissen stehend, gehalten wird und auf dem Marmorrahmen ruht – wie
	Marias Ellbogen, der auf den Betrachter zeigt. Ein Trompe-l’Œil, das den
	Betrachter einerseits ins Bild hineinzieht, andererseits die Grenzen des
	Bildes in die Realität hinaus verschiebt.

	## Das Elend der fleischlichen Existenz

	„In seinem Leben zeigt sich Mantegna beinahe mehr als Humanist denn als
	Künstler“, schrieb Roger Fry im Jahr 1905. „Wir hören von ihm fast nur,
	dass er ein kranker Nachbar, ein unglücklicher Vater, ein indiskreter,
	gealterter Liebhaber sei.“ Insofern sei bemerkenswert, dass dieser stolze,
	streitsüchtige und ehrgeizige Mann die zärtlichsten Bilder von der Madonna
	und ihrem Kind in der christlichen Kunst gemalt habe.

	Ohne darauf zu verzichten, in einem peniblen Realismus die Erniedrigung, ja
	das Elend der fleischlichen Existenz kenntlich zu machen, zeigt sich in
	seiner Madonna und ihrem Kind ein Rätsel. Sie leben ein Leben, dessen
	Gefühle uns unbekannt sind, intensiver, aber auch zu unruhig, um heiter
	oder göttlich zu sein. Es ist ein Realismus, der anders als der flämische,
	der Mantegna sicher beeinflusst hat, unerwartet mystisch ist.

	4 May 2019

	## AUTOREN

	Tal Sterngast

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