# taz.de -- „Die Künstler sind oft sehr allein“

	# taz.de -- „Die Künstler sind oft sehr allein“

	> Das Festival Tanz im August widmet der amerikanischen Choreografffin
	> Deborah Hay eine Retrospektive. Gespräch mit der Kuratorin Virve Sutinen
	> über Jugend und Alter, Unterstützung von Frauen und Tanzgeschichte

	Bild: „Es gibt Bedarf, mehr davon zu sehen, was Frauen gemacht haben“, sagt…

	Interview Katrin Bettina Müller

	taz: Frau Sutinen, seit 2014 leiten Sie das Festival Tanz im August. Tanzen
	Sie eigentlich auch selbst?

	Virve Sutinen: Viele aus unserem Team haben selbst getanzt. Ich bin mit
	sechs Jahren in eine Ballettschule gegangen, alte russische Schule in
	Helsinki, später dann auf eine professionelle Schule. In den 1980er Jahren
	habe ich mich mit Choreografie beschäftigt und hatte eine eigene Compagnie,
	alles Studenten, halb Amateure. 1995 habe ich mein letztes Stück für das
	Helsiniki Festival gemacht, dann ging es weiter mit Schreiben, dem
	Herausgeben einer Tanzzeitschrift, das Feld des Tanzes von einer anderen
	Seite bearbeiten.

	Denken Sie, dass die Erfahrung, selbst getanzt zu haben, die Wahrnehmung
	von Tanz verändert?

	Ich verstehe dadurch mehr, was Tänzer und Choreografen während der
	Entwicklung eines Stücks durchmachen. Und ich kenne die Realität des
	Betriebs im zeitgenössischen Tanz, weiß um die Schwierigkeiten, die knappen
	Mittel, die Armut in diesem Sektor. Wenn man an das Anschauen von Tanz
	denkt: Es wäre sehr gut, wenn jeder das Privileg hätte, schon an der Schule
	tanzen zu lernen. Wenn man eine Beziehung zu den eigenen Bewegungen
	herstellen kann, macht dich das zu einem guten Zuschauer.

	Letztes Jahr wurde gefeiert, dass das Festival seit dreißig Jahren besteht.
	Ist das Jahr nach einem Jubiläum schwerer?

	30 Jahre bedeutet, ein erwachsenes und etabliertes Festival zu sein.
	Letztes Jahr gab es besondere Unterstützung, mit der wir zeigen konnten,
	dass Tanz im August das Potenzial hat, ein wirklich großes europäisches
	Tanzfestival zu sein. Damit gibt es der Berliner Tanzszene etwas Besonderes
	und rückt sie in einen globalen Kontext. Natürlich ist nach einer großen
	Feier immer die Frage: was als Nächstes tun, nicht in Katerstimmung
	geraten. Deshalb waren wir sehr froh, für dieses Jahr wieder eine
	Retrospektive vorbereitet zu haben, von Deborah Hay.

	Deborah Hay ist die dritte Choreografin in der Reihe. Sollen es immer
	Frauen sein, ist das eine bewusste Setzung?

	Das ist eine sehr bewusste Entscheidung. Auch wenn alle diese Frauen schon
	Anerkennung erfahren haben für ihr Werk, sind sie nicht angemessen im Kanon
	der Tanzgeschichte verankert. Es war das Schicksal aller drei
	Choreografinnen, dass sie neben dem Tanz sehr viel andere Arbeit leisten
	mussten, um sich den Tanz zu ermöglichen. Es gibt für Deborah Hay zum
	Beispiel keine unterstützende Struktur. Die Künstler sind in ihrer Arbeit
	oft sehr allein, sie mit unserem Festival unterstützen zu können ist
	großartig. Die zwei Jahre unserer Zusammenarbeit für die Retrospektive sind
	etwas besonderes, für sie und für uns. Wenn wir auf die überlieferte
	Tanzgeschichte schauen, ist sie voll von Männern, deren Arbeit gut
	erforscht ist. Da ist durchaus Raum und auch Bedarf, mehr davon zu sehen,
	was Frauen gemacht haben.

	Hay, die 1941 geboren ist, wird ein Solo zeigen, „my choreographed body …
	revisited“. Eine Tänzerin in diesem Alter auf der Bühne ist ungewöhnlich.
	Ist das ein Statement?

	Vom Tanz wird oft gedacht, vor allem eine Kunst für junge Leute zu sein.
	Aber das stimmt nicht, nur werden deswegen die Kämpfe ab 40, 50 härter.
	Deshalb finde ich es fantastisch, das Festival mit dem Solo einer älteren
	Tänzerin zu beginnen, die noch immer große gestalterische Energie hat. Seit
	einiger Zeit lernen wir, dass Tanzkarrieren nicht mit 35 oder 41 Jahren
	enden müssen. Für mich als Kuratorin gibt es einen weiteren Grund, auch
	ältere Tänzer sehen zu wollen. Das ist die eigene Frustration – man wird
	dreißig und schaut auf zwanzigjährige, man wird vierzig, fünfzig und schaut
	immer noch auf zwanzigjährige Körper. Aber man geht doch ins Theater, um
	sich mit etwas zu identifizieren, Erfahrungen teilen zu können.

	Deborah Hay ist vor allem Insidern des Tanzes bekannt. Sie nennen sie eine
	legendäre Figur. Wie würden Sie ihren Einfluss beschreiben?

	Durch ihr Schreiben und durch ihre Workshops hatte sie Einfluss auf sehr
	viele Tänzer*innen jüngerer Generationen. Sie hat mit Judson Church
	begonnen, diese Epoche ist gut untersucht, da gab es letztes Jahr eine
	große Retrospektive in New York im Museum of Modern Art. Wir konzentrieren
	uns auf die Zeit nach 1968. Ihre Arbeit, die dann begann, ist eine Brücke
	zwischen dem postmodernen Tanz und dem konzeptuellen Tanz, der in den
	1990er Jahren kam.

	Was ist für ein Nicht-Insider-Publikum an dieser Choreografin attraktiv?

	Das ist die Bewegung, viel Bewegung. Die können verschiedenartig sein, es
	müssen nicht die akademisch überlieferten Schritte sein. Zeitgenössischer
	Tanz ist oft darauf konzentriert, den Verstand zu kitzeln, sich auf die
	Gegenwart zu beziehen. Hays Vokabular als Choreografin ist sehr speziell,
	fordernd, genau: Man meint, die Gedanken der Tänzer sehen zu können.

	Es wird auch ein Programm zu Merce Cunningham geben, der dieses Jahr 100
	Jahre alt geworden wäre. Zwei Compagnien, Dance on und cnn Ballett de
	Lorraine machen ein Cunningham-Programm – tanzen sie Stücke von ihm?

	Wer mit seinen Stücken arbeiten will, muss mit dem Merce Cunningham Trust
	zusammenarbeiten. Sie verwaltet seinen Nachlass, versucht ihn zu öffnen als
	ein Archiv für jeden Interessierten. Thomas Caley vom Ballett de Lorraine
	war ein Tänzer bei Cunningham. Er bringt so viel Authentizität hinein, wie
	möglich ist. Aber es geht nicht nur darum; alte Stücke wiederaufzuführen,
	hat eine eigene Problematik, denn natürlich haben sich die Körper
	verändert, ihre Trainingsweisen, heute sind sie oft superathletisch. Ein
	Stück aus den 1960ern verändert sich, von Körpern der Gegenwart
	interpretiert. Aber in die Geschichte zurückzugreifen, das zu sehen, ist
	auch gerade für jüngere Zuschauer wichtig. RainForest von Cunningham ist
	ein Juwel, so wie man Shakespeare in der Schule liest, sollte man das
	einmal gesehen haben. Das ist Teil unserer Kultur. Das Dance On Ensemble
	aus Berlin beschäftigt sich mit einem sehr experimentellen Stück, das kann
	nicht einfach nachgeahmt werden, das wird neu erfunden, es übersetzt die
	Ideen in die Gegenwart.

	Eine weitere Uraufführung, von Jérôme Bel, beschäftigt sich mit Isadora
	Duncan, die von 1877 bis 1927 lebte. Im Grunewald in Berlin hatte sie mal
	eine Tanzschule, 1904 begann das.

	Isadora Duncan ist eine Ikone unserer Moderne. Sie ist ebenso ein großes
	feministisches Vorbild, wie sie ihr eigenes Leben lebte und ihr Werk
	erfand. Sie hat den Tanz wirklich revolutioniert, den Körper befreit –
	alles, was wir in den 1970er mit der Release-Technik lernten, war bei ihr
	vorgeformt.

	Damit geht der Bogen bis ins 19. Jahrhundert zurück. Für die Tanzgeschichte
	ist mehr als 100 Jahre in den Blick zu nehmen viel, verglichen mit anderen
	Kunstgeschichtsschreibungen immer noch jung. Bisher hat sich unser Gespräch
	darauf konzentriert. Aber es ist auch auffallend, dass im Programm sehr
	viele hier bisher unbekannte Namen auftauchen, viele junge Künstler dabei
	sind.

	Wir zeigen 31 Produktionen, viele Künstler*innen bringen wir erstmals nach
	Berlin. Es gibt unterschiedliche Typen von tanztheatralen Arbeiten und von
	abstrakten Tanzstücken. Es gibt Stücke mit Sprache und politischen Themen.
	Viele aktuelle Diskurse werden aufgegriffen. Es geht um
	Klassenzugehörigkeit wie in Oona Dohertys wunderbarem Stück „Hard to be
	soft – A Belfast Prayer“. Man fühlt, wie es ist heute in Belfast zu leben,
	die vorhandene Gewalt, welche Rollen die Frauen und die jungen Mädchen
	spielen. Dann kommt Nora Chipaumire, die sich kontinuierlich mit ihrer
	Schwarzen Identität beschäftigt, zwischen Simbabwe und den USA, nirgendwo
	hineinpassend. Und in dieser Dualität gelingt es ihr, ihren eigenen
	Ausdruck und ihre Freiheit zu finden.

	Viele neue Namen, das ist sicher auch nicht einfach für die Vermittlung
	ihres Festivals?

	Tanz im August hat das Potential, viele Ideen davon, was Tanz sein kann,
	weiterzugeben. Natürlich geht es auch um eine Balance zwischen Bekanntem
	und emerging artists. Ich möchte gerne noch die junge Choreografin
	Catherine Gaudet aus Kanada empfehlen, die mit unterschiedlichen Typen von
	Physikalität arbeitet, mit tollen Tänzer*innen.

	7 Aug 2019

	## AUTOREN

	Katrin Bettina Müller

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