# taz.de -- Wartestellung im Riss

	# taz.de -- Wartestellung im Riss

	> Eigentlich hätte Klara Schoells erste Soloausstellung „Vom Warten“ nun
	> eröffnen sollen. Wegen Corona muss sie noch warten. Carlotta von Haebler
	> hat noch bis Juni Zeit. Ein Besuch im Atelier der beiden Künstlerinnen im
	> Hamburger Oberhafen

	Bild: Alles Pandemiekunst? Carlotta von Haebler (l.) und Klara Schöll sind ges…

	Von Johanna Sethe

	Der kleine Raum im Hamburger Oberhafen ist hell und ziemlich voll: alte
	Stühle, Tische und Arbeitsflächen, Leinwände, ein großer
	Getränkekühlschrank. Die Kaffeemaschine röhrt, von draußen tönt Baulärm, …
	und zu bellt ein Hund oder jemand klopft an, um nach irgendwem zu fragen.
	Und doch: Das Atelier hat dabei etwas Ruhiges und Idyllisches. Wie
	selbstverständlich steigt Klara Schoell mit ihren kurzen, blauen Haare und
	der Latzhose, die irgendwo unter den Farbflecken darauf wohl weiß ist, über
	Leinwände und Pinsel hinweg.

	Sie ist 22 und studiert seit 2018 in Hamburg Malerei an der Hochschule für
	Angewandte Wissenschaften bei Professor Christian Hahn. Im April hatte ihre
	erste Solo-Ausstellung „Vom Warten“ beginnen sollen, in der sie in
	Kooperation mit der Galerie Pfund & Dollar Malereien, Zeichnungen und eine
	Installation zeigen wird. Eigentlich, denn aufgrund der steigenden
	Corona-Infektionszahlen wurde sie nun vorerst auf Anfang Juli verschoben.
	Schoell bleibt dabei zuversichtlich: „Das ist natürlich schade, aber so
	habe ich nun drei Monate Zeit, mich noch mal richtig reinzuknien, noch mehr
	zu malen und an meiner Installation zu arbeiten.“

	Auf einem ihrer Bilder ist ein Hund mit gefletschten Zähnen und angelegten
	Ohren zu sehen. Er hat dunkles Fell, ein bisschen rot ist er auch –
	aggressiv irgendwie. Der Hintergrund setzt sich aus zumeist helleren
	Flächen und Farben zusammen. Es scheint, als springe das Tier, als wolle es
	angreifen.

	In Schoells Malereien geht es um die kleinen Momenten der Unsicherheit, um
	die kurzen Räume ohne Geschehen, in denen man nicht weiß, was als Nächstes
	passiert. Sie zeigen Eindrücke von Demonstrationen, die Fahrt durch einen
	Tunnel oder Porträts von Mitmenschen. Das Phänomen des Wartens habe viele
	Ebenen, sagt Schoell. Seit drei Wochen arbeitet sie jetzt an der
	Ausstellung.

	Ihre Bilder entstehen in erster Linie intuitiv und ohne konkreten Plan. Sie
	beginnt Leinwände oft sehr gestisch und verarbeitet momentane Emotionen und
	Stimmungen in Farbkompositionen. Erst danach überlegt sie sich bewusster,
	was sie abbilden möchte. Dabei habe sie eigentlich keine so große
	Anspruchshaltung an das Endergebnis, sagt Schoell. Der Prozess dahinter
	gebe ihr mehr.

	Wenn man von der Seite auf ihre Leinwände guckt, sieht man die dicken
	Farbschichten, die immer wieder übermalt worden sind. Kann dieser Prozess
	in einer Ausstellung von Endergebnissen sichtbar sein? Auch Schoell stellt
	das in Frage und möchte deshalb den Prozess der Erschaffung ihrer Bilder in
	der Ausstellung zugänglich machen. In Zusammenarbeit mit dem Lichtkollektiv
	Netzhautrauschen hat sie sich beim Malen gefilmt. Diese Videos sollen dann
	in einer Installation auf die Oberfläche einer Skulptur projiziert werden.

	## Rauschende Netzhäute

	Die Entstehung der eigenen Kunst auch den Betrachtenden in einer
	Ausstellung zeigen zu wollen, das kennt auch Carlotta von Haebler. Sie ist
	gerade 30 geworden, studiert Freie Kunst an der Hochschule für Künste in
	Bremen und teilt sich das Atelier im Oberhafen mit Schoell. Auch sie plant
	derzeit eine Ausstellung. Im Juni möchte sie etwa 100 ihrer Collagen aus
	historischen Fotos und Aquarellen hier zeigen – in diesem kleinen
	Atelierraum. Dass die Wände nicht weiß und leer sind, alles ein bisschen
	unaufgeräumt ist, ist für sie dabei auch ein Ausdruck des Prozesses.

	Einen Titel hat ihre Ausstellung noch nicht. Was sie beim Collagieren aber
	beschäftigt, ist das Nichts und dessen Äquivalenzen – Leere, Fleck, Riss.
	Sie schneidet Dinge auseinander und führt sie wieder zusammen, erzeugt so
	auf dem Papier die Spannung unheimlicher Momente und der Fragilität unserer
	Lebensentwürfe.

	Seit ein paar Wochen sind die beiden jungen Künstler:innen unter der
	Woche fast jeden Tag im Atelier der Galerie und bereiten ihre Ausstellungen
	vor. Manchmal still und jede für sich, manchmal mit Musik oder im regen
	Austausch miteinander.

	Im Oberhafen, dem kreativwirtschaftlichen Stadtentwicklungsprojekt in der
	Hafencity, fühlen sie sich wohl. Dort sind sie von anderen jungen Menschen
	und Künsten umgeben. Auch Musik und Performances finden hier normalerweise
	statt, Materialien sind in einer Tischlerei und einer Metallwerkstatt nicht
	weit. „Für mich ist die Galerie ein totaler Glücksgriff“, sagt Klara
	Schoell. „Ich habe das Gefühl, so gut betreut zu werden. Ich könnte das
	sonst alles gar nicht machen.“ Eine andere Künstlerin dort hilft ihr bei
	der Werbung für ihre Ausstellung und wenn ihr noch Stellwände fehlen, dann
	geht sie zu Nico und er baut ihr welche.

	Nico Krüger ist der Galerist von Pfund & Dollar. Carlotta hatte ihn auf dem
	Flohmarkt kennengelernt, über seine selbstgebauten Lampen waren sie durch
	Zufall ins Gespräch gekommen. Er hatte ihr schließlich angeboten, im
	Oberhafen zu arbeiten. Zahlen müssen Schoell und von Haebler dafür nicht.
	Sie hoffen aber, ein paar Kunstwerke bei ihren Ausstellungen verkaufen zu
	können. Um ihren Lebensunterhalt zu finanzieren, arbeiten die beiden in
	verschiedenen Nebenjobs. Carlotta etwa ist Lichtassistentin im Film und
	Stipendiatin.

	„Das Schöne hier für uns ist auch, dass es denen eben nicht um Profite
	geht“, sagt Schoell über die selbstorganisierte Galerie. „Die wollen
	einfach, dass Leute hier herkommen und das machen, was sie begeistert.“
	Ihre Ausstellung soll in einer großen Halle hinter der Galerie stattfinden,
	die der Kreativgesellschaft gehört. Um die eigentlich recht hohe Miete für
	den Raum zu finanzieren, bewirbt sie sich derzeit auf Förderungen. Sollte
	das nichts werden, wird sie aber auch so dort ausstellen dürfen. Man finde
	es schließlich gut, den Ort wieder lebendig zu sehen. Man habe
	coronabedingt zwar keinen engen Kontakt, sehe sich aber gegenseitig
	arbeiten. Da ihr Studium seit der Pandemie vorwiegend online stattfand, war
	neben den Räumlichkeiten, in denen man sich hatte ausprobieren können, eben
	auch das weggefallen: Austausch.

	## Collagen aus dem Nichts

	Zwar sei es mit Härtefallanträgen oder unter anderen Hürden möglich,
	alleine in die Ateliers der Universitäten zu kommen, worum es aber primär
	gehe, sei die Begegnung mit Lehrenden und anderen Studierenden. Alleine im
	Atelier zu arbeiten, sei „nur 50 Prozent dessen, was deine Arbeit
	schlussendlich ausmacht“, sagt von Haebler. „Es geht ja viel darum,
	rauszugehen, seine Sachen zu zeigen und ins Gespräch zu kommen.“ Für sie
	ist die Uni eben genau das: ein Ort, an dem man anderen Künstler:innen
	begegnet, sich aneinander reibt und sich immer wieder damit konfrontiert,
	was andere in der eigenen Kunst sehen. Weil das Online-Studium ihr das
	derzeit nicht bieten kann, möchte von Haebler im kommenden Semester ein
	Urlaubssemester nehmen und pausieren, bis Präsenzlehre wieder möglich ist.

	Klara Schoell sagt, ihr fehle, dass der Professor in den Prozess der
	Erschaffung ihrer Bilder eingreifen kann. Zwar könne man auch jetzt noch
	Termine vereinbaren, um die eigenen Arbeiten zu besprechen, aber diese
	situative, manchmal zufällige Rückmeldung gebe es nicht mehr. „Wenn mein
	Professor mir im Vorbeilaufen sagt, dass etwas nicht funktioniert, so wie
	ich es gerade mache oder auch, dass mein Bild jetzt fertig ist und ich
	aufhören soll, dann nehme ich das sehr ernst, dann hilft mir das oft.“ In
	ihrer Kunst sind die beiden Künstler:innen also durch die Pandemie mehr
	auf sich gestellt, mehr alleine.

	Mit den Themen ihrer Kunst wohl nicht: Warten, Protest, Unheimlichkeiten,
	dem Nichts und nicht zuletzt der Fragilität unserer Lebensentwürfe. Es sind
	Themen, die nach einem Jahr Lockdown und zum Teil ungewissen Perspektiven
	die meisten beschäftigen. Verändert sich die künstlerische
	Auseinandersetzung mit diesen Themen, wenn eine globale Pandemie die
	Mehrheit der Gesellschaft dazu zwingt?

	„Ich würde mich jetzt immer dagegen wehren, zu sagen, dass man die Pandemie
	in meinen Bildern sieht“, sagt von Haebler. „Aber mein eigenes Erleben
	spielt in meiner Kunst definitiv eine große Rolle und das, was um mich
	herum passiert, wird wohl immer irgendwie verarbeitet.“

	Auch Klara Schoells Intention war es nicht, „Vom Warten“ auf die Länge des
	Pandemiejahres zu beziehen oder ein konkretes Pandemiegefühl darzustellen.
	Trotzdem wirke diese Zeit natürlich immer irgendwie mit, ob in der
	Interpretation der Betrachtenden oder in ihr im Erschaffungsprozess, sagt
	sie.

	Auf einigen der Bilder, die sie malt, sieht man die abstrakte Gestalt
	vermummter Demonstrant:innen. Mist, habe sie gedacht, das wird ja nun
	völlig anders interpretiert werden. Man werde Menschen mit Maske in einer
	Pandemie in einem Bild sehen, in dem es nie darum ging.

	„Eigentlich ist es aber auch egal“, sagt Schoell. Was sie beschäftige, sei
	vor allem die Stimmung, erzählt sie. „Mir scheint, als sei alles irgendwie
	viel geladener. In Hamburg waren bei Demonstrationen jetzt immer Pferde und
	Polizei, wirklich ein wahnsinniges Aufgebot, und alle mit Abstand, kesseln
	geht nicht mehr – es kann eigentlich gar nichts passieren und trotzdem ist
	diese Spannung da.“ Genau das, worum es in „Vom Warten“ geht, ist gerade
	wohl besonders stark wahrnehmbar. Und auch dann, wenn sie ihrer Ausstellung
	einen anderen Titel gegeben hätte oder bestimmte Bilder nicht zeigen würde,
	seien Interpretation und Erschaffungsprozess nun mal gerade auch von der
	Coronasituation beeinflusst.

	Carlotta von Haebler und Klara Schoell sind gespannt darauf, wie man das
	irgendwann rückblickend beurteilen werde. Alles Pandemiekunst? Wer weiß.

	Pfund & Dollar – Galerie und Werkstatt im Oberhafen, Hamburg; Infos:
	www.pfundunddollar.de; klara-schoell.de;
	mentoring.hfk-bremen.de/carlotta-von-haebler

	6 Apr 2021

	## AUTOREN

	Johanna Sethe

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