# taz.de -- Die Abstraktion der Arbeit

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	> Im Oldenburger Kunstverein sind „Foto Arbeiten“ des Leipziger Künstlers
	> Adrian Sauer zu sehen. Sie zeigen den Übergang von analoger zu digitaler
	> Produktion in der Fotografie

	Bild: Die analoge Kamera als Museumsstück. Adrian Sauer hat sie fotografiert

	Von Mira Nass

	„Eine Fotografie der Kruppwerke oder der A.E.G.“, schrieb Walter Benjamin
	1931, Bertolt Brecht zitierend, „ergibt beinahe nichts über diese
	Institute. Die eigentliche Realität ist in die Funktionale gerutscht. Die
	Verdinglichung der menschlichen Beziehungen, also etwa die Fabrik, gibt die
	letzteren nicht mehr heraus.“ Was Brecht meinte: Eine Fotografie der Fabrik
	sagt nichts über die Fabrik aus. Denn sie verschweigt all ihre komplexen
	Zusammenhänge: die Produktion, die Lohnarbeit, das Kapital. Mit der
	Automatisierung schreitet die Abstraktion der sichtbaren Arbeit stetig
	voran.

	Im Oldenburger Kunstverein ist derzeit die Ausstellung „Foto Arbeiten“ des
	Leipziger Künstlers Adrian Sauer zu sehen. Auf welches Verhältnis von
	Fotografie und Arbeit spielt sie an? Es ist zunächst einmal die Fotoarbeit
	selbst. Die Ausstellung umfasst 17 Werke, entstanden zwischen 2008 und
	2020. Sie bietet damit einen umfassenden Einblick in das professionelle
	Schaffen des Fotografen. Frontal zum Eingang hängt sein bekanntestes Werk,
	„16.777.216 Farben“ (2010). Aus der Distanz scheint es einheitlich grau,
	aus der Nähe offenbart sich eine schier endlose Fläche aus bunten Pixeln.
	Der fast 5 Meter lange Print erzählt von der Berechenbarkeit und der
	Endlichkeit des digitalen Raums, denn er umfasst den gesamten Farbraum des
	RGB-Farbmodus.

	Die Rolle von Farbe als zentrales Arbeitswerkzeug der Fotografie wird auch
	in der Serie „Raum für Alle“ (2015) thematisiert: Auf Basis meist
	schwarzweißer Fotografien aus dem Bauhaus-Archiv Berlin rekonstruierte
	Sauer am Computer einzelne Zimmer aus dem Direktorenhaus von Mies van der
	Rohe, den Meisterhäusern Feininger und Albers oder einer Volkswohnung. Die
	Fotografien werden digital erarbeitet. Eingefärbt und mit
	Oberflächenstrukturen versehen bieten sie Einblicke in seltsam konserviert
	wirkende Interieurs. Das erinnert an Thomas Demands Fotografien von aus
	Papier nachgebauten Raummodellen. Beide Fotografen zeigen einen Raum, ohne
	diesen zu zeigen.

	In der mehrteiligen Arbeit „Parkett“ (2016) verdeutlicht sich die
	illusorische Kraft der Fotografie. 36 Aufnahmen präsentieren Ausschnitte
	eines vermeintlichen Holzbodens. Diese serielle Reihung fragt danach, wie
	lückenlos Fotografie eine (Ober-)Fläche zu kartografieren vermag, und
	verweist auf ihr imitierendes Potenzial, das im Alltag zwar omnipräsent
	ist, häufig jedoch unbemerkt bleibt: Der Bodenbelag PVC etwa suggeriert
	mithilfe der Fotografie eine hölzerne Oberflächenstruktur, wo kein Holz
	ist. Offen bleibt daher, ob wir in „Parkett“ Aufnahmen eines Parkettbodens
	oder Aufnahmen von Aufnahmen eines Parkettbodens sehen. Doch der
	Unterschied scheint gar nicht relevant. Denn Sauer geht es mit der Spannung
	zwischen Sehen und Wissen weniger um Form und materielle Präsenz des
	abgebildeten Gegenstands als vielmehr um die Fotografie als einer
	Oberflächenerscheinung sowie die fotografische Arbeit mit und an
	Oberflächenerscheinungen.

	„LEICA M9-P Edition Hermès. Série Limitée Jean-Louis Dumas“ (2013) und
	„Unboxing Photoshop“ (2011) machen Anleihen bei einer modernen Sach- oder
	Werbefotografie. Einmal sehen wir zwei Hände in weißen Stoffhandschuhen,
	wie sie Museumskuratorinnen oder Archivarinnen bei der Arbeit mit
	Originalen tragen. In vier Einzelaufnahmen präsentieren sie einem
	Auktionskatalog gleich die Hermès-Edition der Leica vor grauem Untergrund.
	Das andere Mal öffnen zwei Hände in zwölf Schritten ein Paket. Es enthält
	eine CD der Bildbearbeitungssoftware Photoshop.

	Diese mehrteiligen Arbeiten stellen jeweils eine Reminiszenz an
	fotografische Arbeitswerkzeuge dar, die ihre Relevanz eingebüßt haben –
	oder sich vollends vom Materiellen gelöst. Heute ist die Leica ein
	Sammler*innenstück, einst spannte sich um sie ein Mythos: Zu Beginn des 20.
	Jahrhunderts etablierte sie das Kleinbildformat, das viel leichter zu
	transportieren war als die sperrigeren Mittel- oder Großformatkameras. Mit
	ihr waren Tempo, Dynamik und Fortschritt verbunden. Photoshop ist bis heute
	Standardprogramm vieler Fotograf*innen. Doch längst ist die Software als
	Download vom physischen Datenträger befreit. Die Fotografie ist stets „auf
	Prozesshaftigkeit und Erneuerung“ (Maren Lübke-Tidow) angelegt.

	An Sauers Werkkomplex lässt sich der zentrale Paradigmenwechsel der
	Fotografie vom Analogen zum Digitalen untersuchen. Der Künstler hatte
	diesen während seines Studiums unmittelbar erfahren und zu seiner
	künstlerischen Grundlage gemacht. Seine Fotografien ermöglichen uns die
	kritische Analyse eines Wandels des Arbeitsbegriffs, der zunehmend
	dringlicher wird. Denn was Brecht in seinem berühmten Zitat auch sagte: „Es
	ist also ebenso tatsächlich Kunst nötig.“

	Bis 8. November, Oldenburger Kunstverein

	30 Sep 2020

	## AUTOREN

	Mira Anneli Naß

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