# taz.de -- Die infiltrierte Mode

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	> Junge Performancekünstler arbeiten vermehrt mit Modedesignern zusammen,
	> disziplinäre Grenzen verschwimmen. Eine Bedrohung für die Autonomie der
	> Kunst?

	Bild: Aua! Spitze Schuhe, ebenfalls von Balenciaga

	Von Donna Schons

	Das Oratorio San Lorenzo ist eine jener wunderschönen Kirchen, die im
	erzkatholischen Palermo mindestens genauso häufig im Stadtbild auftauchen
	wie Streetfood-Stände, an denen für wenig Geld Milzbrötchen oder in
	riesigen Bottichen gekochte Minischnecken feilgeboten werden. Die barocken
	Stuckreliefs des elfenbeinfarbenen Saals werden dieser Tage durch ein
	scharfkantiges Gerüst aus schwarzem Metallgitter konterkariert. Das Gerüst
	dient zugleich als Sitzgelegenheit für die Besucher und als Kulisse für die
	junge Performancekünstlerin Nora Turato – denn Palermo ist 2018 nicht bloß
	italienische Kulturhauptstadt, sondern auch Austragungsort der
	Wanderbiennale Manifesta, die sich in den Palazzi, Theatern und Kirchen der
	Stadt eingenistet hat.

	Es ist einer der ersten offiziellen Eröffnungstage im Juli 2018. Ein
	Großteil der aus Kritikern, Sammlern, Künstlern und schönen jungen Menschen
	bestehenden Artcrowd hat die Stadt bereits wieder verlassen, sie durften
	sich schon bei der exklusiven Preview ein Bild von der Biennale machen. Im
	Oratorio ist es dementsprechend leerer als an den Tagen zuvor, als Turato
	den Raum betritt. Ihr Schritt ist entschlossen und ebenso schnell wie der
	Schwall an Worten, der sich in der kommenden halben Stunde über die
	Zuschauer ergießen wird. Turato hält einen Monolog über weibliche Hysterie
	und Emotionalität im digitalen Zeitalter, der gespickt ist mit
	popkulturellen Referenzen und in seiner aufbrausenden Sprunghaftigkeit der
	Semantik von Onlinediskussionen ähnelt.

	Dabei schwingt sie um die Stangen des Gerüsts herum, hockt sich neben die
	Besucher auf die Sitzflächen und reckt sich von dort aus empor, um ihre
	Botschaft über die Metallwände zu rufen. Die Leichtigkeit, mit der sie
	diese Bewegungen vollzieht, ist beeindruckend, denn neben einem wadenlangen
	Corsagenkleid trägt Turato kurze Stiefel mit einem sehr hohen, sehr dünnen
	Absatz. Die Schuhe aus bunt gemustertem Spandex laufen vorne spitz zu,
	ohnehin scheinen sie nur aus geschwungenen Linien und Spitzen zu bestehen –
	es handelt sich um den Knife Bootie der Marke Balenciaga. Turato wird für
	ihre Performances in Palermo wie schon zuvor bei der Kunstmesse Liste von
	Balenciaga ausgestattet. Die Kleidungsstücke variieren, gemein haben aber
	alle Outfits die spitzen hohen Schuhe.

	Dass Modedesigner und Künstler sich zusammentun, ist nichts Neues. Schon
	lange entwerfen Künstler für Designerlabels Sondermodelle von Handtaschen
	und Schuhen, während Modedesigner sich mit Kostümen für Ballette, Opern und
	Varietéshows revanchieren. Und spätestens seit Alexander McQueen bei seiner
	Frühjahrs-Show 1999 ein Model auf einem rotierenden Podest zwischen zwei
	Roboterarmen platzierte, die ihr weißes Kleid mit Farbe bespritzten, sind
	auch die Grenzen zwischen Modenschauen und Performances fließend. Ähnlich
	wie Galliano sich einst von der Installationskünstlerin Rebecca Horn
	inspirieren ließ, arbeitet heute Kanye West für die Modenschauen seiner
	Streetwear-Marke Yeezy mit der Performancekünstlerin Vanessa Beecroft
	zusammen, die für ihre Werke junge Frauen bis zur Erschöpfung in einer Pose
	verharren lässt. Die Liste ließe sich ewig weiterführen: Jungdesigner Ximon
	Lee arbeitet für seine Show mit dem chinesischen Soundkünstler Pan Daijing
	zusammen, das Label Telfar präsentiert seine Kollektion bei einem Festival
	der Londoner Serpentine Gallery und die Marke Hood By Air holte sich 2016
	die Kunst ganz buchstäblich in die Show, indem sie den Fotografen Wolfgang
	Tillmans über den Laufsteg laufen ließ.

	Ungeachtet all jener Verknüpfungspunkte wirkt es dennoch befremdlich,
	Balenciaga-Teile in einer Performance im klassischen Kunstkontext zu sehen.
	Es erinnert ein wenig an die Praxis von Luxusmarken wie Prada und Louis
	Vuitton, pompöse Kunstsammlungen zu eröffnen und so kulturelles Kapital zu
	gewinnen. Dem Idealbild einer autonomen Kunst, die anders als Modelabels
	keiner ökonomischen Logik folgt, entspricht jenes Bild nicht. Als ich mich
	mit einem Freund nach der Performance darüber unterhalte, zuckt dieser mit
	den Schultern: „Ich habe gar nicht erkannt, dass ihre Kleidung von
	Balenciaga ist“. Damit bringt er das Designkonzept von Balenciaga unter dem
	aktuellen Creative Director Demna Gvasalia auf den Punkt: Es ist eine
	konzeptionelle Form des Modedesigns, die maßgeblich auf einem
	Eingeweihtsein basiert. Gvasalia appropriiert Bernie Sanders’Wahlkampflogo
	und druckt es auf Hoodies und überdimensionale Daunenschals, näht ein Hemd
	an die Vorderseite eines T-Shirts und verkauft das Resultat für 1.290
	Dollar. Und fertigt eine Lederkopie der ikonischen blauen
	Ikea-Einkaufstasche, die noch mal fast das Doppelte des Shirts kostet. Es
	ist eine konzeptuell und referentiell überdrehte Weiterführung des Ugly
	Chic, den Miuccia Prada Mitte der 90er Jahre ins Leben rief. Wer die
	popkulturellen Referenzen und Metakommentare über die Modeindustrie, die
	hinter Balenciagas Teilen stecken, nicht versteht und nicht bereit ist,
	sich auf das höchst selbstironische Spiel einzulassen, bleibt ebenso ratlos
	zurück wie ein Museumsbesucher, dem angesichts eines minimalistischen
	Kunstwerks nichts anderes einfällt als: „Das hätte ich auch machen können.…

	In ihrer selbstironischen, von den Referenzlogiken des Internets geprägten
	Formsprache passen die Balenciaga-Teile, das muss man allem Kunstpurismus
	zum Trotz zugeben, hervorragend in Turatos Performances. Ohnehin ist jene
	Kollaboration, zu deren ökonomischen und ideellen Hintergründen sich auf
	Nachfrage leider weder Turato selbst noch Balenciaga äußerten, nur eines
	von vielen Beispielen dafür, dass die Disziplingrenzen von konzeptueller
	Mode und Kunst heute nicht mehr klar abgesteckt werden können.

	Lukas Hofmann ist einer von zahlreichen jungen Künstlern, die ihre Praxis
	angesichts dieser Tatsache im Interdisziplinären verorten. Hofmanns
	Performances wirken wie neopagane Rituale zur Austreibung der Beklemmungen
	des 21. Jahrhunderts: Da sind die ätherischen Öle, die er verwendet, das
	rötliche Licht von über Smartphone-Taschenlampen gehaltenen Fingerkuppen,
	und da sind Performer, die ihre Gesichter gegen Glasscheiben pressen und
	sich gegenseitig mit ihren Armen umschließen, ohne sich zu berühren.

	Mode spielt eine entscheidende Rolle in diesen Performances, meist stylt
	der Künstler seine Akteure selber und lässt die hierzu verwendeten Stoffe
	in verschiedenen Werken immer wieder auftauchen. Auch Hofmann hat bereits
	mit avantgardistischen Labels wie Ottolinger und Anne Sofie Madsen
	zusammengearbeitet – Modenschauen, betont er, sind seine Performances
	deshalb noch lange nicht: „Ich habe mich immer initiativ an die Designer
	gewendet und dabei stets sichergestellt, dass ich bestimmen darf, wie die
	Teile angezogen und kombiniert werden.“ Hofmanns Ansicht nach können Mode
	und die Kooperation mit Labels in der Performancekunst als Moderator,
	Katalysator, aber auch als Inhibition dienen. Letztendlich ist die Fusion
	von Mode und Performancekunst, ähnlich dem Absatzlauf auf einem
	Metallgerüst, vor allem eins: ein schwieriger Balanceakt.

	4 Sep 2018

	## AUTOREN

	Donna Schons

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