# taz.de -- Vom kurzen Moment der Freude

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	> Immer war Sarah Schumann eine „gestandene Malerin“, hat sich Kunst,
	> Unabhängigkeit und Lebensunterhalt erkämpft. Bevor sie 1968 in ihre
	> Geburtsstadt zurückkam, lebte sie in London und Italien. Trends
	> interessierten sie nicht. Heute wird sie siebzig

	von WALTRAUD SCHWAB

	Sarah Schumann wird siebzig, aber es will nicht passen. „Wie kurz ein Leben
	ist“, sagt sie. „Und was ich alles gemacht habe. Nicht nur gemalt. Und wie
	viele Bücher ich in meinem Leben gelesen habe. Gute Bücher. Und ich weiß es
	nicht einmal mehr.“

	Die Künstlerin sitzt in ihrem Atelier in Charlottenburg und blickt auf die
	blühenden Hortensien vor ihrem Fenster. Die karminroten Blütendolden neigen
	sich dem Haus zu. Die Intensität der Farbe, das Mattglänzende der
	Oberfläche sucht Schumann in ihren Bildern mit Pigmenten und Holzleim
	nachzubilden. Eine Frage der Mischung, der Dichte. Aber die Kunst bleibt
	hinter der Natur zurück: „Was ein Blumenblatt hat, das kannst du nicht
	herstellen. Was so ein Blatt aushält an Regen und Wind!“ Schumann hegt die
	Pflanzen vor ihrem Fenster. Die zufällige Harmonie zwischen innen und außen
	ist gewünscht. Rot ist die Lieblingsfarbe der Malerin. Sie hat eine Bluse
	in Pink an, eine hummerfarbene Jacke, einen violetten Rock. Ihre Haare sind
	rot gefärbt. Dazu trägt sie ein Kreuz besetzt mit rosafarbenen Steinen um
	den Hals, eine zinnoberrote Uhr und purpurfarbenen Lippenstift. Sie dreht
	sich eine Zigarette. Selbst ihr Tabak ist in einer roten Verpackung. „Ich
	baue die Bilder wie Architektur“, sagt sie. Und die Wahl der Farben der
	Kleidung, ist das Zufall? „Wenn du Kunst machst, machst du etwas über das
	Handwerk hinaus“, antwortet sie.

	An der Wand hängt ein unfertiges Porträt. Darauf Fleur Jaeggy. Fleur –
	Blume. Die italienische Schriftstellerin schreibt Sätze wie: „Schmerz,
	dachte er, hebt die Unterschiede zwischen den Jahreszeiten auf.“ Oder:
	„Haben Sie vielleicht den kühnen Wunsch gehabt, nach dem zu suchen, der
	nicht mehr existiert?“ Auf dem Bild wirkt Jaeggy bereits durch die Kontur
	festgehalten, sogar zementiert. Ihre manierierte Handbewegung verstärkt den
	Eindruck körperlicher Starre. Eine Frau ist zu sehen, die an sich halten
	muss. Dieser Eindruck wird durch die Farben, die die Malerin wählt,
	verstärkt. Fleur Jaeggys Kleid ist ein flächiges Violett, der noch
	unvollständige Hintergrund streng in Schwarzgrün und Blau gehalten. Kühle
	Farben sind es, denen durch die pelzig wirkende Dichte der Pigmente ein
	Maximum an Wärme abgerungen wird.

	Seit fünfzig Jahren spielen Frauen in den Arbeiten Schumanns eine zentrale
	Rolle. Aufgefallen ist sie Anfang der Sechzigerjahre mit „Schock-Collagen“,
	bei denen weibliche Figuren in einer von Kriegschiffren gekennzeichneten
	Umgebung platziert sind: Mal ist ein Frauengesicht der Boden eines
	Explosionstrichters, mal wird die Physiognomie von Frauen durch
	Schlachtfelder nachgezeichnet. Auch Marilyn Monroe taucht in den Collagen
	als Ikone bereits auf. Ihr Kleid verschmilzt mit den Flammen eines
	Kriegsinfernos. Fotos aus Paris-Match hat Schumann für diese Collagen
	genommen, erzählt sie.

	Einen Zusammenhang zwischen den frühen künstlerischen Arbeiten und eigenen
	Erfahrungen aus dem Krieg will die Malerin nicht sehen. Den hat die in
	Berlin Geborene vor allem aus der Perspektive eines Flüchtlingskindes in
	Erinnerung. „Natürlich der Schrecken“, sagt sie. Geblieben sei eine
	Faszination. Früher jene für die Gewalt, heute jene für die Logistik des
	Krieges. „Eine schreckliche Leistung.“

	Die Collage hat Schumann nie aufgegeben, wenngleich sich die Idee des
	Zusammengefügten über die Jahre veränderte. Viel übermalte Fotografie
	findet sich in ihrem Werk. Seit dem Fall der Mauer experimentiert die
	Künstlerin zudem mit einem Mix aus Schrift, Gezeichnetem und Gemaltem.
	Meist sind es landschaftliche Impressionen aus der DDR und Russland.Wie
	sich aufgelösende Grafiken wirken die Bilder. Als müsse der ehemalige Osten
	erst aus der symbolischen Fixierung auf den „Eiserner Vorhang“ gelöst
	werden.

	Die figurative Malerei hat Schumann ebenfalls nie verworfen. Menschen,
	Landschaften, Tiere – selbst eingefangen in abstrakte Kompositionen sind
	sie doch zu erkennen. „Ich konnte mich letztlich nur figurativ ausdrücken“,
	sagt sie. Damit hat sie jahrelang gegen den Trend gemalt. Es sei nicht
	kalkuliert gewesen, meint sie. „Ich gehe nicht nach Mitte und schaue, was
	gezeigt wird. Weil es mich langweilt und ich keine Zeit mehr habe.“

	Einsamkeit ist der Preis für solchen Eigensinn. „Ich kann sie ertragen,
	obwohl es schwer ist“, sagt Schumann. Die Malerei sei aus dem Mainstream
	verschwunden, weil die Künstler die Einsamkeit nicht aushielten. „Du bist
	mit dem Werk allein.“ Schuman hat trotzdem bewusst so einen Weg
	eingeschlagen.

	Anfang der Sechziger geht sie nach London. Ein radikaler Schnitt. „Tabula
	rasa“, sagt sie. Sie verabschiedet sich von Mann, Land und Sprache. Aber
	London ist teuer. Deshalb zieht sie weiter nach Italien, kauft sich eine
	verfallene Villa in Piemont. „Okay, dann lebe ich autark, pflanze Tomaten“,
	erinnert sich Schumann. „Es war eine Täuschung. Das Haus war eine halbe
	Ruine. Ich wollte es wieder in Schuss bringen. Das hat mich ruiniert. Dazu
	das Klima. Diese Vehemenz: Regen, Regen. Hitze, Hitze.“

	Nur in kurzen Sätzen teilt sich Schumann mit. Wo andere ihre Lebensfülle
	barock auftischen, wenn sie erzählen, fühlt sie sich bereits nackt. Deshalb
	sucht sie beim Sprechen den Blick ins Weite. Halbprofil. Da sind die
	Fluchtlinien am stärksten. Da bricht sich das Versprechen auf Inhalt an der
	äußeren Form.

	In Italien jedenfalls gerät Schumann in einen Zustand großer Isolation und
	kann drei Jahre überhaupt nicht mehr malen. Für eine, die sich damit immer
	ihren Lebensunterhalt verdient hat, eine existenzielle Bedrohung. „Ich
	hatte mir mein Leben schön und reich und sesshaft und üppig gedacht. Nicht:
	Was ausprobieren und scheitern.“ Auf dem Tisch in ihrem Atelier stehen alte
	Pesto-, Kapern- und Olivengläser, die nun mit Pigmenten gefüllt sind. In
	den Namen der Farben versteckt sich die Sehnsucht des Südens: Ultramarin.
	Umbra. Siena.

	Schumann geht 1968 zurück nach Berlin. Genau zur richtigen Zeit, um endlich
	Resonanz zu bekommen, auf ein bis dahin unausgesprochenes Begehren in ihr:
	Jenes, als Frau in der Gesellschaft akzeptiert zu werden. Sie trifft auf
	die Pionierinnen der neu im Entstehen begriffenen Frauenbewegung, darunter
	die Filmemacherin Helke Sander. Und sie schließt sich der Gruppe „Brot und
	Rosen“ an. Die, die da dabei sind, gelten als die Pragmatikerinnen und
	Ästhetinnen unter den Frauenbewegten. Als Detektivinnen spüren sie die
	falschen Verankerungen von Frauen in der Gesellschaft auf. Ihre eigenen mit
	inbegriffen.

	Auch zu den Initiatorinnen der Ausstellung „Künstlerinnen international“,
	die 1977 im Schloss Charlottenburg gezeigt wird, gehört Schumann. Zum
	ersten Mal wird in Berlin umfassend das Schaffen von Frauen der letzten 100
	Jahre, das bis dahin von der Kritik und den Mäzenen kaum wahrgenommen
	wurde, vorgestellt.

	Heute kann der Katalog dieser Ausstellung wieder als Nachschlagewerk
	gelesen werden für all die Künstlerinnen, die nach dem Höhenflug der
	Frauenbewegung erneut ins Vergessen geraten sind. „Nichts ist daraus
	entstanden“, sagt Schumann. „Keine Museen, keine Galerien für Frauenkunst
	wie in den USA. In Deutschland hast du Glück, wenn du genug Bilder
	verkaufst, um davon leben zu können“, sagt die Künstlerin. „Es ist eine
	wahnsinnige Leistung, als gestandene Malerin zu bestehen. Sich alles zu
	erkämpfen. Die Kunst, die Unabhängigkeit“, sagt Schumann.

	In den letzten Jahren hat Schumann vor allem Porträts gemalt. Eigenwillige.
	Meist sind nur das Gesicht und die Hände der Abgebildeten ausgeführt. Der
	Körper löst sich in einer farbig-grafischen Umgebung auf. Das Spartanische
	dieser Gestaltung lässt sich jedoch noch als Symbol für die Personen lesen.
	Roman Herzog, Muhammad Ali, Marilyn Monroe sind unter denen, die sie auf
	diese Weise großformatig ins Bild gesetzt hat.

	Den jüngsten künstlerischen Schritt hin zur Auflösung von Bedeutung, auch
	der symbolischen, hat Schumann nach einer Reise in die Sowjetunion
	ausprobiert. Dort hat sie sich von der Ikone inspirieren lassen. „Es ist
	reine Malerei ohne Psychologie, ohne Deutung der Seele. Nur die Kontur. Das
	hat mich beeinflusst“, erklärt sie. Deshalb hat sie in den letzten zwei
	Jahren einen Zyklus großer Madonnenbilder gemalt. Verführt von dem
	Gedanken, der die Künstler früher getrieben hat. „Wenn du nicht für das
	reiche Bürgertum, Könige oder die Kirche als Auftraggeber malst, sondern um
	Gott zu gefallen, dann musst du mehr leisten. Trotzdem bleibt der Künstler
	vor Gott, der in dieser Denkweise als der originärste Schöpfer überhaupt
	gilt, immer die zweite Garnitur.“ Sind ihre Bilder demnach so etwas wie der
	Neorenaissance verpflichtet? „Wozu brauchen Sie ein Label?“, fragt
	Schumann.

	Mit ihrer Freundin, der Literaturwissenschaftlerin Silvia Bovenschen, lebt
	Schumann in dem beschaulichen Winkel Berlins am südlichen Lietzensee. Viele
	Häuser sind von wildem Wein umrankt. Die Wohnung der beiden Frauen wirkt
	wie die Enklave einer wenig beachteten weiblichen Bohème. Deren einzige
	Sehnsucht: „Nur noch das Wichtige im Leben tun.“ Was ist das Wichtige?
	„Lesen, Schreiben, mit Sarah leben“, sagt Bovenschen. Und Sarah Schuman
	sagt: „Ich will etwas erarbeiten, was mir gefällt. Da bin ich egoistisch.
	Wenn ich etwas fertig gemacht habe und weiß, dass es gelungen ist, dann
	habe ich den kurzen Moment von Freude. Man könnte es auch Glück nennen. Das
	ist ja sehr viel.“

	12 Aug 2003

	## AUTOREN

	WALTRAUD SCHWAB

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