# taz.de -- Der informelle Sektor Kunst

	# taz.de -- Der informelle Sektor Kunst

	> Kunst Das Motto der 11. Manifesta in Zürich lautet „What People Do For
	> Money“. Die griechische Künstlerin Georgia Sagri hat eine Videoarbeit
	> darüber gemacht, was Künstler für die Manifesta leisten sollen

	Bild: Georgia Sagri, Documentary of Behavioural Currencies, Installation View, …

	Interview von Gina Bucher

	taz: Frau Sagri, aus einer Liste von 1.000 Berufen, die in Zürich ausgeübt
	werden, haben Sie sich als Gastgeberin eine Bankerin ausgesucht. Was ist
	aus dieser Kollaboration entstanden?

	Georgia Sagri: Aus den Begegnungen mit Josephin Varnholt ist die Arbeit
	„Documentary of Behavioral Currencies“ entstanden. Die zwei identischen
	Skulpturen, bestehend aus einem Video, Textfahnen und je einem Porträt,
	werden sowohl in der Manifesta-Ausstellung im Löwenbräu als auch in der
	Bank Julius Bär, dem Arbeitsplatz von Frau Varnholt, gezeigt. Die
	Installationen dokumentieren den Versuch, wie Josephin Varnholt und ich
	die Abstände zu überwinden versuchen, die uns aufgrund unserer
	unterschiedlichen gesellschaftlichen Rollen trennen.

	Zudem ist eine zweite Arbeit mit dem Titel „Georgia Sagri as Georgia Sagri
	(still without being paid as an actress)“ entstanden, die die Reaktionen
	des kuratorischen Teams der Manifesta auf die erste Arbeit reflektiert und
	zugleich die Zusammenarbeit mit der Manifesta überhaupt. Diese Arbeit zeige
	ich in der Galerie Up State, die nicht Teil der offiziellen
	Manifesta-Ausstellung ist.

	Sie legen den Vertrag zwischen Ihnen und der Manifesta offen. Warum?

	Es ging mir darum, die Idealisierung der Arbeit und ganz konkret die
	Idealisierung der künstlerischen Arbeit zu durchbrechen. Und das heißt eben
	auch, offenzulegen, was es bedeutet, wenn Künstler bestimmte Arbeiten für
	Geld erledigen. Im Rahmen der Manifesta stand jedem Künstler ein bestimmtes
	Budget zu. Gleichzeitig wurden von den Künstlern Making-of Videos erwartet,
	um weitere Gelder für die Manifesta zu akquirieren und so zumindest einen
	Teil der Aufgaben der Kuratoren zu übernehmen. Das wollte ich nur unter der
	Bedingung machen, nicht selbst als Künstlerin, sondern als Schauspielerin
	zu erscheinen, die innerhalb dieses Manifesta-Marketing-Rahmens die Rolle
	der Künstlerin Georgia Sagri spielt. Gerade im Kontext einer Ausstellung
	mit dem Titel „What People Do For Money“ sollte diese Rolle, mein
	öffentliches, zur Schau gestelltes Auftreten und das heißt auch meine
	Arbeitskraft, nicht nur richtig bezahlt, sondern auch öffentlich
	artikuliert werden.

	In Ihrer zweiten Arbeit sieht man, wie Sie mit zwei unkenntlich gemachten
	Personen des Manifesta-Teams diskutieren. Worüber verhandelten Sie?

	In der Diskussion geht es genau um diese Frage der Artikulation, also
	darum, wie dieses Video im Manifesta-Katalog erwähnt wird. Mir war es
	wichtig, dass mein Making-of Video unter dem Titel „Georgia Sagri as
	Georgia Sagri (still without being paid as an actress)“ aufgeführt wird.
	Der Titel sollte verdeutlichen, dass mein Erscheinen dort nicht
	selbstverständlich ist und vor allem nicht authentisch ist, wenn man so
	will. Sie meint die Arbeit an einer Rolle, die nichts mit dem Ideal einer
	künstlerischen Profession zu tun hat.

	Warum sind Ihnen diese Verhandlungen wichtig?

	Sie sind, was ich „Behavioral Currencies“, also Verhaltenswährung nenne.
	Ich wollte dokumentieren, wie sich Menschen verhalten, wenn sie verhandeln;
	wie sie ihr Einverständnis geben oder entziehen und auf welche Weise sie
	mit Konflikten umgehen. All diese Arten des Benehmens sind Währungstypen,
	weil die Entscheidung darüber, ob wir etwas tun oder nicht tun, einen
	bestimmten Wert haben. Letztlich bezahlen wir nämlich den anderen auch in
	Form von hartem Geld, je nachdem, wie er sich in solchen Verhandlungen
	verhält.

	Sind Sie mit Ihren Verhandlungen zufrieden?

	Ich bin sehr glücklich mit der Arbeit und wie sie nun im Katalog
	präsentiert wird. Ich musste zwar hart verhandeln, aber letztlich geht es
	in der Arbeit eben genau darum. In meinem konkreten Fall ging es dabei auch
	darum, sichtbar zu machen, dass selbst die bürokratischen und verwaltenden
	Strukturen von künstlerischen Institutionen auf eine Art angelegt sind,
	dass sie aus der Arbeit der Künstler nicht nur Kapital schlagen, sondern
	ein verdinglichtes ideales Bild der künstlerischen Arbeit vermitteln, das
	nicht der Realität entspricht.

	Wie verhalten sich KünstlerInnen und Institutionen zueinander?

	Das Verhältnis lässt sich als ein großes Missverständnis beschreiben:
	Obwohl man ohne die Arbeit des Künstlers überhaupt nichts zeigen und
	ausstellen könnte, obwohl die Institutionen ohne den Künstler sinnlos
	wären, muss sich der Künstler seltsamerweise allen möglichen Entscheidungen
	beugen, die mit dem Branding, dem Marketing und der Außendarstellung einer
	solchen Institution wie der Manifesta zu tun haben. Im Übrigen gilt das
	auch für die Mitarbeiter, die dafür sorgen, dass ein Werk überhaupt
	installiert wird und ohne die ebenfalls keine Ausstellung zustande kommen
	würde. Mir ging es darum, auf diese Verhältnisse, die Rollenverteilungen
	und Zwänge aufmerksam zu machen. Denn wenn wir glauben, dass es sich hier
	um natürliche Zwänge handelt, die man einfach so hinnehmen muss, erliegen
	wir einer fatalen Illusion.

	In welcher Rolle sehen Sie sich als Künstlerin?

	Ich bin Künstlerin, ich werde nicht dafür bezahlt, die Arbeit der Kuratoren
	und Manager zu machen. Wenn ich ein Werk schaffe, dann nach meinem
	Verständnis – so, wie ich möchte, dass Menschen meine Arbeit sehen, und das
	bedeutet eben zugleich immer auch, wie sie die Welt sehen: Ich versuche in
	meinen Arbeiten nicht nur zu verstehen, wie die Welt hier und heute ist,
	sondern auch, wie sie in Zukunft sein könnte. Die Kunst hat immer den
	Vorteil, dem Betrachter intellektuelle Werkzeuge zur Verfügung zu stellen,
	um Situationen und ihre Grenzen und die hinter diesen Grenzen liegenden
	Möglichkeiten verstehen zu können. So verstehe ich die Funktion meiner
	Arbeit: Ich versuche mich und meine Sicht auf die Welt über meine Werke zu
	artikulieren.

	Sie bezeichnen Ihre künstlerische Praxis als „abenteuerliches Verhalten“ �…
	was meinen Sie damit?

	Wenn ich in die Bank gehe, um dort mit Frau Varnholt zu sprechen, dann
	betrete ich einen fremden, mir unbekannten Raum. Ich betrete diesen Raum
	aber sehr bewusst, mit einem Sinn für das verborgene Abenteuer, wenn Sie so
	wollen. Anders ausgedrückt, versuche ich mein Anliegen in verschiedenen
	linguistischen, rhetorischen und sozialen Systemen zu artikulieren, und das
	ist abenteuerlich. Denn meine künstlerische Produktion steht, wie im
	übrigen Kunst im allgemeinen, notwendigerweise in Wechselwirkung zu anderen
	Systemen, die nicht unbedingt etwas mit Kunst zu tun haben.

	Der Kunstkontext ist immer schon Teil anderer gesellschaftlicher und
	kultureller Zusammenhänge, beispielsweise setzt auch die Kunst eine
	bestimmte gesellschaftliche Übereinkunft voraus, wie die sogenannte
	Lohnarbeit gesellschaftlich organisiert ist. Wenn man sich über diese
	Zusammenhänge bewusst ist, wenn man versteht, dass es keine getrennten
	Systeme gibt, dass alle Systeme miteinander verbunden sind und sich
	beeinflussen, wird man feststellen, dass viele dieser Systeme unflexibel
	geworden sind; dass sie die agierenden Personen von vornherein in ihren
	Handlungen einschränken. Als Künstler aber hat man aufgrund der
	symbolischen Produktion die Möglichkeit, sich zwischen verschiedenen
	Systemen zu bewegen und von einem System ins andere zu übersetzen und so
	Blickpunkte und Möglichkeiten offenzulegen. Wenn ich das nicht kann, habe
	ich meine Arbeit als Künstlerin nicht gut gemacht. Dann habe ich nicht
	erreicht, was ich mit meiner Arbeit eigentlich erreichen möchte.

	Worin bestand für Sie das Abenteuer mit der Bankerin?

	Ich hatte mich aus verschiedenen Gründen dafür entschieden, eine weibliche
	Bankerin zu treffen. Obwohl es sich bei einer Bankerin und einer Künstlerin
	auf den ersten Blick um zwei Professionen handelt, die unterschiedlicher
	nicht sein könnten, gibt es eine Menge an erstaunlichen Übereinstimmungen
	zwischen uns, was zweifellos mit den gesellschaftlichen Mechanismen und
	genderspezifischen Stereotypen zu tun hat. Unabhängig vom eigentlichen
	Beruf kämpfen Frauen immer noch um Anerkennung in ihrer Arbeitswelt –
	Josephin Varnholt als Bankerin genauso wie ich als Künstlerin. Wir haben in
	dieser Hinsicht sehr viel mehr gemeinsam als zum Beispiel der Kurator
	Christian Jankowski und ich, obwohl wir beide Künstler sind. Hier wird also
	eine generelle oder sagen wir: strukturelle Form sozialer Ungerechtigkeit
	sichtbar, die sich allein auf den Unterschied Mann/Frau bezieht. Daher
	scheint mir die Analyse unseres Verhaltens wichtig, einer Analyse also, die
	in der Lage ist zu erklären, wie wir unsere Beziehungen untereinander
	konstruiert haben und wie wir sie konstruieren könnten. Dasselbe gilt auch
	für unsere Beziehung zum gesellschaftlichen System als solchem, und dieser
	Beziehung können wir neue Formen geben.

	22 Aug 2016

	## AUTOREN

	Gina Bucher

	## ARTIKEL ZUM THEMA