# taz.de -- AUSSTELLUNG: Souveräne Leere

	# taz.de -- AUSSTELLUNG: Souveräne Leere

	> Das Gerhard-Marcks-Haus sucht den "Nullpunkt der Bildhauerei" und widmet
	> dem Bildhauer Yuji Takeoka eine Retrospektive. Der war lange Jahre in
	> Bremen Professor und blieb doch im Verborgenen. Nun wird er emeritiert.
	> Eine Spurensuche

	Bild: Anklänge ans Bauhaus sind nicht zufällig: Shikiri (1990) aus Palisander…

	Erst jetzt, wo er fast schon weg ist, wird so richtig klar, was fehlt,
	fehlen wird. Das wiederum ist von einer gewissen Ironie – weil: Es geht
	doch um Leere, fast immer, bei Yuji Takeoka.

	Seit 1995 ist der Japaner in Bremen Professor für Bildhauerei, doch
	ausgestellt wurde er hier so gut wie nie. Gut, da waren zwei Ausstellungen
	in engagierten kleinen Galerien, aber das war auch schon in den Neunzigern.
	Und seither gab es hier immer nur mal Einzelnes zu sehen, aber die großen
	Sachen, die liefen in Berlin, in Tokyo – und Bottrop.

	„Er ist ein wichtiger Künstler für die Region“, sagt Arie Hartog dann, der
	Direktor des Gerhard-Marcks-Hauses in Bremen, des „Bildhauermuseums des
	Nordens“, wie es sich selbst nennt. Das widmet ihm jetzt eine große
	Retrospektive, die erste museale Einzelausstellung in Bremen – jetzt, wo
	Takeoka emeritiert wird, ganz und gar zurück nach Düsseldorf geht, wo er
	schon lange lebt. Bremen, so hat man das Gefühl, wusste nie so richtig, was
	es an Takeoka hat. Warum? „Das liegt“, sagt Hartog, „an Bremen.“

	Okay, für die Bildhauerei ist er zu sehr an Sockel und Vitrinen, also am
	scheinbar Nebensächlichen interessiert, zu wenig figürlich, also zu weit
	weg von allem, was sie traditionell ausmacht. Und zu nahe an dem, wovon sie
	sich so gerne abgrenzen will: Design, Möbel. Für alle anderen aber ist
	Takeoka eben schon zu gegenständlich.

	Und dann ist da noch dieses Missverständnis, das Takeoka in jene Schublade
	steckt, auf der „Minimal Art“ steht. Bei genauerem Hinsehen hat er damit
	gar nicht so viel zu tun, zumal Takeoka nicht so unpersönlich, schematisch,
	ja: nicht so humorlos ist wie eben der Minimalismus.

	Wie Sie sehen, sehen Sie: Nichts. Nein, das stimmt auch nicht ganz. Doch in
	der edlen weißen Vitrine an der Wand, die mit ihren beiden Halogenstrahlern
	den Innenraum perfekt illuminiert, so als ob es da was auszuleuchten gäbe –
	da steht nichts. Ironisch wird da auf eine Benutzbarkeit angespielt, die es
	nicht gibt. Aber auch auf die tradierten Spielregeln, die im Kunstbetrieb
	gelten: die museale Erhöhung, die per se „wichtig“ und „wertvoll“ mach…
	was drinnen steht.

	In dem großen Glaskubus nebenan ist nur ein puristischer weißer Sockel, der
	nichts erhöht als sich selbst, weil er leer bleibt, bleiben wird, und der
	aussieht, als sei er aus seidenmattem Marmor. Ist er aber nicht. Es ist
	Corian, ein Werkstoff, den man sonst oft in edlen Designerküchen und
	-bädern findet. „Bei mir ist die Existenz des Materials als solches
	wichtig“, sagt Takeoka, „meine Vorstellung bestimmt die Form und die Menge
	des jeweiligen Materials, um dessen ausgeglichenes Dasein so deutlich wie
	möglich ausdrücken zu können.“ Dieses Material aber ist bei Takeoka stets
	besonders hochwertig und nie anders als vollkommen präzise und handwerklich
	perfekt verarbeitet.

	Seit den Achtzigern schon widmet sich der Japaner dem, worin, worauf des
	Bildhauers Werke sonst nur zu stehen kommen. Und was Rodin einst schon
	abgeschafft hat. Sowas machen inzwischen auch andere KünstlerInnen, doch
	kaum jemand mit solchem ästhetischen Anspruch. „Betrachtet man den Sockel
	als Ding, worauf ein Objekt steht, kann man den Boden im Raum auch schon
	als Sockel ansehen“, sagt Takeoka. Und begreift den ganzen Raum als eine
	begehbare Skulptur.

	Er verleiht dem musealen Möbel skulpturale Qualität und Autonomie, er
	hinterfragt die Sehgewohnheiten der geneigten BetrachterInnen, ja, das
	Pathos der Kunst. Ohne dabei bloß das Banale zur solchen zu erheben. Das
	„Nichts“ ist hier nicht nur das Fehlen von „Etwas“. In der Leere entste…
	bei Takeoka ein Raum, in den wir uns etwas hineindenken, den wir mit
	Gedanken, Ideen, Vorstellungen, Erinnerungen füllen. Es ist die „Steigerung
	der Wahrnehmung durch das Weglassen dessen, was man für das Eigentliche
	hielt“, schrieb die Frankfurter Allgemeine mal. Selten wurde mit Leere so
	souverän umgegangen wie hier.

	Einst hat Takeoka für sich selbst alles vom Sockel geworfen. Und nochmal
	ganz von vorne angefangen. Als er 1973 aus Kyoto kam, wo er geboren ist,
	Kunst studierte und Meisterschüler war, da hat er zunächst ganz andere
	Sachen gemacht, stark raumbezogene, großformatige Arbeiten waren das. Doch
	irgendwann sei er selbst nicht mehr zufrieden gewesen. Es kam die „Krise“,
	wie er heute sagt. Und Joseph Beuys, also nach Japan, mit seinem
	„Filzanzug“ von 1970. „Ist das Kunst?“, fragte sich Takeoka damals. Und
	wollte doch nach Düsseldorf, wo Beuys Professor an der renommierten
	Kunstakademie war. Als er schließlich kam, war Beuys schon entlassen.
	Takeoka blieb, fing künstlerisch neu an, bei Null, um „was ganz anderes zu
	machen“. Es war ein „Befreiungsschlag“, sagt er. Bis heute arbeitet Takeo…
	in Düsseldorf, Professor wollte er dort jedoch nie werden.

	Japaner finden ihn heute „sehr deutsch“. Und Deutsche? Suchen bei ihm
	vergeblich nach Insignien dessen, was sie für typisch japanisch halten.
	Solcher Symbole, sagt er, würde er sich nie bedienen. „Er ist ein totaler
	Traditionalist“, sagt Peter Friese – wenn es um Form und Raum, um die
	gediegenen Materialien geht. Friese kennt ihn noch von damals, als noch
	keiner ihn kannte und ist heute stellvertretender Direktor der Weserburg,
	Museum für moderne Kunst in Bremen. Andererseits hege er die
	„industrialisierte amerikanische Vorstellung“, Kunst könne auch von
	Maschinen gemacht werden. Längst sägt, schleift und poliert Takeoka nicht
	mehr alles selbst – es kommt auf die Erscheinung der Dinge an, zumindest
	jene, die wir im Kopf haben.

	Dabei „muss man keine dicken Bücher gelesen haben“, um Takeoka zu
	verstehen, sagt Hartog, müsse nicht viele Philosophen kennen. Hartog ist
	einer, der Kunst nicht nur für jene zeigen will, die sie ohnehin kennen,
	und er hat damit auch Erfolg, was die Besucherzahlen in der Stadt angeht.

	Jenes etwas Elitäre, was zeitgenössische Kunstpräsentation oft hat, findet
	er „grauenhaft“. Lieber setzt er darauf, dass die Leute ihre eigenen
	Sehgewohnheiten selbst hinterfragen, sich selbst überlegen, wo Bildhauerei
	eigentlich anfängt, ihren „Nullpunkt“ hat, wie es im Titel der Ausstellung
	heißt. Oder jedenfalls einen Sinn fürs Kontemplative entwickeln, dass
	Takeokas Werke haben. „Ein Museum sollte nie beweisen, dass etwas neu ist,
	sondern dass es Sinn macht“, sagt Hartog.

	Seinen künstlerischen Durchbruch in Deutschland verdankt Takeoka übrigens
	der Kasseler Documenta IX von 1992. Bei Wikipedia ist er gleichwohl bis
	heute eine weitgehend unbeschriebene Seite, das Portal [1][artfacts.net]
	listet ihn unter über 300.000 KünstlerInnen immerhin auf Platz 2.989. „Er
	wollte nie Karriere machen“, sagt Friese. Und sich stets eine Distanz zu
	Bremen bewahren, wie er selbst sagt.

	Zugleich sei er ein „eher stiller Zeitgenosse“, so Friese, anders als etwa
	der laute Bildhauer- und Professoren-Kollege [2][Olaf Metzel], der gerade
	in der Weserburg kuratieren durfte. Vielleicht war Takeoka auch deshalb nie
	recht präsent in Bremen. Sein jüngstes öffentliches Kunstwerk entsteht
	derzeit – in Paderborn.

	Bis 10. Juni, Bremen, Gerhard-Marcks-Haus, [3][www.marcks.de]

	16 Mar 2012

	## LINKS

	[1] http://artfacts.net
	[2] /Kuenstler-Wols/!88877/
	[3] http://www.marcks.de

	## AUTOREN

	Jan Zier

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