# taz.de -- „Es gibt zu viel Besitz in zu wenig Händen“

	# taz.de -- „Es gibt zu viel Besitz in zu wenig Händen“

	> AUSSTELLUNG Die Künstlerin Birgit Brenner über ihre gewachsene Verbindung
	> zur Galerie „Eigen +Art“, ihre Fähigkeit, Gefühle durch Geschichten zu
	> transportieren, und das Sammeln von Müll als Zwangshandlung

	INTERVIEW BRIGITTE WERNEBURG

	taz: Frau Brenner, Sie sind jetzt 20 Jahre bei der Galerie Eigen + Art. Ist
	das eine alte Ehe?

	Birgit Brenner: Ja, mit allen Vor- und Nachteilen. Ein Vorteil ist, dass
	wir uns mehr sagen. Ich wüsste nicht, ob es diese Offenheit und Direktheit
	zwischen uns gäbe, wenn ich bei Judy Lybke eingestiegen wäre, als er schon
	so erfolgreich war. Dass Judy diese Karriere hingelegt hat, ist natürlich
	toll für mich und die anderen Künstler der Galerie. Ich bin sogar schon
	mehr als 20 Jahre dabei, weil ich schon während des Studiums bei Eigen +
	Art war.

	Wie sind Sie überhaupt zusammengekommen?

	Damals an der HdK, jetzt UdK, macht man nach der Grundklasse eine
	Ausstellung. Da fand Nicole Hackert meine Arbeiten gut. Sie machte damals
	mit anderen den Artacker in der Ackerstraße, bevor sie mit Bruno Brunnet
	Contemporary Fine Arts aufmachte. Bei ihr hatte ich dann eine kleine
	Ausstellung, die Kathrin Becker sah, die heute das Videoprogramm bei nbk
	leitet. Sie fragte mich wegen der Ausstellung „37 Räume“ an, die Klaus
	Biesenbach in leer stehenden Räumen in der Auguststraße organisierte,
	zusammen mit 31 Kuratoren. Und im Zusammenhang damit hieß es, Judy Lybke
	findet meine Arbeit am besten. Ich bin dann mit meiner Mappe zu ihm
	gegangen und hab gesagt, hier, das bin ich, du fandst mich gut. Ich hatte
	Glück, denn wie er sich ausdrückte, suchte er für sein Galerieprogramm
	Westweiber. Dass es bis heute hält, hat wohl keiner von uns damals gedacht.

	Ihre Kunst ist narrativ ausgerichtet. Sie basiert auf tragisch-traurigen
	und gleichzeitig komischen Geschichten und Problemlagen des Alltags. Wäre
	die Situation der Künstler in der Kunsthochschule und danach nicht ein
	Thema für Sie? Zumal es eine Chance für Selbstreflexivität böte, oder ist
	das zu heikel?

	Nicht zu heikel. Das große Missverständnis bei meinen Arbeiten ist ja, dass
	viele denken, die Birgit, die hat einen psychischen Schaden. Ich hab mir
	schon überlegt, ob ich es jetzt endlich zugebe, dass ich schon zig
	Selbstmordversuche hinter mir habe, seit Jahren unter Medikamenteneinfluss
	stehe und Alkoholikerin bin etc. Ich kann aber Geschichten, die mir nahe
	sind, die ich real erlebt habe, nicht gut erzählen. Ich kann allerdings
	Gefühle, die ich dabei hatte, in andere Geschichten transportieren. Darüber
	hinaus bin ich ganz schlecht im autobiografischen Bereich, da ich Abstand
	zu den Storys brauche. Ich brauche fiktive Leben und nicht mein eigenes.

	Obwohl ich ja dachte, die Messie-Frau hat was von einer Künstler- oder
	Künstlerinnenfigur? Künstler sind immer auch Sammler, mehr als andere
	Leute, finde ich.

	Im Atelier ja, zu Hause nicht. Und meine Geschichten sollen viele Aspekte
	haben, auch Aspekte, die jeder kennt. Logischerweise sammeln Kunstsammler.
	Aber man fragt sich manchmal schon, wie viele Lager habt ihr eigentlich?
	Ist das nicht compulsive hoarding, was ihr da treibt? In der aktuellen
	Installation geht es um die Frage nach Besitz. Was ein Messi hortet, ist
	für uns Müll, aber für ihn ist das ein wertvoller Besitz. Im Begriff
	Privatbesitz stecken zwei Begriffe, die ich aktuell ganz wichtig finde. Das
	Private ist in Gefahr, und Besitz ist das Unheil der Welt. Es gibt zu viel
	Besitz in zu wenigen Händen.

	Dafür, dass es in „Selbst Schuld“ um das Messie-Syndrom geht, sieht der
	Galerieraum ausgesprochen elegant und aufgeräumt aus. Kenne ich nicht viel
	wildere Installationen von Ihnen?

	Ja, ich wollte in der Galerie keinen Müll zeigen. Denn es geht mir nicht um
	den Müll, sondern um die Funktion, die er für die Betroffenen hat, sie
	unterliegen ja einer Zwangshandlung. In der Regel haben sie einen hohen
	Eigenanspruch, den sie nicht erfüllen können, und scheitern schon vorher,
	gerade aufgrund dieses zu hohen Anspruchs. Ein Bild für unsere aktuelle
	Zeit. Für die Installation wollte ich eine schwarze Bühnenbildsituation
	haben, die viel Licht schluckt. Und wenn man in die Galerie reinkommt,
	wollte ich, dass man die unterschiedlichen Schichtungen der Arbeit sieht,
	die von der Seite gesehen eher unattraktiv sind. Von vorne sieht man dann
	die Fassade eines zerklüfteten Hauses, hinter dem sich die Situation
	abspielt. Menschen mit Messie-Syndrom suchen in der Regel keine Hilfe von
	sich aus. Und die Kakerlaken verraten sie dann oft, da sich Nachbarn über
	Ungeziefer beschweren.

	Die Kakerlaken bringen dann Hilfe?

	Ja, für sie ist das keine Hilfe. Für sie ist das ein Desaster. Sie schämen
	sich, dass das Ungeziefer sie verrät und ihre Situation aufdeckt. Deswegen
	habe ich die Kakerlaken auch fast gleich groß gemacht wie das eigentliche
	Bühnenbild. Die Nummern, die man sieht, das sind die Höhenmesser, die
	anzeigen, wie viel die Protagonistin gesammelt hat, und gleichzeitig dienen
	sie als eine Art Abstandshalter. Der einzige Blick in einen Innenraum ist
	ein Hochglanzdruck, der das wahre Bild einer realen Situation zeigt. Der
	hängt dort klein und ganz alleine. Wenn ich einen Müllberg bis zur Decke
	aufgehäuft hätte, wäre mir das zu illustrativ geworden.

	Und was hat es mit den Blumen gegenüber der großen Schichtung auf sich?

	Ich wollte, dass etwas ganz Belangloses das Szenario attackiert. Ich hab
	Stiefmütterchen genommen, nicht wegen ihrem Namen, sondern weil diese
	Blumen für mich ein Gesicht haben, weil sie schauen. Ich wollte
	offenlassen, ob es die Blicke der anderen sind oder nur die Balkonpflanzen
	von gegenüber, die (ihr) sagen „Selbst Schuld“. Deswegen sind die Pfeile,
	die als Attacke von gegenüber auf die Arbeit zeigen, und die Abstandhalter
	auf der anderen Seite in der gleichen Farbe und der gleichen Sprache
	gemacht. Weil nicht sicher ist, wer was sagt.

	Ist Messietum für Sie auch reizvoll von der formalen Seite her? Weil es
	sich doch gut trifft, dass die Materialien, mit denen Sie gewöhnlich
	arbeiten, eher billige Materialien sind wie Pappe und Dachlatten?

	Eigentlich schon, aber hier habe ich viel mit Holz gearbeitet. Denn
	unabhängig vom Thema hatte ich vor ein, zwei Jahren das Gefühl, dass ich
	mit meinen Arbeiten mehr in den Raum gehen will. Da arbeitet man unter der
	Bedingung der Schwerkraft. Also musste ich hinter den Schichten eine
	Konstruktion verstecken, die das alles trägt. Glücklicherweise habe ich
	jetzt Sperrholz entdeckt, das mir viele Möglichkeiten bietet, ohne dass die
	Technik wirklich auffällt.

	Wie bei den Stiefmütterchen?

	Die Stiefmütterchen sind aus Pappe. Die Unterkonstruktion ist Holz, sonst
	könnte ich nicht so weit in den Raum hineingehen, da ab einer gewissen
	Länge natürlich eine enorme Hebelwirkung entsteht. Zudem geht es mir um
	Überlagerung, um Schichten und um Überfrachtung. Unterschiedlichste
	Aspekte, die sich in verschiedenen Höhen abspielen. Es gibt dann einen
	Blickwinkel, an dem sich alles zusammenfügt und ein Ganzes ergibt.

	Diese Vielschichtigkeit verweigert sich einer definitiven Wahrheit der
	Geschichte?

	Ja, es ist mir wichtig, dass die Installation einen inszenierten und auch
	einen flüchtigen Aspekt hat. Ich mache Kunst nicht, damit sie mich
	überlebt, sondern weil ich einen Ausdruck für Leben haben möchte. Wie ich
	Leben empfinde, was passiert in der Zeit, in der man lebt. Und da finde ich
	es absurd, wenn man etwas festhalten möchte, weil man es eben nicht kann.
	Diese Flüchtigkeit und den Punkt, dass jeder sein Leben und sich selbst
	auch inszeniert, das alles will ich mit den Geschichten transportieren, und
	deswegen auch die vergängliche Materialform.

	2 Apr 2014

	## AUTOREN

	BRIGITTE WERNEBURG

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