# taz.de -- Ein Königreich für ein Libretto

	# taz.de -- Ein Königreich für ein Libretto

	> ■ Der Münchener Biennale letzter Teil

	Bekanntlich leidet das traditionelle Musiktheater unter
	Gewichtungsproblemen: Die Musik geht zu Herzen, aber die Sprache nicht mal
	ins Ohr aufgrund geradebrechter Reime; das Bühnenbild ist avantgardistisch,
	die Story aber durchmottet oder brüchig und so fort. Und bekanntlich hat
	sich die 1988 von Hans Werner Henze ins Leben gerufene Münchener Biennale

	-als internationales Festival für neues Musiktheater vorgenommen, diese
	Gewichtungsprobleme nach und nach zu lösen und ein Musiktheater entwickeln
	zu helfen, in dem Musik und Handlung, Sprache und Gestik, Sinn und Form -
	und was dergleichen Gegensätze mehr sind - eine Einheit bilden sollen.

	Den bescheidensten Versuch hierzu, was den Aufwand anbelangt, unternahm das
	Figurenspiel „Hinter der Mauer„ des Train Theatre Jerusalem zu der
	brillanten Musik von Betty Olivero. Die Komponistin, 1954 in Tel Aviv
	geboren, studierte bei Luciano Berio und übernahm in diesem Jahr die erste
	Auftragsarbeit für die Biennale. Ihre Musik, hervorragend eingespielt vom
	Ensemble für Neue Musik München (Leitung Roger Epple), ist ein dichtes
	Gewebe aus vielfach bis zur Schmerzgrenze hochgezogenen Tönen, dramatisch,
	vielfarbig, äußerst emotional. Folkloristisch anmutende Elemente werden
	abgelöst von Passagen, in denen die Spannung über Dissonanzen bis zum
	Höhepunkt getrieben wird; ein Mezzosopran (Gony Bar Sela) übernimmt die
	schwierige Rolle des Chors in der antiken griechischen Tragödie: Sie ist
	Erzählerin und Kommentatorin, zuweilen auch die innere Stimme der stummen
	Spieler. Ihr Text ist auf wenige Worte beschränkt, in langen, unendlich
	ausgedehnten Linien, sich festhakend an einzelnen Vokalen.

	Das Train Theatre Jerusalem hat die gleichnamige Erzählung von Chaim
	Nachman Bialik zur Musik einstudiert: Die Familie eines jüdischen
	Holzhändlers läßt sich in einer ländlichen Gegend nieder. In der
	Nachbarschaft lebt eine alte Frau, „die Heidin“, mit einem Findelkind und
	ihren Hunden. Zwischen den beiden Familien, die verschiedene Kulturen
	repräsentieren, entsteht Feindseligkeit, die von den Kindern - dem
	Findelkind Marinka und dem Sohn des Holzhändlers, Noach - überwunden wird:
	Eine romantische Liebe spinnt sich an. In der kurzen Aufführung (1 Stunde),
	die mit den einfachsten Mitteln sensibel arbeitet, ist zweifelsohne
	erreicht worden, was Ziel der Biennale ist: eine untrennbare,
	illuminierende Verbindung von Musik, Dramatik und Bewegung.

	Die Klippen der symbolischen und poetischen Ästhetik des Train Theatre
	Jerusalem zeigten sich in der folgenden Inszenierung, der Fabel „Ikarus“
	nach Gabriel Garcia Marquez zur Musik von Babette Koblenz und Hans
	-Christian von Dadelsen. Der mythologischen Geschichte entsprechend (deren
	wirre, symbolüberfrachtete Handlung sich nicht wiederzugeben lohnt), ist
	die Musik des Komponistenteams weicher, diffuser, in größeren Bögen
	gespannt. Die Bebilderung der Fabel, obwohl enthusiastisch in Szene
	gesetzt, erinnerte gleichwohl an eine mißglückte (oder sogar geglückte?)
	Eurythmieveranstaltung, und man kam angesichts der handelnden Figuren
	(Mutter Erde, Baby, alter Mann und Vogel) nicht um die Frage herum, ob das
	denn nun für Erwachsene die angemessene Unterhaltung sei...

	Bei der hochgelobten und vom Münchner Publikum begeistert aufgenommenen
	Inszenierung der Dance Opera „The Mother of Three Sons„ von Ann T. Greene
	(Libretto) und Bill T. Jones (Choreographie und Regie) wiederholte sich das
	Vergnügen, auf Mutter Erde, Bruder Fluß, Vogel, Sonne und Mond zu treffen.
	Die phantasievollen Kostüme, die lebhafte Choreographie konnten nicht
	wettmachen, was das banale Bühnenbild und die archaisch-kitschige
	Pseudostory, deren Handlungsfäden sich unentwirrbar verknäuelten, schon
	angerichtet hatten. Eine spannende, vielfarbige Musik zu dem Dreiakter
	schrieb der JazzkomponistLeroy Jenkins: Gershwin und Strawinsky gehen in
	Afrika einen trinken, nehmen die Tierstimmen am Flußufer ebenso auf wie das
	Grillenzirpen, das Rauschen des Wassers wie den feuchten Dunst über den
	Wäldern und das Trommeln im Busch... ekklektisch, stimulierend, klangreich.

	„Ein Königreich für ein Libretto“, dieser Stoßseufzer drängte sich zum
	zweiten Male auf bei der One-Woman-Show „Miriam“, Text und Musikvon William
	Osborne.Die musikalische Besetzung (elektronisches Klavier, Piano und vier
	Posaunen sowie die Stimme der Akteurin Abbie Conant) entspricht in ihrer
	Kargheit der minimalistisch organisierten Musik, die aus sich unendlich
	wiederholenden Läufen besteht, basierend auf einer Gruppe von drei Noten,
	die in vier verschiedenen Transpositionen die Oktave ergeben. Wenn's denn
	nach Dramatik ruft, findet ein Laufrausch der Pianistin seinen Abschluß in
	der klirrenden Veranschlagung dessen, was eine Hand im höchsten
	Tastenbereich hergibt. Die Performancekünstlerin Abbie Conant mühte sich
	nach Kräften, dem heillos gepanschten Text (unverdauter Beckett, kombiniert
	mit Sylvia Plath, Marilyn French und dem, was die Frauenbewegung sonst noch
	so hergibt) so etwas wie Authentizität abzuringen, mußte aber an dieser
	übergroßen Aufgabe zum Unglück aller scheitern.

	Den Abschluß der Inszenierungen bildete die Oper „Le Precepteur„ nach dem
	„Hofmeister„ von Jakob Michael Reinhold Lenz. Das Libretto schrieb der
	Lyriker Hans -Ulrich Treichel, der sich entschieden hatte, die ganze
	Unübersichtlichkeit der Handlung unverschnitten zu erhalten. Daß dies
	riskante Unternehmen gelang, ist vor allem einem zu verdanken: dem
	Bühnenbildner Antoine Fontaine. In einer völlig schwarzen, von Tafelwänden
	konstruierten Bühne, die den steifen Protestantismus, die Leibfeindlichkeit
	und Strenge der spätabsolutistischen deutschen Gesellschaft radikal
	veräußerlicht, ist eine Konzentration auf Handlung und Personen (in
	entsprechender Kostümierung von Anne Grand-Clement) erst möglich. Regisseur
	Philippe Piffault war leider weniger radikal in der Umsetzung, er schwankte
	zwischen statuarischer, kompromißloser Choreographie und Anleihen bei der
	klassischen Operndramaturgie - und entsprach damit vertrackterweise der
	Musik von Michele Reverdy. Harte, spannungsreiche Geräusche wechselten mit
	wenig charakteristischen Klangpassagen, die immer wieder neu angesetzt und
	abgebrochen wurden, eine wunderbar gelöste, sprachlose Arie der Lise stand
	leider unvermittelt in einer insgesamt unverbindlich wirkenden Musik. Wenn
	Regie und Musik bis zum Ende gegangen wären in der Charakterisierung der
	Personen und Stimmungen, im Gegensatz von Melodie und Geräusch, Gefühl und
	Erstarrung, es wäre ein wirklich großer Abend geworden.

	Elke Schmitter

	21 May 1990

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	elke schmitter

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