# taz.de -- Elefanten, die verdursten

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	> Die 58. Kunstbiennale von Venedig, die an diesem Samstag eröffnet, will
	> den Eigensinn der Kunst stärken. Afrika bildet die Avantgarde, aus den
	> USA stammen die meisten Künstler

	Bild: Automatisierter Sisyphos: Installation „Can’t Help Myself“ von Sun …

	Von Brigitte Werneburg

	Anders als seine VorgängerInnen hat Ralph Rugoff, der künstlerische Leiter
	der 58. Ausgabe der Kunstbiennale von Venedig, seiner Ausstellung zwar ein
	Motto, aber kein übergreifendes Thema gegeben. „Mögest du in interessanten
	Zeiten leben“ soll ein alter chinesischer Fluch sein, ist als solcher aber
	ein Fake, weil eine britische Erfindung. Der Wahlspruch will die
	Kunstausstellung an unsere Gegenwart andocken, die in den USA Donald Trump
	am Ruder sieht, in Europa den Brexit drohen und weltweit
	rechtspopulistische und autoritäre Regime auf dem Vormarsch.

	Da möchte der gebürtige US-Amerikaner, der seit 2006 die Londoner Hayward
	Gallery leitet, den Eigensinn der Kunst stärken und argumentiert gegen ihre
	Disziplinierung durch eine kuratorische Leitidee. Das überzeugt in der
	Theorie, aber nicht wirklich in der Praxis. In der Abfolge der Räume kommt
	es im Zentralpavillon in den Giardini zwar immer wieder zu Momenten
	glücklicher Verblüffung. Trotzdem weiß man nicht zu sagen, ob die Schau,
	die überrascht, damit auch schon gewinnt.

	Tatsächlich erschließt sich die Zusammenstellung der Arbeiten und die
	Kombination der Künstler und Künstlerinnen offenbar allein über das
	Bemühen, einen lebendigen, bunten und unterhaltsamen Parcours zu
	installieren. Und so stößt man von „The Decorated Shed“, der
	Miniaturnachbildung eines nächtlich erleuchteten amerikanischen Suburb von
	Alex Da Corte (*1980), auf eine geradezu vorbildliche Museumsinstallation
	zum Thema Raumfahrt. Allerdings, entgegen der properen Aufmachung mit dem
	Heldenbild des Astronauten erzählt Halil Altindere (*1971) in „Space
	Refugee“ die Geschichte eines Flüchtlings in Istanbul.

	Muhammed Ahmed Faris ist Syriens erster und einziger Kosmonaut, der 1987
	mit den Sowjets ins All startete. Als Regimegegner fristet er nun ein
	Flüchtlingsdasein in der Türkei und Altindere fragt, wenn kein Land
	Flüchtlinge aufnehmen will, sollten sie womöglich auf dem Mars Zuflucht
	suchen? Auch Kunst, die politisch Stellung nimmt, ist Rugoff ein Anliegen
	und widerspricht nicht seinem erklärten Wunsch, dass die Besucher an seinem
	Rahmenprogramm für die Internationalen Pavillons „Vergnügen haben“ sollen.
	Ob seine Aufspaltung der Kunstausstellung in eine Proposition A und eine
	Proposition B dieses Vergnügen verdoppelt, ist freilich fraglich.

	Denn Ralph Rugoff traf mit seiner Reduzierung der Teilnehmerzahl auf nur 79
	Künstlerinnen eine richtige Entscheidung, sabotierte sie dann aber gleich
	wieder, indem er diese 79 Positionen zweimal zeigt, einmal in den Giardini
	und noch einmal in den riesigen Hallen der Seilerei im Arsenale. Derart
	soll die Bandbreite von Material, Genres und Medien aufgezeigt werden, die
	im Werk der Künstler sichtbar wird. Oft läuft es aber nur auf eine
	Verdoppelung heraus.

	Sun Yuan (1972) und Peng Yu (1974) aus Peking etwa arbeiten offenbar
	stets mit einem Konzept drastischer Effekte. Für die Installation „Can’t
	Help Myself“ hat das Duo einen Industrieroboter so programmiert, dass er
	– Sisyphos gleich – vergeblich versucht, mit dem Wischer seines mächtigen
	Hebearms am Boden suppende blutrote Farbe aufzuwischen. Bei „Dear“ im
	Arsenale schlägt dann ein schwarzes, mit Druckluft bewegtes Kabel, das aus
	der Sitzfläche eines an das Washingtoner Lincoln Memorial erinnernden
	Marmorthrons herauskommt, plötzlich mit ohrenbetäubendem Lärm wie wild
	gegen die Glasscheiben, die die BesucherInnen vor der Peitsche schützen.

	Grundsätzlich ist aber eine gute Auswahl an Arbeiten zu sehen, viel
	gegenständliche Malerei, nicht immer überzeugend, dazu Video, wirklich
	interessante Fotografie, und ein Spektrum an Skulptur, die so lebendig
	wirkt, dass man meint, hier sollte man noch mal genauer schauen. Die
	Forderung, gleich viele Frauen wie Männer zu zeigen, übererfüllt Rugoff mit
	52 Prozent Künstlerinnen, der Eindruck von Diversität allerdings täuscht.
	Mit 17 KünstlerInnen stellen die USA knapp ein Viertel der TeilnehmerInnen
	und noch aufschlussreicher: Knapp ein Drittel der 79 KünstlerInnen lebt und
	arbeitet in den USA. Gleich dahinter kommt Berlin, von wo 14
	Teilnehmerinnen anreisten.

	Diversität in die Biennale bringen die Länderpavillons. Neben Madagaskar
	und Malaysia sind zum ersten Mal auch Ghana und Pakistan dabei. Felicia
	Abban, Ghanas erste Studiofotografin, ist mit ihren in den 1960er und
	1970er Jahren entstandenen Porträtaufnahmen von Accras Bourgeoisie in
	Venedig eine wirkliche Entdeckung. Sonst aber wartet Ghana mit bekannten
	Künstlern wie Lynette Yiadom-Boakye auf. Für ihre figurative Malerei war
	sie 2013 für den Turner Prize nominiert,. Der Bildhauer El Anatsui, berühmt
	für seine monumentalen Wandskulpturen aus Flaschenverschlüssen, hat derzeit
	eine große Einzelausstellung im Münchner Haus der Kunst. Und auch John
	Akomfrah ist ein international wichtiger Filmemacher. In einer dreiteiligen
	Filminstallation zeigt er von Dürre gezeichnetes, niedergehaltenes und auch
	schon erlöschendes Leben, Elefanten, die verdursten, es bricht einem das
	Herz.

	Das postkoloniale Afrika tritt als Vorhut, Avantgarde unserer globalen
	nächsten Zukunft auf. Unsere nächste Vergangenheit heißt, besonders in
	Venedig, Kolonialismus. Das Königreich Belgien errichtete den ersten
	Pavillon in den Giardini. Auf einem Wetterbericht von 1939, also aus den
	Zeiten der britischen Herrschaft über den indischen Subkontinent, bauen
	Naiza Khans „Manora Field Notes“ im Pakistanischen Pavillon auf. Die
	multidisziplinär arbeitende Künstlerin beleuchtet anhand der Entwicklung
	der Karachi vorgelagerten Insel Manora den generellen Strukturwandel in der
	Region, Belange postkolonialer Planung, Klimawandel, Umsiedlung und
	Vertreibung.

	Die „Manora Field Notes“ sind vielschichtig, Sound, Film und Skulptur
	greifen ineinander, dazu kommt das Alltagsobjekt der am Strand stehenden
	Aussichtsgläser, die den weniger begüterten Einwohnern von Karachi, die auf
	der Insel Ferien machen, das rare Vergnügen verschaffen, endlich einmal den
	Horizont absuchen zu können. Kolonialismus und Postkolonialismus sind für
	Naiza Khan ganz deutlich, wie sie sagt, eine Geschichte der Wahrnehmung und
	ihrer Instrumente.

	Sie definieren unsere kulturelle Wahrnehmung und bestimmen, was wir für
	glaubwürdig halten. Diesen Sachverhalt dreht nun Tamás Waliczky im
	Ungarischen Pavillon um. Er gehört – wie der von Katalonien – zu den
	Pavillons, die man scheut. Befürchtet man doch Kunst als Mittel
	nationalistischer Indoktrination zu erleben. Aber Waliczky, der seit 1992
	nicht mehr in Ungarn lebt, ist ein im Bereich Neue Medien international
	anerkannter Künstler. In minutiöser Arbeit am Computer hat er
	dreiundzwanzig Kameras, Projektoren und Bildbetrachter konstruiert, die
	schräge, fantastische bis wahnsinnige Wahrnehmungsvorstellungen oder
	-wünsche in Apparate übersetzen: sehr lustig und mit deutlich erkennbarer
	politischer Stoßrichtung.

	Das vermag die Kunst: Auch die Tomatenkisten aus grünem Plastik von den
	Feldern in Sizilien, die Natascha Sadr Haghighian in den letzten Raum des
	deutschen Pavillons gestellt hat, sind solche politischen
	Wahrnehmungsapparate, um das komplexe Drama von Flucht und migrantischem
	Überleben zu erfassen. Die Staumauer dagegen versperrt nur die Sicht.

	Bis 24. November, Venedig

	11 May 2019

	## AUTOREN

	Brigitte Werneburg

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